Provavelmente, não tenha eu sido a única a ser apanhada pelos protestos da PETA relativamente à lã. Como designers e estudantes de design de Moda, habituamo-nos a preferir fibras naturais. Ainda que gastem muito água e energia para serem produzidas, as suas características enquanto tecido para o utilizador e de durabilidade equilibram a balança da sustentabilidade.

Balança essa que deve ter em conta que a alternativa é o poliéster. Bem, até aqui barato, mas se é derivado do crude continuará a sê-lo com o aumento estrondoso dos combustíveis.

Não pretendo negar que existem maus tratos animais, mas pretendo questionar toda a questão para a poder perceber melhor. Afinal não é isso que faz o The Fashion Standup?

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Hoje falamos de três Semanas de Moda distintas - a Mercedes Benz Fashion Week Madrid; a New York Fashion Week e a Copenhagen Fashion Week. E porquê falarmos de semanas de Moda tão dispares? As razões são várias e diversas.

Pode pensar-se que as palavras dos designers e das marcas é o caminho mais fácil, não é bem essa a intenção. Se há uns anos atrás, muito do que se escrevia sobre Moda era com base nas memórias criativas dos criadores de Moda, actualmente, a excessiva intelectualização da Moda por um lado (numa escala não assim tão grande) e, em grande escala a rapidez das imagens velozes de plataformas como o Tik Tok… Onde ficam as ideias originais dos designers depois de interpretadas e reinterpretadas uma e outra vez?

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É esta a ideia de dedicar algumas palavras a mais de 40 designers de três semanas de Moda tão distintas num único ensaio partiu da minha reação face aos actos de violência do ex-CEO CFDA Steven Kolb para com os manifestantes da PETA no desfile da COS. Para lá de tais acções não terem espaço na Moda, tais acções repercutem-se no ofuscar o trabalho e a voz criativa dos próprios designers.

Para lá da representação digital de ditos designers no suposto site oficial NYFW — The Shows, digamos que podia ser mais próxima à das organizações europeias. Já que toda a informação dos designers que participaram tanto na Semana de Moda de Madrid como na Semana de Moda de Copenhaga podem ser facilmente encontrados nos respectivos sites oficiais dos eventos.

Mas porque falo agora de Madrid e da sua Mercedes Benz Fashion Week, porque aparentemente, esta estação o legado da Passarela Cibeles renasceu. Devendo-se tal renascimento à Fórmula 1 e ao “The Front Row” by Substack España. Sendo a MBFW organizada pela IFEMA, o evento não decorreu nos pavilhões da Instituição de Feiras de Madrid, agora ocupados pela etapa madrilena da F1. Pelo que os desfiles e apresentações ganharam o pulsar vital de diversas localizações da cidade.

E, ao ser a primeira semana de Moda ter um programa de colaboração oficial com o Substack, passa a ter maior cobertura de vozes independentes, o que lhe acaba por conferir ao evento espanhol um carácter pioneiro, neste espaço digital em expansão.

Já não é a primeira vez que vos falo da Semana de Moda da capital dinamarquesa, mas desta vez mais pessoal, mais emocional. Já que foi para mim uma honra ser convidada por um membro da comunidade TFS e estudante da The Swedish School of Textiles me ter convidado para o desfile na CPFW. Como não pude estar presente, esta é de certo modo o meu tributo.

Cá vamos nós, partindo da semana que aconteceu mais recentemente…

Mercedes Benz Fashion Week Madrid

Pedro del Hierro partiu da tradição japonesa de assistir ao florescer das cerejeiras e desconstruiu o kimono para chegar à colecção HANNAHI,

Palomo Spain, em Espanha, a marca é conhecida somente como Palomo e internacionalmente como Palomo Spain. O conceito da sua colecção é partilhado por poucas nas suas redes sociais. Fala-nos de Arcadia — a escuridão do jardim antes do amanhecer como celebração da liberdade do décimo aniversário da marca.

Lola Casademunt by Maite fala-nos de uma mulher cliente tipo que viaja de um lado para outro da cidade, cidade na qual existem pausas infinitas daí o nome dado às propostas que a marca apresenta “City Oasis”.

Adolfo Dominguez apela a que reflectamos para a forma como olhamos para o mundo, numa colecção onde a pesquisa começa com o questionamento da cor e luz.

Moisés Nieto o filho pródigo volta à Semana de Moda de Madrid, o designer andaluz fala-nos e retrata a sua Andaluzia que trata muito mais de Lorca e das pinturas de Julio Romero de Torres do que de folclore.

Acromatyx não tem um conceito externo — o conceito e a própria colecção começam com o corpo e a reinvenção de moldes já usados pela marca em coleções anteriores. Um corpo que se vê restrito por silhuetas cingidas ou expandido por silhuetas volumosas.

Isabel Sanchis oscila por entre uma homenagem feminista às calças bloomers e a reinterpretação do espartilho.

Custo Barcelona como propósito a leveza visual, quase celestial, seguem-se os códigos da casa como veículo de auto-expressão para quem veste.

Redondo Brand uma descrição mais técnica do que conceptual, querendo variedade e contraste de texturas e formas. Assumindo as cores usadas: vermelho, rosa, branco, preto, dourado, azul Klein e laranja — como temas-chave da própria colecção.

Calaaf mais uma vez os jardim, mas desta vez dialoga com a artificialidade, a decadência, romantismo com laivos de realidade nua e crua. Não sendo o objectivo a representação real de um jardim.

Alvarno reinterpreta o vestir “à la española” do século XV, tendo como motivo principal “The Light of Madrid, The Spirit of Paris” como o que chama de barroco minimalista.

Antonio del Canto foca olhar naquele que considera ser um altar do dia-a-dia - o toucador. O eu interior apresenta-se ao exterior e é exactamente de preparação de nos vestirmos que inspira o designer.

Celia B Designer interpreta “Indian Summer” como os últimos dias de calor do Verão, ao mesmo tempo que regressa às suas origens nas Astúrias, inspirando-se nos “índios” asturianos.

Juan Vidal apresenta “Segundo Edén”, havendo pouca informação disponível sobre a sua memória descrita, conclui-se que se trata da continuidade do conceito da colecção anterior — “Edén”. Inspirado por uma viagem a Istambul, por entre ideias de modéstia e pecado.

New York Fashion Week

Carolina Herrera no seu site oficial fala-nos desta colecção como a materialização do universo da marca e da mulher CH para as novas gerações.

Thom Browne queria brincar, não queria que a colecção muito sério, assim tal como para a mais recente colecção menswear partiu do filme de animação da Pixar A Bug’s Life.

Parsons MFA, as coleções dos estudantes cujas inspirações vão desde as mulheres tidas como assustadoras, mas na verdade eram decidas sobre si mesmas a pioneiros da “Black culture”.

Libertine a marca do designer que se orgulha de não saber costurar nem saber confeccionar uma peça de roupa estabeleceu como objectivo, desta colecção face às anteriores, o progresso.

Bibhu Mohapatra continua a inspira-se na Marchesa Luisa Casati, que segundo a designer , acredita que cada dia era uma obra de arte. A esta inspiração junta-se um outro amor da designer — as traças.

Michael Kors — diversas referências artísticas de metade do século passado, uma série de eventos quotidianos e o desejo de criar algo que salte à vista.

Prabal Gurung não conseguia parar de pensar em liberdade e, à liberdade juntou-se o conceito de pessoas de universos opostos a partilharam o mesmo espaço e a passarem um bom bocado.

Magda Butrym empatiza com a experiência da pioneira artista polaca Natalia LL, que fora para Nova Iorque para desenvolver a sua arte, lutando pela presença das mulheres na arte, não tendo quaisquer facilidades na Big Apple, desta empatia nasce a colecção para a próxima primavera.

Altazarra teve como ponto de partida um álbum de fotografias de meados do século passado onde figuravam homens vestidos de mulher. Assim criou uma colecção que deseja que para além de evocado de liberdade, fosse alegre.

Christian Siriano cria uma colecção em torno do conto francês “A rainha das Ilhas Floridas”, que aborda temáticas de vaidade, vingança e rivalidade.

Sandy Liang rêve-se no styling da sua própria colecção, que queria fosse tão feminina como hyper sporty e na qual existe um regresso à realidade sem perder a magia.

Ralph Lauren segundo o próprio a colecção trata da liberdade e diversão de criar o próprio estilo, um estilo verdadeiramente pessoal.

Laquan Smith perspectiva as vidas das mulheres, não só num momento do dia como fizera anteriormente, mas ao longo das 24 horas do dia.

Copenhagen Fashion Week

Caro Editions cria um Club noturno para homenagear as peças que ficam connosco para lá da noite acabar. Somos assim convidados para o Caro Club.

Nicklas Skovgaard inspirado pelas girl bands da década de 1960s como The Supremes, The Shangri-Las, e The Ronettes, apresenta The Skovgaardettes. Colecção que se desdobra em diversos guarda-roupas miniaturas.

Iamisigo dá à sua colecção o nome de “Sacred Ecologies”, sendo uma extensão do seu questionamento da peça têxtil como registo vivo e do corpo lugar de transformação.

The Swedish School of Textiles, um grupo de 22 recém graduados sobre o que significa dar os primeiros passos nestes tempo que vivemos de incerteza económica e grandes avanços tecnologias. Uma apresentação onde cada aluno se expressa individualmente.

Gestuz reflecte sobre os actos que as mulheres praticam não por produtivo, mas por prazer próprio, a ideia de se auto - documentar como forma de autoria, a isto aliam-se vibes dos anos ’70.

Paolina Russo - heroínas e musas aliam-se à ideia e tomada de consciência de que tudo é possível. Ao mesmo tempo, ao longo do processo criativo todo conta como artefacto de inspiração, como por exemplo um guardanapo.

By Marlene Birger explora antecipação do Verão que se vive durante o Inverno, tornando o Sol, como elemento simbólico de optimismo e renovação, o coração da colecção.

Institution by Galib Grassanoff tem como ponto de partida uma palavra em azerbaijano de onde o designer é natural. Yad que tanto pode significar: estranho, estrangeiro, memória ou lembrar.

Studio Constance brinca com expressões emocionais e transpõe para colecção as experiências mais recentes da designer — de transformação de corpo e mente.

Mr Larkin desfila pela primeira vez na CPFW e fá-lo com a colecção “Lucky”, que não trata só de sorte, mas também de resiliência, longevidade, gratidão e peças individualistas.

Masculina intitulou a sua colecção de “Dolls Parts”, que retrata a experiência das mulheres transexuais, com vista a se integrarem em segurança na sociedade. Para a Primavera/ Verão 2027 investiga aquilo que as restringe e aquilo que as permite afirmarem-se.

Scandinavian Academy of Fashion Design — 27 designers reflectem sobre problemas sociais, ao mesmo tempo que cada um explora diferentes técnicas de manipulação têxtil e, deixa transparecer as aprendizagens dos respectivos estágios.

OperaSport apresenta Growth, crescimento tanto natural como intencional, tendo como ponto de partida o parque natural de Copenhaga Carl Jacobsens Have.

Sim, podem dizer porque é verdade que este é um ensaio de curadoria, ainda que muitas sejam as vozes criticas, ultimamente, nas redes sociais, sobre a prática de curadoria.

No entanto, espero que gostes desta versão TFS.

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

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The Fashion Standup (PT)

Copenhagen Fashion Week: Mensagens de Voz

Enquanto abria o computador para escrever este ensaio, lembrei-me que este é a terceira newsletter seguida a ser publicada ao domingo. Não deixa de ser estranho, porque quando era criança o domingo era o dia da semana que eu menos gostava, a perspetiva da segunda-feira era super inquietante para mim…

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a year ago · 4 likes · Vera Lúcia

The Fashion Standup (PT)

O Substack e a Moda, uma história de Amor

Na semana em que o The Fashion Standup passa a estar integralmente no Substack, abordamos a história de amor crescente entre a plataforma e a Moda…

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a year ago · 5 likes · Vera Lúcia

The Fashion Standup (PT)

Pensamentos alinhavados

Esta edição é várias coisas e, principalmente, uma coleção de anotações - reflexões alinhavadas e pensamentos descosidos. Surge de uma entrevista com um subscritor do The Fashion Standup, num exercício do Business Class, em que este querido leitor me disse que gostava de ler mais sobre coleções badaladas da estação…

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a year ago · Vera Lúcia

Voltamos aos Book Stack, será o último destes Verão, mas não será o derradeiro. Hoje, vamos falar do livro “Fashion Industry and Tourism Strategy — Transforming Destinations & Shaping Experiences”, editado por Marco Valeri e Shekhar Asthana.

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Esta colectânea de papers académicos foi amplamente noticiada nos meios de comunicação portugueses, principalmente no digital, devido à participação da investigadora portuguesa Maria Nascimento Cunha.

Mas será que o livro faz jus ao buzz?

Já lá vamos, que não seria um ensaio TFS sem uma citação, duas até. E não, só porque sim, mas porque a definição de Turismo de Moda é necessária para se entender o livro. E como esta é uma obra de vários autores é pertinente saber como alguns definem este conceito:

“Turismo de Moda combina duas indústrias vibrantes, que são as indústrias da Moda e do Turismo. Neste sentido, as pessoas viajam para determinados destinos para explorarem a cultura de Moda da comunidade anfitriã.”

— Bapon Chandra Kuria, Ayan Banika e Marco Valeri

“O Turismo de Moda proporciona uma variedade de experiências como oportunidades de viagem, conhecimento cultural, e consumo de Moda, que oferece aos viajantes uma oportunidade de se envolverem em tradições de Moda local, artesãos, e iniciativas de Moda sustentável.”

— Manisha Paliwal, Komal Desai, Pooja Tanwar e Omkar Bapat

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O TFS fez dois anos na quarta-feira, dia 2 — e, no post de Instagram eu prometi que este ensaio seria uma retrospectiva menos lamechas, mas vamos ver o que consigo fazer nesse sentido.

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Na verdade não sei há quantos anos começou esta história. Pensei que sabia, mas agora que me sento a escrever, as possibilidades multiplicam-se…

Talvez tenha sido, há dezassete anos atrás, quando aos 9 anos decidi que queria ser designer de Moda. Muito mais tarde percebi que o fundo, o âmago desse desejo, era, de facto, estudar Design de Moda.

Ou quase de certeza que foi naquele dia 11 de Março de 2011, quando fui à ModaLisboa | Lisboa Fashion Week pela primeira vez. Nesse dia senti algo único, que acho que nunca voltei a sentir tal mistura de sentimentos — felicidade imensa e medo, medo de não regressar… Não sei explicar, nem elaborar melhor.

Também pode ter sido no meu primeiro ano da faculdade, no final de 2017, quando a minha querida professora de História da Moda me disse que eu poderia ser uma boa investigadora de Moda. Aquilo ficou a ressoar dentro de mim… E, não me lembro se foi no próprio dia, talvez tenha sido alguns dias mais tarde…

Sei que estava a sair da faculdade, era já de noite e eu caminhava acompanhada até ao portão de umas das pessoas que será sempre das mais importantes para mim (mas que nunca se vê ao espelho no que escrevo, nunca se reconhece nas estórias que conto) e cuja opinião é das poucas que valorizo inestimavelmente — ao contar-lhe o que a professora me dissera responde com uma assertividade e calma, combinação que nunca lhe havia visto: “Eu também acho!”

Para a maior parte das pessoas a dissertação de mestrado — a tese — é só uma obrigação, algo que se tem de cumprir para terminar esse ciclo de estudo, mas eu sou escorpião, o que é sinónimo de intensidade. Portanto, desde o inicio da faculdade tinha uma ideia do que faria nessa tal tese — estudaria e exploraria a Moda inclusiva.

Até que um dia, não sei especificar como nem quando, muito menos sei pôr por palavras a minha linha de pensamento. Eu mudara, algo em mim mudara, já não era isso que eu queria. Agora percebo o que senti e daquilo de que me dei conta. Tomando emprestadas as palavras de Gloria Steinem tinha de escolher algo que deixasse de tal forma feliz e entusiasmada que fizesse esquecer as horas.

E, assim, quando o professor de projecto nos pediu para partilharmos qual o nosso tema eleito para a dissertação, eu disse que estudaria a importância da Associação ModaLisboa.

Ao longo do processo pensava, eu podia fazer isto para sempre — pesquisar sobre Moda independente do cluster lisboeta, relacionando-a com o Sistema de Moda. Tarefa que me deixa tão feliz e em puro êxtase como quem encontra um pote de ouro por detrás do arco-íris.

Só agora percebo que acabei por fazer o que a Gloria dizia ser importante que contássemos uns aos outros estórias e as nossas estórias. Visto na sua perspectiva, faz-me sentir que qualquer impacto conta independentemente da dimensão que o mesmo tenha.

É claro que são muitos os dias em que penso: “Mas que raio é que eu estou a fazer? Mas quem é que eu me acho? Que importância é que tem o que eu ando a fazer?”

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Depois vejo que o The Fashion Standup é lido em 92 países e por mais de 1500 pessoas. Ao ver isso, vejo também que são quase tantas as pessoas do Estado de Nova Iorque, quantas as que me lêem em Portugal, o meu país natal. Sendo Gloria Steinem uma figura maior, em especial na cidade de Nova Iorque abraço-vos neste momento em que flores e cartas se aglomeram à porta do prédio onde vivia.

Para lá dos números e, do dinheiro ou a sua perspectiva que também têm a sua importância, a verdadeira importância está quando uma subscritora me diz que graças a mim ficou a conhecer o trabalho de um designer português; me escreve que um ensaio meu a fez repensar uma instituição como a Vogue; ou que fui um motor de inspiração da inclusão criativa de pessoas com deficiência física encontrarem o seu lugar na indústria da Moda.

Nunca pensei escrever, sempre achei que era um acto aborrecido e que eu não o fazia bem — não sou dotada no uso de pontuação; esqueço de palavras e letras; a minha mente é muitíssimo mais rápida que as minhas mãos.

Se tivesse sabido o futuro, teria uma e mil vezes estudado Design de Moda — deu-me mais do que posso quantificar, aquilo que me ensinou deu-me o meu completo ser e deu a Moda como uma descoberta e um mundo de possibilidades que só as disciplinas do Design e da Moda me poderiam dar.

O que segue? Continuar, com a certeza que um ‘9 to 5’ nunca seria para mim, que estou grata porque cada um de vós. Tentando neste terceiro ano de TFS dar-vos mais conteúdos com a densidade que merecem. Espero manter o diálogo com as vossas sugestões para lá da minha enorme teimosia de não esperar pelos algoritmos e me apresentar sempre primeiro.

Vemos-nos para a semana, no último book stack do Verão?

Falta dizer que se a semana passada referi a morte de Dolly Parton e da empatia que sinto por Miley, desta vez não falo/ escrevo o suficiente sobre Gloria Steinem porque é algo para mim com muito mais impacto e significado.

Já escrevi sobre esse mesmo intenso significado nas redes sociais e em Note de Substack, mas o ensaio… Esse ficará para mais perto da data daquele que seria o seu aniversário. E aí darei o meu melhor na investigação e na escrita para honrar a relação de Gloria com a Moda.

Deixo já aqui a nota, relativamente, às críticas de que muitas de nós estamos a santificar a Gloria Steinem e que ela não o merece, são opiniões. E a minha é que claramente um ser humano tem defeitos, e até santos devidamente canonizados também os tinham. Factualmente, os santos só fizeram o bem depois de mortos e a Gloria fez a sua parte para deixar o mundo melhor do que o encontrou.

E, não, não tornei o texto de aniversário do meu projecto sobre a Gloria Steinem, porque em última análise sem Gloria, sem o seu trabalho e contributo, não havia The Fashion Standup.

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

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Esta semana quase não vamos falar de Moda — à exceção a uma menção à marca J W Anderson, não estivesse eu estado fora do escritório ou longe da minha cor-de-laranja Substack, da qual tantas vezes escrevo a newsletter, o escritório é mais o local de pesquisa. Em suma, estive cinco dias sem abrir o computador.

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Então, mas se não vamos falar de Moda, vamos falar de quê? Vamos falar da experiência mais inclusiva que já vivi num hotel; a minha relação com Sevilha; do que apercebi durante esta pequena pausa; e de Dolly Parton.

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Hoje falamos de leitura, mas não de book stack e, não se preocupem que eu sei que ainda nos falta um livro… Mas hoje fazemos um “digest” dos artigos de Substack que li esta semana.

Este é um formato que há muito pensava experimentar e, dada a minha relação complicada com o mês de Agosto, é a melhor altura para ditas experiências. Tive esta ideia ao ler o livro de Russell Nohelty e Claire Venus “How to build a world class Substack”, que recomendo para quem quiser perceber melhor a plataforma.

No outro dia, estava a pensar na ironia de eu estar a escrever tanto sobre leitura, leituras de Moda como é óbvio, ultimamente. A minha relação com a leitura não começou da melhor forma, comecei a ler tarde e com dificuldade e no quarto ano da Escola Primária fiquei em terceiro lugar num concurso de leitura e nunca mais parei de ler.

Bem, talvez d…

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A Europa está cada vez mais quente, nunca vivemos meses de Junho e Julho tão quentes — N-U-N-C-A!

O que quer isto dizer para os designers de Moda independentes?

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São muitos os desafios que os designers independentes enfrentam, mas como o calor extremo se torna mais um ou se múltipla em diversos desafios.

Em Portugal só 29% das casas que têm ar condicionado, no Reino Unido só conta com 5% de casas familiares têm ar condicionado, a média da Europa é de 20%. Com o aumento das rendas e dos imóveis seja de que tipologia for, restam, para lá de home office, os imóveis mais antigos — os mais quentes.

Ah, se te perguntas onde fui buscar estes dados? Recolho informação para ti por diferentes meios, como a TV, neste caso o G7 da CNN Portugal.

Para lá de muitas vezes, hipoteticamente, sofrerem com o calor a trabalhar — como acontecia na faculdade, há tantas outras questões… As micro-empresas, como são as dos designers de Moda de autor, têm a operação muito dependente do próprio. Isto quer dizer que o calor extremo cada vez mais debilita os sistemas imunitários — em muitos casos se o fundador/ designer adoece a operação pára.

Temos ainda os desfiles remarcados como o da Dior e de Rick Owens na Paris Men’s Week. E para mim mais interessante, uma vez que é uma questão sobre o qual não havia pensado e tenho plena noção de porque assim é, mas uma coisa de cada vez.

Farei menção à Vogue Business e as imagens presentes nas colagens deste ensaio têm como fonte a Vogue Runway. Apesar da pesquisa e colagens terem sido feitas antes do post de Instagram e Note de Substack de ontem, aquele no qual falo sobre o facto da Vogue ser a nova Hola! ou People Magazine, não é só por isso que mantenho tais referências. Considero que a Vogue Runway mantém o seu papel e que o deveria manter gratuita como era nos bons velhos tempos.

Sou consciente que o digo havendo neste ensaio uma paywall, mas o The Fashion Standup é uma publicação independente e as subscrições são a única forma de entrada de capital para este projecto. E apesar das paywalls, quando fazes scroll não encontras um banner de anúncios a cada dois parágrafos.

E, ainda que eu pense que a melhor estratégia para a Vogue seja ter uma Vogue Noivas como acontece em Espanha, para as Georginas e para as Laurens Sánchez Bezos — e deixavam a Vogue ser Vogue.

Já agora, como os meus ensaios nunca são em linha reta deixa-me contar-vos um pequeno hack económico, já recebi um certo hate por falar disto, não obstante vou fazê-lo. Uso a Klarna, já escrevi sobre isto e, é através da subscrição da Klarna que tenho acesso à Vogue e outras subscrições entre os quais o Flo.

Falando da Vogue Business, ainda tem artigos que são aquilo que queremos da Vogue — tendo em conta a comunidade de Moda do Substack. Artigos como “Can Fashion Handle the Heat?”, no qual é citado um post de Instagram do fundador da revista independente StyleZeitgeist, Eugene Rabkin. E com essa citação voltamos à tal questão sobre a qual eu nunca havia pensado:

“Falo por muitos editores independentes aos quais não é concedido carro por parte dos organizadores da Paris Fashion Week ou por meio de ajudas de custo e, digo-o com todo o respeito, mas as Alterações Climáticas são reais… Às vezes, quando ouves um educado “não”, é porque o teu showroom é demasiado longe e nós estamos a dar prioridade ao nosso bem-estar invés de olhar para peças de roupa. Enquanto isso, tentamos fazer o melhor com calendários frenéticos que mandam de um lado para o outro da cidade, como se fossemos bolas de ping pong, várias vezes por dia sob um clima debilitante… Eu sei que os orçamentos são apertados, mas ajudem-nos a ajudar-vos.”

Obviamente, que o problema de que fala Rabkin faz todo o sentido, só nunca pensei nisso pela minha experiência de Fashion Week.

Como sabem, a minha experiência é a ModaLisboa | Lisboa Fashion Week que, a cada edição, tem uma location principal, onde decorrem a maior parte dos desfiles com os outros eventos a não distarem muito. Por exemplo, no Pátio da Galé, há estacionamento muito perto (e eu e andar a pé é incompatível) que muitas vezes é gratuito quando o lugar de deficiente na rua está disponível. E, também consigo deslocar-me facilmente entre esta localização principal e o MUDE, onde costumam decorrer alguns desfiles e ciclos de conferências. Portanto, Moda em Lisboa não tem bolas de ping pong.

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Eu era nerd que lia a Vogue e a Teen Vogue no intervalo das aulas e papers académicos sobre empreendedorismo e moda, da autoria de quem viria a ser a minha orientadora de dissertação, durante as aulas de educação física do secundário (eu tinha atestado médico para não praticar exercício físico).

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É estranho ou demasiado contra corrente falar de intelectualismo na silly season… mas eu nunca adorei o mês de Agosto. Desculpem, mas a TV vendeu aos Gen Z Verões demasiado entusiasmantes…e depois nada tão extraordinário acontece neste mês tão extremamente quente. Do que eu sempre gostei foi de ser geek, desde que fosse geek da Moda.

Comecemos pelo início, se falamos semana após semana sobr…

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Sabes qual é a diferença entre uma escultura e um vestido? É uma das muitas perguntas que nos faz uma das protagonistas deste ensaio. Respondendo-nos que a única diferença é que um vestido pode ter qualquer forma, desde que seja possível vesti-lo num corpo humano.

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Portanto, cá estamos nós no terceiro book stack, hoje falaremos de “Fashion School in a Book”, não só pelo livro em si. Mas pela sua autora. Zoe Hong é designer de Moda, mas também criadora de conteúdos, especialmente YouTuber.

Comecei a ver o canal da Zoe Hong, praticamente, desde o início…Andava talvez no sexto ou sétimo ano da escola básica quando comecei a ver os vídeos da Zoe para ir apreendendo o que, efectivamente, me interessava (que não era nem pouco ,mais ou menos, físico-química) — o Design de Moda.

Depois de anos e anos a ver tais vídeos de forma metódica e a fazer apontamentos dos mesmos, quando o livro da Zoe foi lançado em 2024, já eu tinha terminado a minha escola de Moda…Mas a minha curiosidade não desaparece, portanto graças a este book stack li tanto o livro como o design journal e tenho muito para vos contar.

Depois da paywall:

• percebes a diferença entre pensar a 360º e fazer um “coffin garment”;

• ficas a saber se o lipstick index se aplica a ti;

• conheces o teste que te pode dizer se o trabalho a solo em Moda é para ti.

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Hoje falamos de “Dicionário de Estilo”, ainda que o título nos faça pensar num objecto — o livro, trata-se da rubrica televisiva da autoria de Tiago Manaia.

Não posso deixar de mencionar o seguinte fun fact eu e o jornalista, reconhecido pelo seu trabalho na área da Moda em publicações como a Revista Máxima e Vogue Portugal e, ao Lux Frágil e ao arquivo da icónica discoteca lisboeta partilhamos o mesmo invulgar apelido — Manaia. E confirma-se esta raridade associada ao apelido, na Geneanet só existem 202 pessoas registadas tendo Manaia no nome, já para o Mendes, o meu verdadeiro último nome (tendo eu dois nomes próprios e quatro apelidos torno-se cármico que tudo o que escreva tenha muitas palavras), contam-se 138 503 registos.

Mas não estamos aqui estamos aqui para falar de Moda e não de genealogia, portanto vamos ao que interessa… E o que nos interessa hoje é o “Dicionário de Estilo”.

A Revista Máxima nasce em Portugal em 1988, tendo como primeira chefe de redação a jornalista Maria Antónia Palla. Seguiram-se o lançamento de Marie Claire com a icónica jornalista Maria Elisa Domingues e da edição portuguesa da Elle que teve como primeira directora a também jornalista Margarida Marante. Bem, falaremos das primeiras revistas de Moda em Portugal e de como a ModaLisboa criou um “boom” para o Sistema de Moda por terras lusas, já que na imprensa dos anos 80 e 90 se podem ler referências a estas publicações como “revistas femininas” e não de Moda, noutra ocasião e com toda a dedicação.

Este “toca e foge” que fizemos anteriormente serve para iniciarmos o enquadramento da Revista Máxima, que se despedira das edições regulares em papel com a edição de Junho de 2020. Em 2023, para comemorar os 35 anos da publicação, a Máxima volta às bancas para uma edição especial em papel que se tem vindo a repetir anualmente, continuando o website a publicar diariamente. No final do ano seguinte o grupo que tem a revista reestrutura-se, passando Cofina a Medialivre, surgindo pouco mais tarde um novo canal na TV por cabo, o Now. E, como efeito matriosca é neste canal que aos sábados de manhã é transmitido, por temporadas, o programa da Revista Máxima. É dentro deste programa que encontramos a rubrica de Tiago, “Dicionário de Estilo”.

Acima de tudo, Tiago Manaia dá-nos uma masterclass de construção de narrativa. Uma narrativa que não termina no fim de cada edição do segmento, é intricada, mas bela — como um tecido, tecido manualmente em tear manual. Não nos é contado logo tudo de uma leva, temos marcas, personalidades e designers que nos acompanham semana após a semana.

Um formato para televisão, mas que vai para lá daquela que será sempre a “caixa mágica”, é um formato abraçado pelas redes sociais tendo assim diversos públicos. O público que vê televisão, vê o canal e seguindo a programação acaba por apreender sobre Moda, mesmo não se interessando por Moda. Havendo também quem procura o programa no seu todo como o magazine televisivo que é.

Ou ainda as pessoas que pessoas insiders, apaixonadas por Moda e quem em volta deste Sistema e comunidade orbita, todos estes acompanham o segmento televisivo somente, mas com dedicação, devoção até e como reels de Instagram.

Eu, inserindo-me neste último grupo, vi e revi todos os reels em maratona para te escrever…O que ficou claro para mim foi que, todos os clipes juntos e se tivessem sido produzidos nos EUA seriam um documentário badalado de uma das afamadas plataformas de streaming.

Também, face a este ensaio especificamente, tu que me lês estarás num determinado tipo de público. Se me lês em inglês (refiro-o primeiro por ser o idioma deste Substack com maior número de subscritores) e não entendes português europeu, este poderá ser o teu único contacto com o “Dicionário de Estilo”, o que é uma grande responsabilidade para mim. No caso de estares a ler em português, provavelmente, já és devoto deste documento de Moda vivo e pulsante. Pode, ainda assim, dar-se o caso de, quer lendo em inglês quer em português e compreendendo português falado, que nunca tenhas visto nem uma entrada deste fascinante documentário e que eu te desperte curiosidade.

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Em nunca mais de 4 minutos, o mais extenso, se não estou em erro, é o dedicado a David Lynch com três minutos e meio, lembra-nos do poder da Moda. O poder da Moda: de ser insubmissa; de reclamar contra o que não é justo; de chocar e assim mudar mentalidades e ter impacto real e positivo. Não ignorando os muitos defeitos que a Moda tem. A Moda demorou muito tempo a deixar de alinhar em práticas racistas para contribuir para o anti-racismo. Assim como a mudança de direcção que começa agora a ter em relação ao idadismo.

Voltamos várias vezes a Kate Moss, a Alex Consani ou a Maria Antonieta, mas nunca de forma repetitiva. E, quando ainda estamos a pensar na genialidade da associação de Shalom Harlow no desfile da colecção Primavera/ Verão ’99 de Alexander McQueen com Bella Hadid no desfile da colecção Primavera/ Verão 2023 de Coperni que atravessam, de mãos dadas, várias temáticas para lá de “Performance”, ficamos ainda mais boquiabertos. Porquê? Haverá maior piscadela aos super nerds da Moda do que relacionar os filmes “O Diabo veste Prada”(2006) e “Qui êtes-vous, Polly Maggoo?” (1966)?

Omnipresente é a importância das convicções que a Moda, que como colectivo construímos, actualmente partilha: o feminismo; os direitos e o pride LGBTQIA+; a defesa da democracia e do anti-fascismo. Convicções essas que são feitas acção por corpos diversos, cis ou trans, com diferentes tipos de eficiência e num espectro vasto de tons de pele.

E, se no meio de todo o buzz, dizermos a verdade? Não se trata de certo ou errado, nem de início ou de fim, mas de climax. É o climax o facto de John Galliano estar a trabalhar para a Zara. São dois anos, não é uma colaboração passageira, com as da H&M com diversos designers que tiveram início com Karl Lagerfeld.

Ao ver “Dicionário de Estilo”, como um todo e não como a parte, o teu intelecto fica de tal forma inebriado de prazer que o teu sistema de recompensa dopaminérgico está mais iluminado que as aldeias natalícias dos romances kitsch. Que ousadia absolutamente fascinante termos Anna Wintour na entrada de dicionário “Snob” e mais tarde em “Rugas”! Sendo o primeiro caso mais do que falado, mas poucos são os que enquadram o aparecimento de Anna Wintour e Meryl Streep na capa da Vogue, com factos da nossa sociedade idadista — duas mulheres de 76 anos, que independentemente do que terceiros possam pensar não colocam ponto final nas suas carreiras. São vistas e deixam-se ver.

Do “Drama” à “Rotina”, de “Brat” a “Marinheiro” e de “Abismo” a “Lirismo” — qual será o próximo tema escolhido por Tiago a seguir?

Não vou tentar adivinhar, nunca acertei quando tentava adivinhar o tema de cada edição da ModaLisboa — Lisboa Fashion Week, ao ser revelado o tema revelava-se também para mim que o meu palpite era completamente ao lado… O que sim, te posso garantir é que esta não será a primeira e a última vez que falamos do “Dicionário de Estilo”… Aqui voltaremos!

Ficou ainda tanto por dizer…

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

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Já sabem que eu adoro contar-vos como nasce cada ensaio. Talvez seja como diz Isabel Allende (quem me acompanha no Instagram e no feedback do Substack já se apercebeu que estou a adorar o livro “A palavra mágica”), ao contarmos memórias podemos dar azo a ficcionar, nem que seja só ligeiramente como é o meu caso aqui.

Então, ao ver a capa Harper’s Bazaar España — the Gaudí issue, assinalava os 100 anos da morte de Antonio Gaudí. As imagens eram, de facto, extraordinárias, mas a questão que persistia para mim era — porque se sabe e se fala tão pouco da Harper’s Bazaar quando comparado com a Vogue?

Calma, que o story time não acaba aqui. Fui à minha biblioteca, normalmente, consoante o tema, sei se tenho um ou mais livros sobre o assunto… Neste cas, não tinha. Encontrei “Vintage Fashion Illustration: From Harper’s Bazaar 1930-1970” de Marnie Fogg e “Vogue Covers: On Fashion’s Front Page” de Robin Muir.

No entanto, eu precisava de fontes mais densas de informação e não só de imagens, assim recorri a bibliotecas digitais e mudei ligeiramente o ditado para “the internet is my oyster”. Ah, e deixei a Vogue fora da minha pesquisa porque senão iria ter os mesmos resultados que todos temos vindo a ler há anos, mas lá chegaremos.

Há três stories, antes de irmos ao cerne da questão:

1. Nunca começo a pesquisa pelo Pinterest, a única vez que oo fiz uma querida professora recordou-me que com a biblioteca extraordinária que eu tenho era por aí que tinha de começar — eu refiz a pesquisa e aprendi a lição;

2. Noutra ocasião, no primeiro ano da licenciatura, a professora de Design de Moda incentivava-nos a visitar a biblioteca e umas colegas diziam que não precisavam — bastava-lhes pedir-me para consultar a minha biblioteca — estavam a exagerar um bocadinho, claro mas teve a sua graça;

3. Por essa altura, uma amiga disse-me, que era dois ou três anos mais velha que eu, disse-me que se eu alguma vez ponderasse fazer um testamento devia legar-lhe os meus livros. Não me recordo, porque falámos, mas agora que não nos vimos há anos — já que depois da faculdade a vida corre, é uma das memórias engraçadas que mais recordo.

Esta edição tem ainda o twist de ser das poucas edições que começo a escrever antes da pesquisa.

3, 2, 1…

Continua a ler para descobrires mais.

E, para o caso de teres de desbloquear a paywall, digo-te que esta história é marcada por uma mulher de vestido Chanel rendado e rosas sobre o seu cabelo negro que dançava com entusiasmo no bar do St. Regis Hotel.

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Desta vez faço-o já antes de arrancarmos… Sim, mais um disclaimer. Este ensaio não é patrocinado.

Hoje falamos de The Fabricant, porque ao promover este Substack conheci a Shwetha JM, embaixadora do The Fabricant que me fez uma demonstração das novas ferramentas de AI da empresa tecnológica, apesar de eu não praticar Design de Moda de uma forma tradicional.

Pode parecer datado falar de The Fabricant em 2026, quando o seu hype se deu antes da pandemia, sendo apelidada à época de “first digital fashion house”.

Contudo, termos associados a este universo virtual, que se antecipava ser o futuro iminente, caíram em desuso. Os nossos algoritmos já não são inundados com termos como NFT, blockchain, Ethereum. Moeda esta que viu a sua cotação baixar mais de 39% no último ano, período no qual o Bitcoin desceu também (26%).

Então com tudo isto, como é que falar da primeira casa de Moda digital não é deslocado a nível temporal?

Porque esta empresa se soube reinventar, não só em termos de lucro, mas também de impacto projectual do The Fabricant no Sistema de Moda no seu todo. Em grande a facilidade do seu uso, não havendo propriamente uma learning curve prévia à sua eficiência utilização.

Uma vez que quando se começou a falar de Moda digital — havia um gatekeeping em termos de executar Moda em softwares digitais avançados. Softwares como o Clo 3D têm uma learning curve imensa o que obviamente se traduz em termos de maior investimento para lá dos custos elevados da licença dos softwares. Especificando o The Fabricant tem um plano gratuito e os planos pagos começam nos $19/mês. já no caso do Clo 3D os planos, sem se fazer prova de que se é estudante, começam nos $50/mês a que acrescem impostos.

Mas do que estamos a falar, exactamente, quando falamos das ferramentas inteligentes do The Fabricant?

São sete as ferramentas em questão:

• Sketch-to-Image — conversão de desenhos em imagens de alta resolução;

• Photo Studio — a possibilidade de vestir uma modelo virtual com peças previamente idealizadas;

• Editorials — criação de editoriais realistas através das referências das peças, da modela que as irá vestir e do ambiente em que se encontrará;

• Upscaler — aumento da resolução de imagens sem perda de detalhe;

• Create Image — gerador de imagens por meio de IA, maioritariamente, com recurso a prompts;

• Editing Tool — edição e refinamento de imagens com recurso a IA;

• Video Creator — conversão de imagens estáticas em “vídeos cinemáticos”.

Devo ser, totalmente, honesta ainda que possa facilitar a visualização e expressão mais clara de ideias — estou convicta de que não substituirá profissões. Uma vez que, a mais-valia da produção de um editorial não é somente a produção de uma imagem mas o trabalho de equipa e a fruição de criatividade que advém desse diálogo.

Também existem questões éticas, que quanto a mim devem ser tidas do lado dos utilizadores. Ora vejamos, és designer, usas o The Fabricant, quando chega à parte das referências que referências queres usar? Uma curadoria cuidada entre recursos por ti e outros outsourced da internet ou de livros? Ou vais abdicar de pôr as mãos na massa, completamente?

No Clo 3D, também existe uma extensa biblioteca de recursos prontos a usar. Também nos bons e velhinhos moldes feitos à mão com régua francesa, lapiseira e papel vegetal se usam moldes base e demais templates. Nunca em Moda se pediu a completa reinvenção da roda, mas a capacidade tecnológica de encurtar a nossa metodologia depende de nós.

Por exemplo, uma das coisas que eu menos gostava de fazer na Escola de Moda eram os desenhos planos, uma ferramenta que o The Fabricant prevê lançar em breve. Contudo, sou consciente de que para a obtenção de bons resultados e sentido crítico há que aprender a fazer, conhecer o processo. O mesmo com o comportamento dos tecidos, das costuras, etc…

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Da mesma, são humanos que vivem para a Moda (na verdade, é isso que grande parte de nós somos, não é?) que são responsáveis por preservar a expressão e expressividade dos desenhos, esboços e ilustrações de Moda. Aquela dança frenética do lápis sobre o papel — no meu caso eram as canetas paper mate azuis — para que uma ideia não se perca.

Depende de nós não criarmos só desenhos bonitinhos e realista para que a AI os possa ler e interpretar. Sou da opinião que há que continuar a começar o processo pelos rabiscos.

Como subscritores do The Fashion Standup, já me vão conhecendo, é claro que interrompi umas quantas vezes a demonstração da simpática Shwetha para fazer perguntas muito para lá daquilo que era demonstrado. O profissionalismo desta embaixadora pouco se desviou do guião.

Descobri apenas que, tendo sede em Amesterdão, com uma equipa efectiva não muito extensa conta com diversos embaixadores por todo o mundo que fazem as demonstrações e, ao que percebi operam como comerciais da empresa. A minha interlocutora trabalha a partir de Chennai, na Índia.

Devo contar-vos que Shwetha muito me incentivou para que criasse as minhas próprias imagens, no entanto preferi usar as redes sociais como meio de pesquisa (serei sempre grata à Amanda Sikarskie pela defesa da legitimação de dita fonte em meio académico) para demonstrar o que pode ser conseguido com uma utilização, a meu ver, experiente e criativa deste software.

Os créditos de cada imagem utilizada nas colagens estão patentes por links para que possas descobrir melhor o trabalho e a inspiração de cada um dos seus autores. Criações a que se juntam as colaborações da empresa, fundada em 2018, com a marca Maison Margiela e com a gigante tecnologia, dona do Instagram e do Facebook.

A boa utilização de ferramentas destas poderá, como referia Damara Inglês nas Fast Talks da mais recente edição da Lisboa Fashion Week, a ModaLisboa Pebbling, incrementar a sustentabilidade das marcas de autor e de designers independentes. Como? Dando ao consumidor a ideia precisa e realista do produto físico, mas produzindo on-demand. Elimina-se o excesso de produção aumentando-se a sustentabilidade ambiental e financeira.

É claro que esta vantagem está pendente de se efectivar com o elo que completa o ciclo de Moda — a compra. Estarão os consumidores, inseridos neste mundo frenético, maioritariamente capitalista e materialista, disposta a esperar? Escolho o optimismo de acreditar que sim.

Em última análise, nesta que não é uma book review nem uma fashion review, mas sim, uma tools reviews — considero que quando com sentido crítico, The Fabricant pode ter vários benefícios, principalmente, para marcas independentes. E a menção a book reviews e fashion show reviews, não foi em vão, já que o objectivo deste ensaio é o mesmo que nessas ocasiões — inspirar-vos e, possivelmente, dar-vos a conhecer algo novo.

Obviamente, que o uso de ferramentas de Inteligência Artificial depende da criatividade e ética humana. Portanto como criativos devemos optar, em plena consciência, por uma das seguintes opções:

a) rejeitar totalmente a utilização de quaisquer ferramentas de Inteligência Artificial;

b) usar ferramentas de Inteligência Artificial, mas só em tarefas complementares ao Processo Criativo e, não no próprio Processo Criativo;

c) usar a IA até no Processo Criativo, mesmo que com isso não se exercite o músculo da Criatividade.

Eu escolho a opção b) e tu?

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

Bem-vindos ao segundo fascículo do Book stack estival do The Fashion Standup. Se na primeira edição, a protagonista foi um livro sobre o trabalho e legado de uma mulher que deviam ser mais falados, naquelas que são as constantes conversas que a Moda tem — aqui temos em certa medida o inverso.

Como? O livro de hoje conta uma história distinta, bastante distinta daquilo que se tornou um mito, o conto de fadas de… Coco Chanel. Chanel Inc. questiona o mito que nos tem vindo a ser contado ao longo do último meio século, o mito da empresa Chanel, mas que em muito se interliga com a sua fundadora e as estórias que dela se contam.

Lembro-te que para poderes aceder às próximas edições do book stack do TFS deves tornar-te subscritor pago por 5€ mensais ou 50€ anuais.

Este livro já estava na minha secretária há muito, mas demorei bastante a aceitar a ideia de que este não era um livro sobre o qual devesse falar de viva voz, precisava de escrita — da ponderação e desenvolvimento das palavras. Ainda que tenha feito teasers no Instagram e numa Note de Substack do livro com os meus microfones vermelhos…

O livro auto-publicado pelo investigador, YouTuber, criador de conteúdos de Moda anónimo, conhecido por understitch, questiona a narrativa que nos tem sido dada de forma rigorosa e ponderada — longe de ser mero gossip. Portanto, há que fazer o disclaimer, em termos de segurança legal ou algo similar, devo reforçar que aqui o que vou contar se baseia no livro protagonista deste book stack.

Claro que quero que compres o livro, não por ter um link afiliado a tal, mas para que retires as tuas conclusões, para lá de ficares a conhecer as minhas perspectivas em seguida.

Sempre admirei Coco Chanel e, sim, esse é o maior cliché de um estudante de Design de Moda — mas como boa escorpião eu tenho uma coleção de livros biográficos de Chanel, pedi favores para que trouxessem o livro traduzido “Dormindo com o inimigo — A Guerra Secreta de Coco Chanel” (2011) de Hal Vaughan, do Brasil, quando o li não devia ter mais de 12 anos.

Ainda assim mantive o meu fascínio por Chanel, talvez não tão fervoroso. No entanto, acreditava que o amor de mãe que teria pelo seu sobrinho seria o motor das suas ações mais condenáveis. Poderia dizer que essa é a ingenuidade de uma pré-adolescente, no entanto, a perspectiva dada pela série “The New Look” (2024), da Apple TV em estreita colaboração com a casa Dior, é similar.

Não sei se a minha admiração por Gabrielle Bonheur Chanel ficou intacta, é uma parte inconsciente de mim à qual ainda não acedi. Lembro-me vividamente da emoção de visitar a exposição “Picasso/ Chanel”, em Janeiro de 2023, no Museu Thyssen-Bornemisza em Madrid. Essa emoção devia-se à ideia de que estava perante peças confeccionadas pela própria Chanel.

Mas seriam mesmo? Agora ponho a dúvida já que o autor do livro afirma, com as devidas referências aos factos, que aquilo que acreditamos sobre a pessoa de Chanel foi uma mentira fabricada com cuidado e muito bem contada após a sua morte. Ou seja, um enorme conjunto de fake news com mais de 50 anos.

Seria mais fácil e mais cómodo acreditar ou creditar “Chanel Inc.” como tal como sendo o recipiente de fake news. No entanto, como designer de Moda que investiga e documenta sei reconhecer uma boa investigação, feita por um jornalista. Sendo que, para dar contexto, há que dizer que ambas as disciplinas, o Design e o Jornalismo, têm na sua génese a investigação — a materialização, objectivos, metodologias e processos diferem.

Na exposição que vos mencionei podia ver-se uma enorme fotografia das mãos de Chanel, mais um detalhe que está em linha com a narrativa contada e recontada uma e outra vez. Em contraste, isto é o que se pode ler por entre as páginas do nosso protagonista:

“Chanel não era na verdade uma designer, nem era chapeleira, nem costureira. Mas apercebeu-se cedo no seu percurso que poderia vender chapéus ao mesmo preço que os outros chapeleiros usando menos materiais, aumentando a sua margem de margem de lucro. Esta é uma táctica que mais tarde a própria fisicamente anotaria numa das pouquíssimas anotações que alguma vez escrevera já que era praticamente analfabeta. […] Muito daquilo que acreditamos ser saber, hoje em dia, sobre Chanel fundamentalmente não é verdade e é na sua maioria construído após a sua morte. A verdade é que Chanel era nenhuma grande artesã; não pretendeu sê-lo, invés disso encarara a sua marca como empresária.”

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Em diversos filmes, documentários e publicações diversas conta-se, entre muitas coisas que nos fazem acreditar que estamos perante um ser prodigioso, que Chanel teve sucesso meteórico. Algo que, na minha opinião, criou ou contribuiu para a ideia que muitos recém-licenciados em Design de Moda de que criar uma marca própria é fácil. Julgando assim que estão a falhar caso as suas etiquetas homónimas não alcancem o sucesso num curto espaço de tempo.

Bem, há que dizer que a marca Chanel deu pelo menos 5 anos de prejuízo, antes de gerar um único franco. Não obstante, o seu adorado Boy Capel tinha dinheiro suficiente para continuar a financiar a marca de Coco.

Muito do que fazia era simples, não por filosofia visionária, mas porque as suas parcas competências técnicas não lhe permitiam maior complexidade.

Há que dizer também que não libertou as mulheres do espartilho, Chanel inclusivamente chegou a vendê-los. Também não era propriamente feminista já que como chefe ignorava sistematicamente as greves das suas funcionárias e as suas reclamações, considerando-as ataques pessoais.

Não obstante, o consenso de que as redes sociais são o grande veículo de propagação de fake news, no contexto do livro que aqui falamos, tomamos conhecimento que as maiores fake news da História da Moda nasceram da rivalidade entre Harper’s Bazaar e a Vogue.

Publicações que a propósito do regresso de Chanel à passerelle, no início de 1954, deram várias páginas de destaque a Coco. Carmel Snow, editora-chefe da Harper’s Bazaar, deu-lhe seis páginas centrais, a Vogue responderia com dez páginas. No conjunto desta operação é creditado a Chanel: o libertar a mulher do espartilho; a invenção (e não popularização) para o guarda-roupa feminino da Marinière e do Little Black Dress. E assim, se altera a História da Moda.

Tudo isto é só a ponta do icebergue de uma densa obra de investigação, mas intelectualmente muito prazerosa. Materialização de um movimento e zeitgeist de liberdade e independência na escrita e estudos de Moda. Feitos fora das academias e debaixo do grande chapéu da criação de conteúdo para lá da imagem desse mesmo “creator” — o que muitos chamam de fenómeno dos “intelectual influencers”.

Desafiando assim, os pressupostos de narrativa e credibilidade, sendo um livro deste género auto-publicado um exemplo de um trabalho de missão e provando que há muito, muitíssimo ainda por ser contado e escrito sobre Moda — tanto em papel, na World Wide Web ou, numa ou diversas “corners of the internet”.

Suficientemente curiosos? Boas leituras!

Ah, e a propósito, já conhecias o trabalho de understitch,? Ou tal como eu, o primeiro contacto que tiveste com o seu trabalho foi este magnífico livro? Partilha nos comentários, aquele que consideres ser um highlight do trabalho de understitch, .

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

Esta carta, na verdade o que vos envio, praticamente, todas as semanas são cartas de Moda ou para a Moda — é bastante diferente, tenho mais pergunta que respostas.

A ideia de a Moda se está a torna real estate surgiu de vários momentos de conversa com uma amiga que me foi explicando a mudança de estratégia da Zara em direção ao imobiliário, devíamos estar então por volta de 2022, até que há umas semanas atrás é lançada a notícia. É oficial: Amâncio Ortega é o maior barão imobiliário do mundo.

Pronto, agora eu não tinha muito mais tempo a perder, tinha que entender a mecânica, da mesma forma que a seu momento percebi e estudei como se constrói uma camisa.

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Sinto que tenho de escrever logo no início “enviado do meu iPad”. Porque é uma experiência substancial diferente de escrita que poderá ser uma experiência de leitura também um pouco diferente para ti. Ah, e tenho de pedir desculpa em antecipação, porque estou a escrever sob efeito de antibióticos, devidamente prescritos, mas que ainda assim me causam um certo brain fog. E, sinto que posso ser um bocadinho repetitiva — sorry!

Este é um ensaio a uma quarta-feira, não por me ter adientado… Mas, por não ter conseguido escrever-te, devido a ter feito um implante dent…

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Este ensaio, não é só um ensaio — é a primeira do nosso book stack de Verão. Um livro por mês, nos meses pelos quais as grandiosas férias de Verão das crianças e adolescentes costumavam passar — Junho, Julho, Agosto e Setembro.

Destes quatro fascículos só dois estarão disponíveis para todos. Para desfrutares de todas as edições, torna-te subscritor pago — por 5€/mês ou 50€/ano e podes cancelar quando quiseres, seja um mês depois ou depois do book stack terminar…

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Começamos com o livro “In American Fashion: Ruth Finley’s Fashion Calendar” de Natalie Nudell,

Antes de mergulharmos a fundo, deixo-te uma citação que explica de forma tão simples e apurada a génese do Fashion Calendar:

Esta abertura e inclusão por parte do sistema operativo do Fashion Calendar, sendo uma publicação que funcionava ao longo de todo o ano abarcava aqueles que mais tarde viriam a negar o calendário vigente no final dos anos 90 para a Semana de Nova Iorque ocorria entre o fim de Outubro e início de Novembro, sendo que a “rebeldia” mudaria as datas da NYFW para sempre.

Natalie conta-nos que tudo começara com o designer nascido na Áustria, que se sediara em Paris, mudando-se mais tarde para o Soho nova-iorquino — Helmut Lang. Lang apresentou a sua colecção para a Primavera de 1999 a 17 de Setembro de 1998, querendo apresentá-la antes das semanas de Moda europeias.

Segundo a autora do livro em que nos focamos e directora do FCRD - Fashion Calendar Research Database, este passo estratégico do designer foi precedido pela abordagem ao seu desfile anterior:

E, ainda que tal não afecte o ponto central do livro protagonista deste fascículo — a estória e legado de Ruth Finley, o desfile de Lang foi o primeiro desfile digital da Moda Americana e não o primeiro a nível mundial. Já no dia 12 de Dezembro de 1996 a ModaLisboa — Lisboa Fashion Week cria o primeiro desfile em todo o mundo, através da “transmissão pela internet” (o que escrevia o jornal da época) do desfile do concurso de jovens designers Sangue Novo.

Talvez penses que este seja um parêntesis demasiado grande, mas se não houvesse um fio vermelho por entre as linhas e palavras deste ensaio que nos ligasse à Moda Portuguesa — isto não era o The Fashion Standup.

O mais cativante sobre este livro é o facto de Nudell conseguir fazer transparecer o carinho e admiração que sente por Ruth e pelo seu trabalho, tendo ainda assim um cariz académico. Admiração essa que terá vindo da proximidade com Finley durante a produção do documentário “Calendar Girl” (2020), do qual Nudell foi escritora e produtora.

Ruth não foi apenas resiliente, foi bem mais do que isso, foi pioneira, na mistura de factores que marcaram a sua biografia. Que factores?

Apesar de ter nascido em 1920, estudara e fundara o Fashion Calendar antes de casar, tendo sempre o apoio dos seus pais. A sua energia e estamina não eram só impressionantes como nonagenária, mas desde jovem, especialmente na sociedade de então.

Enquanto estudava, trabalhara como arrumadora de teatro na Broadway, para ganhar dinheiro para os gastos quotidianos — aquilo a que nos EUA se chama de pocket money. Mas quando se trata de Moda, todas as experiências informam a prática da mesma. Para entender como é dita experiência da Broadway teve impacto no seu destino importa atender ao facto de que estudara jornalismo e nutrição no Simmons College. Período durante o qual, no Verão, Ruth estagiou com Eleanor Lambert — “mãe” da Semana de Moda de Nova Iorque e do Met Gala.

Foi então que a experiência na Broadway se manifestou em termos de Moda. Finley apercebeu-se que os eventos da Moda se sobrepunham e andava tudo meio perdido — eram os anos 40 do século XX, ou vinha no jornal ou havia um almanaque, ou então como se sabia o que ia acontecer?

Para Finley era claro que a Moda precisava de uma clearing house, digamos que se trata de um centro de coordenação. E, assim, em conjunto com as irmãs Hughes, Alice e Frances, vinte e um e catorze anos, respectivamente, mais velhas que Ruth, fundou o Fashion Calendar.

Poucos anos mais tarde ver-se-ia sozinha à frente do lema do Fashion Calendar, nunca cedendo. Mesmo depois de: um divórcio, numa altura em que tal era tabu para a mulher; ter reencontrado o amor e de ter enviuvado. Fica com três filhos a cargo, dois do primeiro casamento e o terceiro da segunda união; sem esquecer o primogénito, o Fashion Calendar.

Obviamente, se quiseres conhecer todos os detalhes, há que ler o livro. Se tal como gostas de ler não só em papel, mas também em digital, podes ler “In American Fashion: Ruth Finley’s Fashion Calendar” na biblioteca digital Perlego — foi o que eu fiz (é só uma dica, não um link afiliado).

O exemplo de Ruth tem muito a dizer ao panorama de Moda actual. Não deixou que a sorte fizesse o destino do seu negócio, quando ainda trabalhava com as irmãs Hughes, não ficavam à espera que os clientes aparecessem por milagre — eram as próprias que angariavam os seus subscritores por telefone.

Quem disse que a missão não podia ser negócio? Sim, as subscrições não são uma coisa de agora. Ruth cumpria a sua missão de ser a organizer máxima da Moda americana, ao mesmo tempo que geria o seu projecto como um negócio — para que este fosse financeiramente auto-sustentável e que pudesse pagar o seu próprio trabalho e viver daquilo que fazia.

Não que fosse gananciosa de todo, muito pelo contrário. Ainda que a listagem no Fashion Calendar estivesse sujeita a subscrição obrigatória ou ao pagamento de uma taxa única, Ruth abria várias excepções. Essas excepções tinham a premissa de que ajudando quem estava a começar, a visibilidade conferida pelo FC, iria permitir-lhes ter sucesso e pagar-lhe a listagem de um segundo evento.

Foi o caso do seu amigo de toda uma vida Bill Cunningham, que antes de ser fotógrafo tivera um projecto de chapelaria e Ruth oferecera-lhe a listagem do seu evento.

Uma mulher que viveu nos seus próprios termos. Não escalando o seu negócio mais do que o necessário, sendo durante anos a fio uma operação de uma só pessoa. Decidindo como e quando ceder e dar as rédeas do seu legado.

E, sabendo, destacar-se — afinal a capa e as páginas do Fashion Calendar eram cor-de-rosa.

Porque escolhi este livro?

Porque mesmo sabendo que a nossa indústria está longe de ser perfeita, existem estórias que nos recordam porque amamos a Moda de forma tão visceral. Sim, a Moda pode discriminar a idade, na sua cara visível ao público — estando isso cada vez mais a mudar. Mas a estória de Ruth prova que a idade não é factor nas suas engrenagens.

Hoje, apesar de todos os movimentos feministas, o mundo ainda gira em torno do dinheiro dos homens. Na Moda temos três homens a desejar que as mulheres comprem os produtos dos seus monopólios de marcas — Bernard Arnault, François-Henri Pinault e Amâncio Ortega. E, ainda assim, a estação de controlo da Moda Americana, durante décadas o mercado mais relevante do globo, manteve-se independente e detido por uma mulher.

E, por último, porque existem estórias como esta que devem ser lidas, relidas e amplificadas — muito mais do que breaking news sobre a Shein como media de Moda de renome fizeram há bem pouco tempo.

Espero ter-vos inspirado para o início de mais uma semana.

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

Não estava nos meus planos explicar o prólogo deste ensaio. Até que li o ensaio da onde fala do impacto que a série “Hacks “ teve para ela e pensei: “Sim, posso estar completamente viciada no Hacks, mas com quês e porquês.”

A série está relacionada com Moda, pensarás tu se ainda não a viste, seria óbvio dada a minha obsessão. Mas não, para lá do facto de ser escorpião (ficamos facilmente fixados), Hacks abriu em mim uma emotividade a jorros que eu desconhecia.

E foi exactamente essa ideia que fez abrir o arquivo.

Portanto chorar — para a pedra emocional que eu sou lágrimas contam como choro, não precisa de ser mesmo aquele choro compulsivo — de forma intervalada há mais de uma semana, torna-se cansativo. Eu vejo os spoilers porque assim não vai custar tanto na série, é exactamente o contrário. Amizades intergeracionais e relações mentora-mentee são o meu soft spot.

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Assim, como já estava eu neste aglomerado de sensibilidade inaudita, quando um artigo da me encontra e me faz compreender que revisitar aquilo que já fizemos ou vivemos é um exercício válido, é trabalho — não é um atalho.

Portanto, pensei no que não me fazia pensar nas minhas emoções, daquilo que sei de mim mesma? Quando estava no atelier da faculdade - durante a licenciatura e o mestrado, eu entrava em foco total, aquilo a que os neurocientistas chamam “the zone”.

Ok, agora estás que sou ótima a costurar, a fazer moldes, etc. por aí fora. No entanto não sou boa costureira, modelista, muito menos modista. Então, se eu tinha de concentrar tanto para não fazer asneira ou para não ter de refazer — não havia espaço para emotividade…

Ou, pelo menos, foi assim que o recordei num primeiro momento, só que não bem assim.

Portanto cá vamos nós…

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Voltamos (virtualmente) a Nova Iorque. Espero que já tivesse saudades destes perfis da comunidade TFS, porque eu sem dúvida que já tinha muitas saudades destas trocas de perspectivas e pontos de vista.

Um dos pontos centrais da nossa troca de ideias incidiu sobre o universo corporativo, aquilo a que os americanos chamam de corporate.

Já que o The Fashion Standup é comunidade espalhada por 81 países, importa relembrar o que engloba o corporate:

• Neste contexto, empresas corporativas são empresas de grandes dimensões com diversos departamentos, hierarquias rígidas e extensos organogramas.

E não há melhor forma de voltar a esse intercâmbio de sinergias do que com Emma Raguz. Nestes “episódios” sobre quem faz a Moda acontecer, seja em que projecto for, em que cargo for, em diversos pontos do globo. Emma é talvez a mais sem filtros com quem já tive uma vídeo-chamada para este projecto.

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Porquê? Porque Emma dá liberdade a si própria para dizer que — ainda que seja consciente do feito e do privilégio que é estar a trabalhar na Prada, como integrante do Generation Prada Programme — não tem pudor em dizer que não se sente realizada.

O dia-a-dia de Emma consiste em preparar embalagens a serem enviadas e preparar documentos para serem enviados para Milão. Tudo o que acontece em Nova Iorque está completamente dependente daquelas que são as decisões da sede milanesa… O que torna o seu trabalho pouco motivante.

Não obstante, enfatiza a génese da Generation Prada Programme. Um programa de emprego de curto prazo que ao fim do mesmo tem um historial de contratação de uma proporcionalidade bastante alta face a quem entra no dito programa.

Esta iniciativa da Prada só tem lugar nos EUA e, estando só na sua quinta edição, tem uma envolvência muito diferente do seu estágio na Tiffany & Co parte da LVMH. Sendo parte de tão grande conglomerado, têm programas de estágios todos os anos nos quais dos 80 estagiários - só são empregados 2.

Há quem seja serial killer, Emma é uma serial intern, considera que fazer estágios é uma enorme mais valia de aprendizagem. Ainda que esteja totalmente consciente de que quando se chega à etapa de concorrer ao lugar de estagiário sem se ser pago, não são muitas as pessoas que se podem sujeitar a isso.

Como complemento ao seu rendimento trabalha numa loja vintage, na qual considera que o maior ensinamento que retira é comunicação. Uma capacidade que considera cada vez mais em vias de extinção, principalmente desde a pandemia.

No seu note de apresentação ao Substack, mencionou os estágios que na Proenza Schouler e na Oscar de la Renta, e como é óbvio, curiosa como sou tive de saber mais. O que descobri? Que ainda que se tratem empresas distintas, o facto de todos os departamentos estarem juntos aumenta a aprendizagem e aquela adrenalina muito própria de trabalhar em Moda. Descobriu que Jack McCollough e Lazaro Hernandez são muito simpáticos e que tanto Laura Kim como Fernando García estão longe de serem vedetas.

Esta rapariga do Ohio que corajosamente há quase sete anos vive em Nova Iorque, gostaria de ter um quotidiano mais criativo, que pudesse inclusivamente pintar… Se bem que é consciente de que não seria realista como full-time.

Ao longo da nossa conversa tocamos noutros pontos sensíveis - o preço da educação, os sistemas de saúde, o apoio dos pais, a importância que o merchandise podia ter na Moda independente.

Emma optou por estudar no FIT, não só por ser mais economicamente acessível que a Parsons, considera ter sido para uma ótima escola. Tem amigos que contraíram avultados empréstimos para os estudos e que serão muito difíceis de pagar.

Houve entre nós um ligeiro choque cultural, em termos de ficarmos a par de quanto é o salário anual digno em cada país, e qual o impacto dos sistemas de saúde no trabalho e nas escolhas de carreira. Apesar dessas diferenças, uma coisa é transversal em cada lado do oceano — os Zillenials continuam a precisar da ajuda financeira dos pais, mesmo vivendo fora de casa.

Tendo estudado gestão de produção, também trabalhou na área de merchandise. Pedi-lhe que aprofundasse sobre a área, uma vez que o Sistema de Moda em Portugal não é propriamente corporativo. Ao ser o merchandise a consciência do processo - entre o design e a produção e coloca a pergunta: “será que se venderá?” Em termos de fast fashion e ultra fast fashion pode levar ao consumismo extremo. Mas quando se trata de marcas designers de Moda independente é essencial para fechar o ciclo do Sistema de Moda.

Ah, e também falámos da signora Prada. Perguntei à minha “convidada” se já tinha conhecido Miuccia Prada, tal ainda não aconteceu. Não obstante se acontecer, acredita que não reagirá como se estivesse perante uma divindade. Já que com base em todas as entrevistas daquela que em última análise é a sua chefe — considera que ela é uma accidental queen.

Concordámos que no fim de contas são seres humanos e que está nas nossas mãos aquilo que somos, na forma como fazemos o nosso trabalho. Que se nas poéticas palavras de Emma se lê assim:

De toda esta experiência, reflecte também que o mais é não queimar pontes de relações entre as pessoas, considerando que se deve procurar deixar um cargo sem ressentimentos ou “a mal”.

Esperem, não me posso esquecer de falar da relação de Emma com Portugal, sem ter cá vindo, tendo tudo tido lugar em Nova Iorque. Enquanto esteve na Purple PR, fez parte da equipa que acompanhou a delegação da APICCAPS (Associação Portuguesa dos Industriais de Calçado, Componentes, Artigos de Pele e seus Sucedâneos) e que fez a conexão entre a associação portuguesa e o designer americano Willy Chavarria.

A propósito do seu tempo na Purple PR, a fundadora do Kapital F lembra uma lição da amiga e colega de trabalho:

“It’s PR (Public Relations), it is not ER (Emergency Room).”

E, permitam a indulgência de partilhar o “pedido” que Emma me fez, ao despedirmo-nos, disse-me para não deixar de ser esta pessoa que faz networking na Moda, já que afinal a Emma adora que as pessoas tenham boas capacidades comunicativas.

Como a Moda não é para tirar conclusões, é para gerar pensamento, daí que não falte o nosso food for thought. Muito se tem dito que os Zillenials (os Gen Zs mais velhos) não são propriamente fãs do universo corporativo. Mas na minha opinião, a geração a que pertenço só tomou consciência mais cedo…

Porque temos mais acesso à informação enquanto jovens adultos (confirmei ontem que cientificamente a meia-idade só começa aos 40) do que qualquer outra que nos antecedeu. As mulheres baby-boomers tiveram que arranjar espaço para nós termos vidas independentes como mulheres.

As afinidades entre Zillenials e Baby Boomers, ignorando diligentemente as duas gerações e meia que as separam — mas para não divergir mais, deixo-vos com as palavras da Emma:

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

Portanto, este ensaio resulta de um prompt que lancei a mim própria sobre qual seria o problema das revistas de moda, qual o problema que enfrentam actualmente…

Fiz algumas reflexões pessoais, mas já sabem que uma Fashion nerd tem que investigar e foi exactamente isso que fiz. Tentar perceber se existe, realmente, problemas no modelo das revistas, no modelo de negócio… Naquilo que oferecem os leitores ou é só evolução social como tantas outras.

Ainda assim, na verdade todos enviamos WhatsApp, mas isso não acaba com os postais, por exemplo. Esta era uma analogia sobre a qual não tinha pensado mas enviamos postais a quem gostamos muito, portanto se calhar essa conexão que se perdeu.

Quando se recorre à técnica ancestral de pesquisar no Google “self-publishing in fashion”, os resultados dividem-se automaticamente em dois: self-publishing por um lado e guias de “como ter o teu trabalho pu…

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Ideias e notas, mais introspectivas ou mais leves e divertidas, que foram surgindo enquanto via o filme e enquanto reflectia sobre ele… Ah, e ao ler a Runway, depois da paywall, explico-te como também o poderás fazer.

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