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Bem, há algum tempo que não escrevíamos, quer dizer que eu não escrevia um perfil de um fashion insider em ascensão. Mas quando descobri as perspectivas da Manal e do seu Lacquered Lens, soube que estava na hora de escrever um perfil seu.

O que me despertou tal interesse? Que uma jovem de 18 anos, estudante de contabilidade, tenha criado um projecto sobre estratégia, finanças e negócio de Moda. A génese da sua visão assenta na opinião de que questionar — se uma colecção vai ser lucrativa ao ser vendida; quantas peças têm de ser vendidas até que a coleção se pague se a si própria; se os preços são os correctos; quais os custos de produção; etc. — não torna a Moda menos entusiasmante:

“E não, não acho que fazer essas perguntas torne a moda menos entusiasmante. Pelo contrário, na verdade. Acho o negócio sexy. Gosto de perceber como as coisas funcionam e o que as torna viáveis.”

Para lá da publicação no Substack, a fundadora de Lacquered Lens criou um tool kit digital gratuito, o seu contributo para a Moda independente e para os seus designers:

“A Pre-Drop Profitability Calculator, gratuita, ajuda os fundadores a estimar o seu ponto de equilíbrio e a rentabilidade da coleção antes de se comprometerem com a produção. Depois, há o What’s Holding Your Collections Back?, uma avaliação curta pensada para identificar o ponto cego comercial que afeta as suas decisões. Por fim, o Collection Strategy System é um framework mais completo para avaliar coleções através de um processo repetível, em vez de refazer os números de raiz a cada estação.”

Como tem vindo a ser método nestas colaborações/entrevistas, coloquei à minha interlocutora dez perguntas depois de estudar o seu trabalho. E, sendo um ponto de partida escrito, as citações (o meu recurso estilístico favorito) são demasiado sumarentas ao ponto de serem irresistíveis.

1 - Sobre ambição, dúvida e a cabeça antes do coração

A rapariga que teve dúvidas quando começou a partilhar as suas ideias e que por vezes ainda duvida de si mesma, reformula o seu pensamento e continua:

“Mas depois penso: se não começar agora, como é que hei de explorar do que sou capaz e melhorar no que faço? Devo ficar sentada à espera de ter quarenta anos? Acho que não. Um dos meus maiores medos é desperdiçar o meu potencial. Sou ambiciosa, talvez um bocadinho iludida por vezes, mas prefiro apontar ao céu e bater no teto a manter as minhas ambições tão pequenas que nunca corra o risco de falhar.”

Grande admiradora de McQueen chegou a pensar em estudar Design de Moda, mas percebeu que esse percurso teria, na sua perspectiva, de transformar a sua expressão pessoal num negócio. O que implicaria lidar com orçamentos e cumprir prazos apertados , lidar com expectativas comerciais e tudo isso, provavelmente, afectaria negativamente o seu gosto, a sua paixão pela Moda. Ao que acresceria que o trabalho que teria gostado de desenvolver, tendo em conta os seus referentes, viria a exigir avultados recursos.

Portanto, não tinha em si a intuição de se atirar — sem compreender e entender devidamente a indústria da Moda seria como atirar-se ao vazio. Isso não estagnou esta rapariga super curiosa, pelo contrário, colocou Manal em acção:

“Então pensei: pronto, vamos analisar a indústria com a cabeça antes de nos deixarmos levar pelo coração.”

2 - Sobre sabedoria e felicidade

Ao ler o trabalho de Manal, percebi que estava perante alguém muito sábia. Sendo eu quase nove anos mais velha que Manal, dei por mim a cair na esparrela da sociedade — a pensar em quão jovem é a minha entrevistada…

E ainda que lhe tenha feito uma pergunta sobre essa questão, percebi que tinha de devolver ao Universo (ou algo assim) o maior privilégio que tive: o de ter amigas umas quantas décadas mais velhas que sempre se interessaram pelas minhas perspectivas e opiniões e jamais foram paternalistas. Assim, quis saber a opinião de Manal sobre algo em que penso muito na minha vida adulta (principalmente desde que acabei o mestrado) — os equilíbrios e desequilíbros entre dinheiro e realização profissional.

Claro que a resposta foi sábia:

“Mas só porque sou capaz de fazer uma coisa, e ela até pode pagar bem, não significa que a vá automaticamente seguir. Se acabar numa carreira que me deixe infeliz só porque é prestigiante ou financeiramente recompensadora, qual foi o objetivo? Para quê passar a juventude a construir uma vida que parece boa no papel, mas em que, na verdade, não somos felizes?”

Deu-me ainda a sua perspectiva pessoal na qual encontrei ainda maior sabedoria:

“Sou ambiciosa. Quero segurança financeira, sucesso profissional e a oportunidade de construir algo com significado. Mas também quero desfrutar da vida que estou a construir, em vez de sacrificar tudo o resto para alcançar uma determinada versão de sucesso.
Para mim, a questão não é se o dinheiro importa mais do que a realização pessoal. Claro que o dinheiro importa. Mas se ganhar mais implica sacrificar a minha felicidade, então a certa altura tenho de me perguntar para onde é que estou realmente a caminhar.”

3 - Sobre dúvida e confiança

Referi a questão que fiz sobre a tenra idade de Manal, mas não vos contei qual foi a pergunta, nem vos falei da resposta que me foi dada. Então, cá vamos, esta foi a minha pergunta: “Como encontraste a motivação e a confiança interior para criares uma plataforma em torno de fashion business e estratégia a tão tenra idade?”

A resposta foi surpreendentemente inspiradora, da qual destaco:

“Através da The Lacquered Lens, estou a explorar a Moda de uma perspetiva comercial e estratégica, tornando mais acessíveis alguns dos conceitos de negócio que lhe são inerentes. Não preciso de décadas de experiência a gerir uma casa de oda para explorar estas ideias, mas preciso de ser honesta quanto aos limites do que sei.
E sim, duvidei de mim quando comecei a pôr as minhas ideias cá para fora. Às vezes ainda me pergunto quem sou eu para estar a fazer tudo isto aos dezoito anos.”

4 - Sobre modelos de negócio e testar antes de investir

Claro que também quis saber, com base no estudo de todos os artigos do seu Substack, que conselhos daria a designers de Moda emergentes. Explorámos também questões relativas às Semanas de Moda. Fiquei curiosa por saber se nos fala em finanças de Moda, porque colocou o seu toolkit disponível gratuitamente. Abrimos a caixa de Pandora de como nos afastamos do nosso trabalho criativo para que o possamos encarar com objectividade.

Assim, as perspectivas que se seguem são as da minha interlocutora, ainda que as esteja a parafrasear e as continue a citar para caberem no attention span vigente. Ou seja, na carta de hoje assumo o papel de entrevistadora e editora.

Em primeiro lugar, os jovens designers devem estar alerta para a escolha de um modelo de negócio, ao qual seja possível dar continuidade. Todos os modelos de negócio de Moda têm os prós e contras, Manal exemplifica que o slow fashion pode não ser sustentável do ponto de vista financeiro para todos os designers.

Pelo que as hipóteses devem ser testadas sem avultados investimentos de dinheiro, já que é tão importante ter boas ideias como ser capaz de as concretizar. E deixa um alerta:

“Explorem se existe procura para aquilo que querem fazer, percebam os vossos custos e vejam se os preços e as vendas previstas fazem sentido.”

5 - Sobre o antes e o depois do desfile

Sendo que a participação numa Semana de Moda é, obviamente, um marco na carreira de um designer; no entanto, não é sinónimo de um negócio consolidado. É responsabilidade do designer empreendedor dar a importância devida (que é muitíssima) ao que acontece tanto antes como depois do desfile.

O seu toolkit entra exactamente aí, com um contributo, com ferramentas deliberadamente simples, já que grande parte dos designers não tem conhecimentos financeiros aprofundados.

“A ideia era dar aos empreendedores um ponto de partida: um sítio onde explorar os seus custos, perceber o seu ponto de equilíbrio e fazer melhores perguntas antes de se comprometerem com a produção.”

6 - Sobre apego e intuição

E, a grande questão: como praticar o desapego ao nosso próprio trabalho, já que nem todas as ideias são boas e nem todas vêm a luz do dia? Reconhecer que o apego existe é o primeiro passo. Podemos gostar de uma peça, mas fará sentido em termos de Design? O objectivo que existe na sua materialização é claro? Acima de tudo, há que distinguir o apego de intuição.

As folhas de cálculo não têm a última palavra, mas são uma perspectiva a ter em conta para garantir que se continua na Moda.

Quer dizer, pode parecer que este ensaio não é tão TFS, como tem sido habitual, mas a verdade é que acaba por haver muita Vera Lúcia em apresentar uma carta de cerca de 1500 palavras depois de a nossa entrevista, entre perguntas e respostas, ter resultado num documento de mais de 3000 palavras.

O que gostavas de ter perguntado à fundadora de The Lacquered Lens?

Fico à tua espera nos comentários…

Até para a semana!

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Com amor,

Vera Lúcia

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Sim, quando te digo “Até breve!” é porque o ensaio seguinte não chegará, exactamente, uma semana depois, mas sim um pouco antes.

Sabem que eu escreveria sobre a ModaLisboa até ao infinito e mais além, mas estou sempre a tentar controlar-me para que cada uma destas cartas de amor à Moda que escrevo, semanalmente, caiba num email…

Portanto, aqui vamos nós para a segunda parte do quarto dia e para o último dia de ModaLisboa PRIORITY…

(Sim, o report da conferência internacional da Moda Portugal será o teu presente pós-Natal!)

(Parte do) Dia 4

Roselyn Silva

“THE BIRDS COLLECTION, a coleção primavera/verão 2027, nasce de São Tomé e Príncipe. No centro estão os pássaros endémicos, jóias vivas de uma biodiversidade única, hoje em vias de extinção.

Para lhes dar vida eterna, Roselyn Silva convidou o artista Blackson Afonso, seu marido, para os pintar à mão.”

Esta é a terceira apresentação de Roselyn Silva na ModaLisboa e, se algo é claro desde a primeira coleção, é que, apesar dos looks em color blocking e das silhuetas maioritariamente em I, o seu forte — o seu ponto distintivo — são os estampados. Não só por serem visualmente cativantes, mas por o que está por detrás, as origens da própria designer em São Tomé e Príncipe.

Gonçalo Peixoto

“(…) não é uma viagem ao passado, é um lugar de interrogações: quem somos? Para onde vamos? O que fica?

(…) é um espaço de procura de respostas, num lugar de conforto, quando o futuro nos parece estranho. (…)

Por isso, tudo começou numa fotografia da mãe do criador.

(…)é também a consciência de que há sempre espaço para (re)imaginar o caminho, sem perdermos a humanidade do fio invisível que nos liga a quem somos.”

Gonçalo Peixoto impulsiona-nos também a ia ir comprar as suas peças, claro está, mas também a explorar os armários das nossas mães e a usar e abusar dos tesouros que por lá encontramos.

Também nos fala de diversas formas de expormos o nosso corpo, conforme nos sintamos mais confortáveis. Será com uma camisa aberta para um decote vertiginoso, um vestido sem costas ou um vestido totalmente transparente?

Kolovrat

“LUGAR COMUM

(…)

Estamos a voltar atrás. E, desta vez, trazemos tudo o que aprendemos.

Sentimos falta de rituais, de momentos de conexão. Vivemos numa certa nostalgia do reconhecimento e, por isso, acabamos por recriar esses rituais, revelando-os através da roupa, das redes sociais, para nos conectarmos, para ampliarmos as nossas silhuetas e a nossa persona, para sermos vistos.”

Só a curiosidade cultural de Lidja Kolovrat consegue juntar diferentes padrões gráficos, manipulações têxteis diversas, uma reinterpretação de bordado inglês (naqueles mini buraquinhos, estão a ver?) e um estampado gigante de girafas e criar uma coleção equilibrada. Há diversidade e variedade de elementos e há coesão e, isso é tão Kolovrat.

Nuno Baltazar

“Cabinet des Curiosités transforma-se assim numa metáfora do processo criativo: um arquivo íntimo onde referências de diferentes momentos, personagens e linguagens coexistem e são reorganizadas através de uma visão contemporânea.

(…)

Este primeiro ato marca a procura de um novo caminho, mais autoral, que reúne os códigos estéticos NUNO BALTAZAR de forma livre, sem estações ou formatos rígidos.”

O meu closet já conta com várias peças de Moda autor portuguesa e, de facto, para além de muito me orgulhar desse facto (basicamente, eu não poupo — eu invisto em Moda portuguesa de Autor. Não só é totalmente verdade como esta frase ficava bem num billboard ou assim…), o designer de que tenho mais peças é o Nuno Baltazar. E, como as adoro, estava consciente dos dois propósitos com os quais ia ao desfile — contar-vos e escolher o que haveria de comprar na próxima pop-up store.

Sim, agora vem o mas… E, atenção, há que dizer que a ModaLisboa dá aos designers a liberdade de fazerem as suas escolhas de forma a apresentarem as suas coleções consoante a idiossincrasia de cada um. Nuno Baltazar escolheu apagar grande parte das luzes e ter uma banda sonora com gatos a miar e alusiva ao circo.

Na primeira coleção com jogo de luz e sombras, tratando-se de bridal, consegui perceber a coleção. Desta vez não, sinto que não vi a plenitude da coleção, sinto que não a percebi e não a compreendi como devia. A minha fobia de circo e de também de gatos, não ajudou é certo…

Dia 5

Helena Vaz Pereira

“Mais do que uma peça de vestuário, o corte de cabelo, a cor ou um styling podem transformar a forma como somos vistos. (…) VESTE-ME explora a capacidade que o cabelo tem de construir o estilo de cada um de nós e de criar uma linguagem própria, sem que seja necessário acrescentar mais nada.”

Se não queres cortar o cabelo, nem mudar a cor, nem sequer queres pensar em mudar o penteado que usas todos os dias, avança e esquece o que viste… Porque é, exactamente, o desejo de aventuras de cabelo que este desfile provoca em ti. Lembras-te daqueles livros mega aborrecidos de cortes de cabelo dos cabeleiros de aldeia? Agora, pensa no exacto oposto. Um completo clímax eterno de textura e empowerment daquilo que não se despe… mas que se corta!

Bárbara Atanásio

“Brinca com brinquedos de menino e de menina, e as fronteiras são linhas imaginárias que lhe disseram existir. Porque aquilo que é claro, claramente não é.

Vive na recusa da obrigação de fazer sentido. (…)

Num tempo etiquetado, ser contraditório é um ato de resistência.

Porque talvez a coisa mais funcional que possamos vestir sejamos nós próprios.”

E see miúdos fixes tornassem a roupa dos betos sua? Esqueçam os blusões do logo do jogador de pólo, que os de Bárbara Atanásio são muito giros e cool.

Talvez não tenha sido essa a intenção da designer, mas existem dois detalhes na coleção que muito me chamaram por serem inclusivos para pessoas com mobilidade reduzido. Falo dos botões de pressão em várias camisas e de calças de ganga abertas a cerca de meio da barriga da perna.

Çal Pfungst

“Não me lembro de ter dado um salto.
Um sobressalto. O mundo passa, ou o tempo, e eu por um fio.

ALOOF é cronocinese, ventania, prestidigitação.”

Çal Pfungst deu continuidade à sua experimentação, mas com uma vibe de “bora lá divertir ao vestir-me para um dia normal”. Sim, as peças são divertidas e vibrantes e, ao mesmo tempo, podes vesti-las ao acordar de manhã para depois apanhares pelo menos dois autocarros e percorreres uma linha de metro para chegares ao trabalho.

DuarteHajime

“Para a primavera/verão 2027, a DuarteHajime troca as salas de concertos envoltas em fumo pelo horizonte sem fim. HIGHWAY CRUISE presta homenagem à cultura nómada dos motociclistas, captando a dureza, a liberdade e a irmandade da estrada, onde o espírito rebelde do rock ’n’ roll encontra a liberdade sem lei da estrada aberta.

(…)

Unidos pela temível caveira de dragão e pelo título “Apex Drifter (…)”

Devo dizer que estive a ponto de passar este desfile em videochamada com a minha mãe, durante a apresentação de DuarteHajime, ela estava a trabalhar, mas não queria ter perdido o desfile da DuarteHajime.

Quanto à colecção, acho super interessante como a designer Ana Duarte dá continuidade ao streetwear para lá dos primeiros anos da marca, mostrando que não se trata de uma fase, mas de um estilo.

Luís Onofre

“Para a primavera/verão 2027, Luís Onofre apresenta CHROMATIC TENSION, uma celebração da cor, do contraste e da forma. Azuis intensos, néon turquesa e amarelos luminosos encontram combinações de vinho, vermelho e laranja, em diálogo com a pureza gráfica do preto e branco.”

Vocês sabem que eu resisto sempre a comentar as coleções de Luís Onofre, por não saber fazer um sapato e por a minha experiência como utilizadora de sapatos ser muito condicionada pela minha deficiência física. Portanto, saltos altos estão fora de questão, mas quando aqueles kitten heels escarlates me apareceram — ai, se sonhei acordada.

E a minha viagem pela imaginação não terminou por aí, já que certos pares de sapatos me transportaram directamente para as minhas séries favoritas ambientadas nos anos 40. Lindos.

Valentim Quaresma

“E se o futuro não for um lugar para onde caminhamos, mas o reflexo daquilo que estamos a construir hoje?

DISTOPIA nasce de uma visão inquietante de um mundo onde a individualidade é progressivamente substituída pela uniformização.

(…)

Quando tudo à nossa volta tenta definir quem somos, vestir-se pode tornar-se um ato de resistência (…)”

Valentim Quaresma transporta a sua joalharia escultórica, de forma expressiva nesta estação, para o tecido — nervurados, drapeados, manipulados… O sentimento que nos é verdadeiramente transmitido? Que estes seriam os nossos uniformes/armaduras para sobreviver ao apocalipse… Quer dizer temos de ultrapassar a distopia do agora.

2B

“Para a 2B The Brand, o Neo-Romantismo é mais do que uma estética: é uma filosofia. Uma visão contemporânea onde emoção, mistério, individualidade e liberdade se encontram. A marca não segue estações fixas; cria uma Moda guiada pelas emoções, pensada para ser vivida livremente.”

2B é a marca da cantora pop portuguesa Bárbara Bandeira e, foi a maior surpresa desta fashion week. A marca e a cantora souberam fazer o correcto balanço da coleção anterior e melhorar exponencialmente. Ao ver a coleção na passerelle, a ideia preconcebida de “marca de celebridade” dissipou-se por completo.

Admiro o percurso de Bárbara como cantora, ainda que não vos saiba falar muito sobre a sua música (ouço rádio, porque gosto de ter companhia e porque sou extremamente preguiçosa a fazer playlist), sobre a sua Moda posso dizer que evoluiu.

Não foi só mudar mudar o designer/ director criativo, ao pisar a passerelle não só na companhia do novo designer, mas também com as modistas que fizeram a coleção; Bárbara Bandeira não está a imitar Pierpaolo Piccioli. Está a afirmar que assume a evolução técnica de que a Collection I precisava.

Dino Alves

“A coleção primavera/verão 2027 nasce da ideia de que a roupa pode ser uma forma de escrita, onde cada peça se transforma em linguagem, como se em cada coordenado pudéssemos ler um poema, um verso, uma palavra.

A coleção não pretende ilustrar a poesia, mas sim habitá-la. Não conta uma história linear e, tal como um poema não precisa de explicar tudo, (…).”

O que é que eu mais admiro no Dino Alves? A sua imensa inteligência. Porque só um designer imensamente inteligente consegue fazer de um desfile um verdadeiro show, ao mesmo tempo que, se olharmos com um pouco de atenção, vemos que as peças estão prontas, sem ., para fecharem o ciclo da Moda ao serem compradas.

O Dino Alves voltou a fechar mais uma edição da ModaLisboa com a chave da celebração e do entusiasmo? Sim, sem dúvida que sim! E, no final, por entre pozinhos mágicos, lembrou-nos que, por mais que passem os anos, será sempre o enfant terrible da Moda portuguesa.

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Muitos designers falam de resistência, muitos a praticam. Mas ao fazer dos designers PRIORITY, desde o seu primeiro dia, a ModaLisboa tornou-se sinónimo de persistência, resiliência e da própria resistência.

Até voltarmos aqui, porque o círculo da Moda é, na verdade, uma cadeia infinita de círculos, lembremo-nos de que devemos: dar prioridade à Moda independente; resistir e persistir naquilo que é a nossa identidade; e não esquecer que mesmo que não concordemos em tudo a Moda precisa de diálogo.

Até breve!

Com amor,

Vera Lúcia

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Instruções para o uso deste ensaio:

Podes ler o artigo do início ao fim, só algumas partes ou pela ordem que quiseres.

Aviso I: As citações que se encontram em cada secção provêm das memórias descritivas dos designers, que podem ser lidas na íntegra no site oficial da Associação ModaLisboa, tanto em português como em inglês.

Aviso II: O que podes ler para lá das citações são perspectivas minhas, não necessariamente factos. Trata-se de opiniões que advêm de ter assistido aos desfiles de apresentação de cada coleção; de acompanhar o trabalho de muitos destes designers desde o seu início ou noutros casos há mais de 15 anos; e de ter feito o meu Mestrado e Licenciatura em Design de Moda.

Dia 3

Sangue Novo

É muito difícil comentar o trabalho dos designers que estão a dar os seus primeiros passos.

Posso ter visto praticamente todos os desfiles Sangue Novo desde o seu regresso — o concurso regressou em Outubro de 2013 e se a memória não me falha eu só comecei a assistir a este desfile/ concurso em Outubro de 2024 — mas ainda tenho muita Moda para ver e entender, até conseguir, plenamente, articular a minha visão de que efectivamente as coleções que se sagraram finalistas eram as mais merecedoras de o ser.

Porque não se trata dos designers em si, mas das coleções. A persistência quase obsessiva é o que torna a Moda Independente possível.

A nível pessoal, a persistência e a resiliência de Élio, voltando a concorrer ao Sangue Novo, é algo que muito admiro e que me deixa muito orgulhosa de ter acompanhado o seu trabalho desde o início.

Sagraram-se também finalistas as coleções de Francisco Martinho, Granatum, Marta Amorim e Ronni. Na próxima edição da Lisboa Fashion Week serão atribuídos quatro prémios: dois Prémios ModaLisboa x IED - Istituto Europeo di Design — duas bolsas para os cursos de verão Fashion Trend Forecasting and Styling e Fashion Brand Management, e uma bolsa de 2 000€ para cada bolseiro; Prémio ModaLisboa x Burel Factory — tal como ganhou Ariana Orrico na edição Pebbling; e o Prémio ModaLisboa x Showpress — “Assessoria de imprensa e showroom na agência de imprensa e relações públicas, Showpress, durante uma estação.”

Albert Porta

“BRANCO é um caminho na noite percorrido por seis figuras brancas. A Bruxo, E Alfaiate, I Maria, O Jokerman, U Angelus, e o Artista. Estas seis personagens devem ser interpretadas como uma sucessão de sinais numa única página”

Alexandra Sousa

“EXTENDED explora o vestuário como uma extensão do corpo, introduzindo elementos como cabelo, pele, textura, estrutura e deformação. As peças tornam-se uma segunda camada corporal, simultaneamente protetora e expressiva”

Catarina Pica

“DIÁFANA entende a sustentabilidade como a coexistência de diferentes materiais, formas de fazer e temporalidades. Reúne matérias que envelhecem (…), desde biomateriais Do-It-Yourself (…) A base técnica assenta numa produção artesanal lenta, desenvolvida pela Designer, complementada por materiais e processos industriais.”

Elio

“LOSER nasce de um momento em que o Designer percebeu como lhe era difícil admitir o fracasso. A sua primeira reação foi fingir que estava tudo bem. (…) LOSER fala sobre tudo aquilo que o Designer aprendeu a esconder para continuar a ser visto como forte.”

Francisco Martinho

“TEMPO: ORGÂNICO | MECÂNICO (…)
Questiona: o ritmo mecânico, rígido, acelerado e exploratório que o capitalismo nos faz acreditar ser a verdadeira forma de evolução.
Sugere: a necessidade de um ritmo mais orgânico, fluido e pausado, que nasce de dentro e representa aquilo que é mais essencialmente humano, interrompendo essa lógica mecanizada.”

Granatum

“ESPINHO 00 parte da relação da Designer com a cidade onde cresceu e da forma como aprendeu a olhar para ela. Uma cidade voltada para o mar, marcada por aquilo que este trouxe, levou e deixou para trás. Entre memória pessoal e coletiva, a coleção olha para a arte xávega (…) os vestígios de uma cidade que também permanecem na Designer.”

João Pecuro

“THE LAST TIME I HELD A BALLOON surge da nostalgia pela infância e da forma como as suas memórias resistem à passagem do tempo. (…) a coleção combina ecos da infância com vislumbres da velhice, abraçando o processo de envelhecimento sem deixar que este nos impeça de reencontrar a nossa criança interior, (…)”

Marta Amorim

“A coleção X1: EXPERIÊNCIA 1 parte dos princípios de Bruno Munari para questionar o papel do objeto no quotidiano. (…) Cada coordenado representa uma cápsula concebida através de sistemas modulares ou da manipulação de um único molde, utilizando materiais técnicos adequados à sua função.”

Matheus Dauzaker

“METAMORFOSE explora a transformação como princípio criativo através de uma estética sombria e de uma abordagem experimental ao vestuário. (…) As peças recusam uma leitura imediata (…).”

Ronni

“D E V I R é um ato de transformação contínua, uma recusa de identidades fixas. Existe entre o que fomos, o que somos e o que seremos.”

Ariana Orrico

“MUI SNOB E SEMPRE DESLEAL, uma contradição literal à bandeira de Lisboa, que se intitula “mui nobre e sempre leal”.
Esta coleção explora uma relação de intimidade entre o indivíduo e a cidade. Fala do conforto que nasce quando deixamos cair as ilusões e as expectativas. Fala de estendermos os metros quadrados da nossa casa pelas ruas da cidade.”

Ariana Orrico é uma powerhouse. Se ao acompanharmos o desenvolvimento da sua linguagem e identidade visuais desde a sua primeira coleção, a de final de primeiro ano do Mestrado em Design, pensámos que já tínhamos descodificado a sua fórmula mágica, estávamos completamente enganados.

O burel, da Burel Factory, deu a Ariana pluralidade, mostrou-nos como sabe bem trabalhar a cor e os seus contrastes. Ao Burel, Ariana deu muito ‘swag’. Viram bem o casaco do look 3? EU QUERO!

Pronto, já recuperei a compostura. Esta coleção deve-se não só ao talento de Ariana, mas também ao facto de na estação passada ter ganho o prémio ModaLisboa x Burel Factory do concurso Sangue Novo. O que incluía: uma bolsa de 1 000€; um estágio de um mês na Burel Factory; mentoria da equipa e a possibilidade de usar materiais da empresa para o desenvolvimento desta coleção; e a apresentação desta coleção de que agora falamos na plataforma Workstation da ModaLisboa.

Francisca Nabinho

“Esta coleção parte da ideia de construir lentamente, através da acumulação de pequenos elementos. O pontilhismo, em particular as obras de Georges Seurat, Um Banho em Asnières e Uma Tarde de Domingo na Ilha de Grande Jatte, tornou-se uma referência importante pela forma como uma imagem é construída através da repetição de inúmeros pontos de cor.”

Francisca Nabinho, como marca, cresceu e apresentou uma coleção com maturidade. Não deixando a estética girly com laivos sonhadores em tons pastel. Introduz na sua coleção a técnica de trompe-l’œil, como o motivo de um colar no vestido do look 15 e que é particularmente interessante depois da colaboração que fez na coleção passada com a Joalharia do Carmo.

Penso que as raparigas da squad Francisca Nabinho, que vão crescendo com a marca, encontraram o seu estilo ponto por ponto, já que era disso que tratava a coleção passada, dessa descoberta. Os tules das saias propostas para o Inverno renascem agora como textura estampada, num trompe-l’œil muito inteligente.

À medida que se cresce a ingenuidade desvanece, mas a celebração e a doçura permanecem.

(Parte do) Dia 4

Carlos Gil

“A coleção nasce daquilo que cada cultura deixa: a cor, a matéria, o padrão, os gestos artesanais, a arquitetura e os detalhes que tornam cada lugar único. São referências recolhidas ao longo de uma viagem pelo mundo e transportadas para o mundo real, reinterpretadas pelo olhar de Carlos Gil.”

Carlos Gil apresentou uma coleção num desfile com 200 lugares abertos ao público, no exterior do MUDE - Museu do Design. Esta foi composta por vários núcleos de cor, desde o preto, o fúcsia, o azul pastel e muito mais. Transmite-nos um ambiente de festa em looks com lantejoulas e aplicações de vidrilhos sob transparências.

Para lá das inspirações no universo de viagens e de diversas paragens, interpretei a existência de referências que homenageiam o saber fazer de uma peça de Moda de autor, tendo em alguns looks, como no look 16, a representação do fitilho marcando as linhas-base do manequim de costura.

Uma coleção na qual se sentiu a génese do designer, ainda que num leque de versatilidade.

Mestre Studio

“A casa da avó surge como um dos lugares centrais dessa infância. Foi ali que cresceu, descobriu as suas paixões e começou, ainda sem perceber, a imaginar aquilo que um dia gostaria de ser.”

Houve um momento de Moda tão forte no final do desfile: os manequins desfilaram ao som de “Pedra Filosofal” de António Gedeão, poema musicado que termina assim: “[versos de “Pedra Filosofal”: colar aqui]”

As malhas desta coleção aparentam o conforto e o aconchego de casa. Não falo tanto das questões formais, de silhueta ou de materiais por exemplo, das propostas apresentadas por Diogo Mestre porque a meu ver muitas vezes a mensagem se sobrepõe às peças em si e isso é um indicador muito positivo do trabalho do jovem designer.

Ainda mais depois de uma versão deste poema se ter tornado um dos hinos do movimento pela habitação, no nosso país, pela voz de Ana Moura. Tudo junto, traz uma leitura mais ampla aos “Sonhos de Menino” de Mestre Studio.

Arndes

“IRREAL SOCIAL é uma coleção que explora a tensão entre quem somos e aquilo que aprendemos a representar para sermos aceites.”

Arndes cresce ao seu ritmo, sem pressas e da forma que acredito ser a mais sustentável para a continuidade da marca de Ana Rita Sousa. A designer não se perde na sua própria fórmula: a desconstrução da alfaiataria está lá como base, mas temos de estar mais atentos do que até agora.

Por exemplo, o look 7, se o virmos de forma distraída, aparenta ser mais um little black dress, mas olhando com atenção, o direito é na verdade o seu avesso — o seu interior é o seu exterior.

Ana Rita traz-nos como novidades muito interessantes ao seu léxico: as transparências; os detalhes de bordado inglês e os collants de rede. No universo Arndes este tipo de collants são empoderamento e jamais algo pejorativo.

E tenho que admitir que a saia vermelha, a do look 10, é, para mim, um total e absoluto objecto de desejo.

Conta-me, achas que este formato de ensaio funciona? Que opiniões tens do que viste, do que mostrei, do que contei?

Até breve!

(Sim, isto dá-te uma pista de quando virá o próximo ensaio.)

Com amor,

Vera Lúcia

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Sendo que o tema desta 67ª edição da ModaLisboa é Priority, a prioridade do The Fashion Standup dar-vos a minha perspectiva desta estrondosa edição, da forma mais reflectida possível e com um difícil equilíbrio entre rapidez e tempo para pensar.

Portanto, esta série à qual se podia chamar “ModaLisboa Priority by TFS” é composta por quatro partes (bem, haverá um extra, mas já vais perceber): o live de Segunda-feira, este ensaio em que falaremos dos dois primeiros dias, depois falaremos de todo o dia 3, a Sexta-feira…

O Sábado irá dividir-se entre o ensaio da próxima semana e a semana seguinte, semana em que falaremos do dia mais nostálgico, o quinto e último dia — o Domingo.

Esta edição foi uma edição mais “minha”, já que fui na maior parte dos dias sozinha e só depois os meus pais foram lá ter. E o sentirmo-nos bem a solo, sentir-nos capazes. Juntar àquilo que já amamos, aquilo que, ainda que não pareça, é uma imensa realização pessoal é um sentimento indescritível.

Não se trata, obviamente, de um fashion week recap como os que vos enviei, recentemente, porque como tal como afirmo num dos posts afixados no meu Instagram: “A ModaLisboa é como uma casa.”

No entanto, antes de vos dar a conhecer as minhas opiniões, perspectivas e destaques, terei de vos dar os factos, do tipo quem disse o quê, onde e na companhia de quem.

Dia 1

Moda Portugal International Conference

Na Central Tejo, edifício do antigo Museu da Eletricidade, que agora compõe o Maat-Museu de Arte, Arquitectura e Tecnologia decorreram, como parte, da primeira edição da Conferência Internacional da Moda Portugal em co-organização da Associação ModaLisboa, seis painéis para pensarmos a Moda em conjunto.

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Confesso que estava hesitante em escrever o ensaio de há duas semanas em que recapitulei três semanas de Moda pondo o foco na perspectiva das marcas e dos designers. Mas como vocês deram a vossa opinião — que foi bastante positiva…

Cá vamos nós… Não é “outra vez” porque desta vez seguimos para Londres e Milão

Tendo uma questão bem presente…

Será que os press releases das marcas ou as memórias descritivas dos designers são lidas? Ou serão só fotografadas como memorabilia para um story?

Estive embrenhada por entre dezenas e dezenas de press releases e memórias descritas… E, alguns posts de Instagram (dependendo da comunicação das marcas) para vos trazer este segundo volume de recaps.

Semana de Moda de Londres

Steve O Smith tirou partido da sagacidade acidental como acto criativo. Smith assume que o calor extremo que assolou a Europa também afectou o seu estúdio e deixou que tal transparecesse para a sua colecção “Fever”. Nas propostas inspiradas pelo pintor André Derain nas quais as tintas, das pinturas características do designer inglês, secaram e espessaram rapidamente, algo que foi assumido. E, este foi o momento em que se desafiou a não usar preto e, cumpriu.

Simone Rocha descreve a maioria das silhuetas e formas da sua colecção como “casulo” ou “bolha”. Numa colecção que tem como epígrafe uma frase de Caravaggio sobre amor e sonho. Cores apelidadas de “azul Caravaggio” ou “vermelho sangue”. Esta Primavera/Verão tem ainda como linhas -guia as expressões: “pequenos actos de generosidade”; “expressões de intimidade através da roupa”; “símbolos de afecto”.

Richard Quinn focou-se em falar da marca, mais do que da colecção (segundo o que li, claro está). Falando de construção de marca, terá dito que para uma marca se perpetuar , enquanto está em construção, tem de se estar saturado com aquilo que se faz. Já a colecção, Quinn descreve-a como sendo sobre o hiper-glamour dos anos 80.

A Letter, de Matt Empringham e Freddy Coombes, teve aparentemente uma apresentação muito genuína na qual foram os próprios a fazer as trocas de roupa às modelos durante o desfile. Nesta primeira vez que apresentaram a colecção no corpo, começaram a pesquisa por peças St. Michael (a antiga linha de roupa da Marks & Spencer) que foram comprando na Vinted. No resultado final tiveram como objectivos, entre outros, deixar visível a imperfeição.

McQueen afirma ter apresentado anjos na escuridão. Partindo da ideia de que a cidade de Londres tem inerente a tensão entre a modernidade e o historicismo. E tendo como objectivo a subversão das tradições de Savile Row, tão associada ao próprio McQueen.

Erdem, em muito poucas frases, fala-nos da tensão dinâmica das formas masculinas e femininas. E diz-nos que a colecção abraça as possibilidades, a beleza e ambiguidade do espaço entre identidades.

Edeline Lee parte do mito de Sísifo — se tal como eu não estás a ver de que se trata, era, segundo o mito grego um rei que queria fazer de tudo para enganar a morte e como castigo, os deuses faziam-o rolar uma pedra pesada para o topo de uma montanha, a pedra era pesada, rolava para trás e, lá voltava ele repetidamente à base, como um ciclo vicioso para trás. Lee representa este mito que é um fenómeno que acontece com as bailarinas em busca da perfeição na sua arte. Onde o esforço e sacrifício se transforma em beleza e graciosidade.

Harris Reed criou, para a colecção que marca o quinto ano de apresentações na London Fashion Week, “Loud Whispers”. Estando esse pulsar em alto e bom som presente nas formas exageradas, enquanto o branco puro e o marfim são o sussurro.

Burberry serviu dois propósitos nesta colecção e neste desfile,: trata-se de uma colaboração e de uma homenagem a Celia Birtwell. Designer têxtil que aos 85 anos continua a escrever a história da Arte e Moda britânicas, que se materializa neste desfile que decorreu no local onde durante muitos anos Celia leccionou — Chelsea College of Arts.

Francesca Lake traz à passerelle uma visão própria, que caracteriza como leve, de um dos aspectos da sua herança jamaicana — as tradições relativas ao funeral.

Mulberry vê o regresso, aos ciclos da Moda, de Christopher Kane, o novo director criativo da marca, que reconhece que nesta colecção imprimiu muito do seu cunho pessoal ao mesmo tempo que quis começar na Mulberry com uma estética “moderna e clean”.

Mithridate, pela mão do director criativo Daniel Fletcher, teve como inspiração para a próxima Primavera/Verão uma mistura de referências: New Romantics; Londres da década de 1980; as eras Victoriana e Eduardiana; dar prioridade às proporções numa multiplicidade de formas.

Semana de Moda de Milão

Sportmax - a primeira frase e a última oração do comunicado de imprensa da marca para esta colecção são tão intensas e tão fortes que devem ser citadas: “A colecção SS27 da Sportmax nasceu da intensidade de uma canícula, de um calor abrasador que varreu o mundo, e imprimiu em cada peça o desejo de leveza. (...) A Sportmax aproveitou o calor para dar forma a uma leveza impossível e a transparências cheias de nuance.”

Gucci apresenta uma carta de Demna como press release. Carta na qual diz que esta é primeira colecção com a sua total visão pessoal. Inspirando-se na loja da marca em Londres, representando a ideia de Demna de a Gucci é um espaço de possibilidades, onde cada um se pode tornar naquilo que escolhe ser.

Prada assume que a saia é uma obsessão e esta colecção é exactamente “The Skirt”, sendo, para a marca, pensada para a liberdade. Como nos é dito, a funcionalidade e a estética podem trabalhar em conjunto, como a utilização de Velcro que tanto pode ser base de um bordado de cristais, como forma de fecho da peça que também altera as formas e silhuetas da saia. “Uma saia pode ser abstrata, um fragmento de um todo cuja relação com as peças que lhe são justapostas vai mudando: uma camisola, uma camisa ou um top de lingerie podem sugerir, cada um, leituras diferentes do conjunto.”

Jil Sander sempre foi tida como o supra-sumo do minimalismo, mas tal como diz o actual director criativo da marca, Simone Bellotti o minimalismo, hoje em dia, é mainstream. E é aí que entra a imperfeição estudada ainda que inesperada, numa dicotomia entre o uniforme e a vulnerabilidade.

Marni diz que esta colecção trata de descoberta para um novo capítulo. Sendo a intenção observar o que está para lá da superfície; descobrir a verdade; saber o que está para trás para antecipar o que virá.

Moschino tem novos directores criativos — Loris Messina e Simone Rizzo (Sunnei) — muito se escreveu sobre esta estreia, mas da parte da própria Moschino não se soube muito. Ao entrarem para marca terão dito que queriam homenagear o trabalho de Franco Moschino sem o imitar. Foi anunciado no Instagram que o desfile não teria transmissão em directo, informação a que acresce o que poderá ter sido o mote da colecção: “The pleasure is all yours!” Para o desfile os designers recrutaram 400 figurantes (amigos, fashion insiders, etc.) para partilharem a passerelle com as modelos.

Giorgio Armani decreta ‘Evoluzione’ com uma atitude distinta perante elementos familiares à marca. O objectivo primordial? Um diálogo contínuo entre mudança e continuidade.

Antonio Marras retrata uma noite em Alghero (Sardenha, Itália): a celebração e o sonho misturam-se. A meio desse dia celebrara-se um casamento, quando na noite anterior se celebrara o São João, e os looks acompanham quem festeja continuamente.

Blumarine misturou universos. A década de 70 com os anos 2000 (mais conhecidos actualmente por Y2K). A ingenuidade que se transforma numa ‘bombshell’ da costa cinematográfica da Califórnia.

MM6 Maison Margiela dá o poder ao utilizado, ele/ela é que sabe como usar a peça. Já que, como lembra a própria marca, a roupa vem com instruções, ainda que ninguém as leia. O número 6 está da cabeça aos pés, ou especialmente no pés, com a colaboração com as Havaianas — com chinelos com espaço para seis dedos.

Missoni apresenta o que descreve como “Missonism: uma forma única e reconhecível de trabalhar a linha e a cor”. O mar é elemento de inspiração, mas não da forma mais óbvia. É referência de imediatismo, imediatismo esse que transparece na forma de vestir mesmo que possa parecer arbitrária ao outro.

Vogue World, ainda que muitas vezes tenha de recorrer à app da Vogue para saber qual a intenção dos designers, porque por mais que busque não encontro informação em mais lado nenhum (e quem me conhece sabe como posso ser persistente), eu na verdade não acho relevante saber a inspiração ou propósito de mais uma edição do Vogue World. Consigo ver o Vogue World em dois prismas. é como uma série que só foi pensada para ter uma temporada e depois quiseram fazer mais temporadas e esticaram a narrativa de forma forçada. Ou pode ser aqueles filmes de Natal super pirosos mas se adorares o Natal, não consegues não gostar de tais filmes, mesmo que queiras. Faz sentido? Pronto, é isso.

O próximo ensaio terá o formato de vídeo, sairá, excepcionalmente, à segunda-feira. E porquê? Porque de quarta-feira, dia 7 a Domingo, dia 11 a minha existência irá girar em torno da ModaLisboa Priority | Lisboa Fashion Week.

Se bem que na verdade já tivemos um evento pré-fashion week, a inauguração da Pop-up da ModaLisboa em co-organização com a House of Curated. Decorre até Domingo, dia 11, portanto não percas a oportunidade de comprarModa portuguesa, independente e de autor a óptimos preços.

Mas eu já vos disse que sofro de um fenómeno chamado “Ressaca de Moda”, portanto preciso das vossas perguntas sobre a Semana de Moda de Lisboa. O que gostavas de saber? Que curiosidades tens sobre ModaLisboa Priority?

Responderei o melhor que souber e poder, mas não sei ler mentes… Por isso, vais mesmo ter de perguntar.

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

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Provavelmente, não tenha eu sido a única a ser apanhada pelos protestos da PETA relativamente à lã. Como designers e estudantes de design de Moda, habituamo-nos a preferir fibras naturais. Ainda que gastem muito água e energia para serem produzidas, as suas características enquanto tecido para o utilizador e de durabilidade equilibram a balança da sustentabilidade.

Balança essa que deve ter em conta que a alternativa é o poliéster. Bem, até aqui barato, mas se é derivado do crude continuará a sê-lo com o aumento estrondoso dos combustíveis.

Não pretendo negar que existem maus tratos animais, mas pretendo questionar toda a questão para a poder perceber melhor. Afinal não é isso que faz o The Fashion Standup?

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Hoje falamos de três Semanas de Moda distintas - a Mercedes Benz Fashion Week Madrid; a New York Fashion Week e a Copenhagen Fashion Week. E porquê falarmos de semanas de Moda tão dispares? As razões são várias e diversas.

Pode pensar-se que as palavras dos designers e das marcas é o caminho mais fácil, não é bem essa a intenção. Se há uns anos atrás, muito do que se escrevia sobre Moda era com base nas memórias criativas dos criadores de Moda, actualmente, a excessiva intelectualização da Moda por um lado (numa escala não assim tão grande) e, em grande escala a rapidez das imagens velozes de plataformas como o Tik Tok… Onde ficam as ideias originais dos designers depois de interpretadas e reinterpretadas uma e outra vez?

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É esta a ideia de dedicar algumas palavras a mais de 40 designers de três semanas de Moda tão distintas num único ensaio partiu da minha reação face aos actos de violência do ex-CEO CFDA Steven Kolb para com os manifestantes da PETA no desfile da COS. Para lá de tais acções não terem espaço na Moda, tais acções repercutem-se no ofuscar o trabalho e a voz criativa dos próprios designers.

Para lá da representação digital de ditos designers no suposto site oficial NYFW — The Shows, digamos que podia ser mais próxima à das organizações europeias. Já que toda a informação dos designers que participaram tanto na Semana de Moda de Madrid como na Semana de Moda de Copenhaga podem ser facilmente encontrados nos respectivos sites oficiais dos eventos.

Mas porque falo agora de Madrid e da sua Mercedes Benz Fashion Week, porque aparentemente, esta estação o legado da Passarela Cibeles renasceu. Devendo-se tal renascimento à Fórmula 1 e ao “The Front Row” by Substack España. Sendo a MBFW organizada pela IFEMA, o evento não decorreu nos pavilhões da Instituição de Feiras de Madrid, agora ocupados pela etapa madrilena da F1. Pelo que os desfiles e apresentações ganharam o pulsar vital de diversas localizações da cidade.

E, ao ser a primeira semana de Moda ter um programa de colaboração oficial com o Substack, passa a ter maior cobertura de vozes independentes, o que lhe acaba por conferir ao evento espanhol um carácter pioneiro, neste espaço digital em expansão.

Já não é a primeira vez que vos falo da Semana de Moda da capital dinamarquesa, mas desta vez mais pessoal, mais emocional. Já que foi para mim uma honra ser convidada por um membro da comunidade TFS e estudante da The Swedish School of Textiles me ter convidado para o desfile na CPFW. Como não pude estar presente, esta é de certo modo o meu tributo.

Cá vamos nós, partindo da semana que aconteceu mais recentemente…

Mercedes Benz Fashion Week Madrid

Pedro del Hierro partiu da tradição japonesa de assistir ao florescer das cerejeiras e desconstruiu o kimono para chegar à colecção HANNAHI,

Palomo Spain, em Espanha, a marca é conhecida somente como Palomo e internacionalmente como Palomo Spain. O conceito da sua colecção é partilhado por poucas nas suas redes sociais. Fala-nos de Arcadia — a escuridão do jardim antes do amanhecer como celebração da liberdade do décimo aniversário da marca.

Lola Casademunt by Maite fala-nos de uma mulher cliente tipo que viaja de um lado para outro da cidade, cidade na qual existem pausas infinitas daí o nome dado às propostas que a marca apresenta “City Oasis”.

Adolfo Dominguez apela a que reflectamos para a forma como olhamos para o mundo, numa colecção onde a pesquisa começa com o questionamento da cor e luz.

Moisés Nieto o filho pródigo volta à Semana de Moda de Madrid, o designer andaluz fala-nos e retrata a sua Andaluzia que trata muito mais de Lorca e das pinturas de Julio Romero de Torres do que de folclore.

Acromatyx não tem um conceito externo — o conceito e a própria colecção começam com o corpo e a reinvenção de moldes já usados pela marca em coleções anteriores. Um corpo que se vê restrito por silhuetas cingidas ou expandido por silhuetas volumosas.

Isabel Sanchis oscila por entre uma homenagem feminista às calças bloomers e a reinterpretação do espartilho.

Custo Barcelona como propósito a leveza visual, quase celestial, seguem-se os códigos da casa como veículo de auto-expressão para quem veste.

Redondo Brand uma descrição mais técnica do que conceptual, querendo variedade e contraste de texturas e formas. Assumindo as cores usadas: vermelho, rosa, branco, preto, dourado, azul Klein e laranja — como temas-chave da própria colecção.

Calaaf mais uma vez os jardim, mas desta vez dialoga com a artificialidade, a decadência, romantismo com laivos de realidade nua e crua. Não sendo o objectivo a representação real de um jardim.

Alvarno reinterpreta o vestir “à la española” do século XV, tendo como motivo principal “The Light of Madrid, The Spirit of Paris” como o que chama de barroco minimalista.

Antonio del Canto foca olhar naquele que considera ser um altar do dia-a-dia - o toucador. O eu interior apresenta-se ao exterior e é exactamente de preparação de nos vestirmos que inspira o designer.

Celia B Designer interpreta “Indian Summer” como os últimos dias de calor do Verão, ao mesmo tempo que regressa às suas origens nas Astúrias, inspirando-se nos “índios” asturianos.

Juan Vidal apresenta “Segundo Edén”, havendo pouca informação disponível sobre a sua memória descrita, conclui-se que se trata da continuidade do conceito da colecção anterior — “Edén”. Inspirado por uma viagem a Istambul, por entre ideias de modéstia e pecado.

New York Fashion Week

Carolina Herrera no seu site oficial fala-nos desta colecção como a materialização do universo da marca e da mulher CH para as novas gerações.

Thom Browne queria brincar, não queria que a colecção muito sério, assim tal como para a mais recente colecção menswear partiu do filme de animação da Pixar A Bug’s Life.

Parsons MFA, as coleções dos estudantes cujas inspirações vão desde as mulheres tidas como assustadoras, mas na verdade eram decidas sobre si mesmas a pioneiros da “Black culture”.

Libertine a marca do designer que se orgulha de não saber costurar nem saber confeccionar uma peça de roupa estabeleceu como objectivo, desta colecção face às anteriores, o progresso.

Bibhu Mohapatra continua a inspira-se na Marchesa Luisa Casati, que segundo a designer , acredita que cada dia era uma obra de arte. A esta inspiração junta-se um outro amor da designer — as traças.

Michael Kors — diversas referências artísticas de metade do século passado, uma série de eventos quotidianos e o desejo de criar algo que salte à vista.

Prabal Gurung não conseguia parar de pensar em liberdade e, à liberdade juntou-se o conceito de pessoas de universos opostos a partilharam o mesmo espaço e a passarem um bom bocado.

Magda Butrym empatiza com a experiência da pioneira artista polaca Natalia LL, que fora para Nova Iorque para desenvolver a sua arte, lutando pela presença das mulheres na arte, não tendo quaisquer facilidades na Big Apple, desta empatia nasce a colecção para a próxima primavera.

Altazarra teve como ponto de partida um álbum de fotografias de meados do século passado onde figuravam homens vestidos de mulher. Assim criou uma colecção que deseja que para além de evocado de liberdade, fosse alegre.

Christian Siriano cria uma colecção em torno do conto francês “A rainha das Ilhas Floridas”, que aborda temáticas de vaidade, vingança e rivalidade.

Sandy Liang rêve-se no styling da sua própria colecção, que queria fosse tão feminina como hyper sporty e na qual existe um regresso à realidade sem perder a magia.

Ralph Lauren segundo o próprio a colecção trata da liberdade e diversão de criar o próprio estilo, um estilo verdadeiramente pessoal.

Laquan Smith perspectiva as vidas das mulheres, não só num momento do dia como fizera anteriormente, mas ao longo das 24 horas do dia.

Copenhagen Fashion Week

Caro Editions cria um Club noturno para homenagear as peças que ficam connosco para lá da noite acabar. Somos assim convidados para o Caro Club.

Nicklas Skovgaard inspirado pelas girl bands da década de 1960s como The Supremes, The Shangri-Las, e The Ronettes, apresenta The Skovgaardettes. Colecção que se desdobra em diversos guarda-roupas miniaturas.

Iamisigo dá à sua colecção o nome de “Sacred Ecologies”, sendo uma extensão do seu questionamento da peça têxtil como registo vivo e do corpo lugar de transformação.

The Swedish School of Textiles, um grupo de 22 recém graduados sobre o que significa dar os primeiros passos nestes tempo que vivemos de incerteza económica e grandes avanços tecnologias. Uma apresentação onde cada aluno se expressa individualmente.

Gestuz reflecte sobre os actos que as mulheres praticam não por produtivo, mas por prazer próprio, a ideia de se auto - documentar como forma de autoria, a isto aliam-se vibes dos anos ’70.

Paolina Russo - heroínas e musas aliam-se à ideia e tomada de consciência de que tudo é possível. Ao mesmo tempo, ao longo do processo criativo todo conta como artefacto de inspiração, como por exemplo um guardanapo.

By Marlene Birger explora antecipação do Verão que se vive durante o Inverno, tornando o Sol, como elemento simbólico de optimismo e renovação, o coração da colecção.

Institution by Galib Grassanoff tem como ponto de partida uma palavra em azerbaijano de onde o designer é natural. Yad que tanto pode significar: estranho, estrangeiro, memória ou lembrar.

Studio Constance brinca com expressões emocionais e transpõe para colecção as experiências mais recentes da designer — de transformação de corpo e mente.

Mr Larkin desfila pela primeira vez na CPFW e fá-lo com a colecção “Lucky”, que não trata só de sorte, mas também de resiliência, longevidade, gratidão e peças individualistas.

Masculina intitulou a sua colecção de “Dolls Parts”, que retrata a experiência das mulheres transexuais, com vista a se integrarem em segurança na sociedade. Para a Primavera/ Verão 2027 investiga aquilo que as restringe e aquilo que as permite afirmarem-se.

Scandinavian Academy of Fashion Design — 27 designers reflectem sobre problemas sociais, ao mesmo tempo que cada um explora diferentes técnicas de manipulação têxtil e, deixa transparecer as aprendizagens dos respectivos estágios.

OperaSport apresenta Growth, crescimento tanto natural como intencional, tendo como ponto de partida o parque natural de Copenhaga Carl Jacobsens Have.

Sim, podem dizer porque é verdade que este é um ensaio de curadoria, ainda que muitas sejam as vozes criticas, ultimamente, nas redes sociais, sobre a prática de curadoria.

No entanto, espero que gostes desta versão TFS.

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

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The Fashion Standup (PT)

Copenhagen Fashion Week: Mensagens de Voz

Enquanto abria o computador para escrever este ensaio, lembrei-me que este é a terceira newsletter seguida a ser publicada ao domingo. Não deixa de ser estranho, porque quando era criança o domingo era o dia da semana que eu menos gostava, a perspetiva da segunda-feira era super inquietante para mim…

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a year ago · 4 likes · Vera Lúcia

The Fashion Standup (PT)

O Substack e a Moda, uma história de Amor

Na semana em que o The Fashion Standup passa a estar integralmente no Substack, abordamos a história de amor crescente entre a plataforma e a Moda…

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a year ago · 5 likes · Vera Lúcia

The Fashion Standup (PT)

Pensamentos alinhavados

Esta edição é várias coisas e, principalmente, uma coleção de anotações - reflexões alinhavadas e pensamentos descosidos. Surge de uma entrevista com um subscritor do The Fashion Standup, num exercício do Business Class, em que este querido leitor me disse que gostava de ler mais sobre coleções badaladas da estação…

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a year ago · Vera Lúcia

Voltamos aos Book Stack, será o último destes Verão, mas não será o derradeiro. Hoje, vamos falar do livro “Fashion Industry and Tourism Strategy — Transforming Destinations & Shaping Experiences”, editado por Marco Valeri e Shekhar Asthana.

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Esta colectânea de papers académicos foi amplamente noticiada nos meios de comunicação portugueses, principalmente no digital, devido à participação da investigadora portuguesa Maria Nascimento Cunha.

Mas será que o livro faz jus ao buzz?

Já lá vamos, que não seria um ensaio TFS sem uma citação, duas até. E não, só porque sim, mas porque a definição de Turismo de Moda é necessária para se entender o livro. E como esta é uma obra de vários autores é pertinente saber como alguns definem este conceito:

“Turismo de Moda combina duas indústrias vibrantes, que são as indústrias da Moda e do Turismo. Neste sentido, as pessoas viajam para determinados destinos para explorarem a cultura de Moda da comunidade anfitriã.”

— Bapon Chandra Kuria, Ayan Banika e Marco Valeri

“O Turismo de Moda proporciona uma variedade de experiências como oportunidades de viagem, conhecimento cultural, e consumo de Moda, que oferece aos viajantes uma oportunidade de se envolverem em tradições de Moda local, artesãos, e iniciativas de Moda sustentável.”

— Manisha Paliwal, Komal Desai, Pooja Tanwar e Omkar Bapat

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O TFS fez dois anos na quarta-feira, dia 2 — e, no post de Instagram eu prometi que este ensaio seria uma retrospectiva menos lamechas, mas vamos ver o que consigo fazer nesse sentido.

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Na verdade não sei há quantos anos começou esta história. Pensei que sabia, mas agora que me sento a escrever, as possibilidades multiplicam-se…

Talvez tenha sido, há dezassete anos atrás, quando aos 9 anos decidi que queria ser designer de Moda. Muito mais tarde percebi que o fundo, o âmago desse desejo, era, de facto, estudar Design de Moda.

Ou quase de certeza que foi naquele dia 11 de Março de 2011, quando fui à ModaLisboa | Lisboa Fashion Week pela primeira vez. Nesse dia senti algo único, que acho que nunca voltei a sentir tal mistura de sentimentos — felicidade imensa e medo, medo de não regressar… Não sei explicar, nem elaborar melhor.

Também pode ter sido no meu primeiro ano da faculdade, no final de 2017, quando a minha querida professora de História da Moda me disse que eu poderia ser uma boa investigadora de Moda. Aquilo ficou a ressoar dentro de mim… E, não me lembro se foi no próprio dia, talvez tenha sido alguns dias mais tarde…

Sei que estava a sair da faculdade, era já de noite e eu caminhava acompanhada até ao portão de umas das pessoas que será sempre das mais importantes para mim (mas que nunca se vê ao espelho no que escrevo, nunca se reconhece nas estórias que conto) e cuja opinião é das poucas que valorizo inestimavelmente — ao contar-lhe o que a professora me dissera responde com uma assertividade e calma, combinação que nunca lhe havia visto: “Eu também acho!”

Para a maior parte das pessoas a dissertação de mestrado — a tese — é só uma obrigação, algo que se tem de cumprir para terminar esse ciclo de estudo, mas eu sou escorpião, o que é sinónimo de intensidade. Portanto, desde o inicio da faculdade tinha uma ideia do que faria nessa tal tese — estudaria e exploraria a Moda inclusiva.

Até que um dia, não sei especificar como nem quando, muito menos sei pôr por palavras a minha linha de pensamento. Eu mudara, algo em mim mudara, já não era isso que eu queria. Agora percebo o que senti e daquilo de que me dei conta. Tomando emprestadas as palavras de Gloria Steinem tinha de escolher algo que deixasse de tal forma feliz e entusiasmada que fizesse esquecer as horas.

E, assim, quando o professor de projecto nos pediu para partilharmos qual o nosso tema eleito para a dissertação, eu disse que estudaria a importância da Associação ModaLisboa.

Ao longo do processo pensava, eu podia fazer isto para sempre — pesquisar sobre Moda independente do cluster lisboeta, relacionando-a com o Sistema de Moda. Tarefa que me deixa tão feliz e em puro êxtase como quem encontra um pote de ouro por detrás do arco-íris.

Só agora percebo que acabei por fazer o que a Gloria dizia ser importante que contássemos uns aos outros estórias e as nossas estórias. Visto na sua perspectiva, faz-me sentir que qualquer impacto conta independentemente da dimensão que o mesmo tenha.

É claro que são muitos os dias em que penso: “Mas que raio é que eu estou a fazer? Mas quem é que eu me acho? Que importância é que tem o que eu ando a fazer?”

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Depois vejo que o The Fashion Standup é lido em 92 países e por mais de 1500 pessoas. Ao ver isso, vejo também que são quase tantas as pessoas do Estado de Nova Iorque, quantas as que me lêem em Portugal, o meu país natal. Sendo Gloria Steinem uma figura maior, em especial na cidade de Nova Iorque abraço-vos neste momento em que flores e cartas se aglomeram à porta do prédio onde vivia.

Para lá dos números e, do dinheiro ou a sua perspectiva que também têm a sua importância, a verdadeira importância está quando uma subscritora me diz que graças a mim ficou a conhecer o trabalho de um designer português; me escreve que um ensaio meu a fez repensar uma instituição como a Vogue; ou que fui um motor de inspiração da inclusão criativa de pessoas com deficiência física encontrarem o seu lugar na indústria da Moda.

Nunca pensei escrever, sempre achei que era um acto aborrecido e que eu não o fazia bem — não sou dotada no uso de pontuação; esqueço de palavras e letras; a minha mente é muitíssimo mais rápida que as minhas mãos.

Se tivesse sabido o futuro, teria uma e mil vezes estudado Design de Moda — deu-me mais do que posso quantificar, aquilo que me ensinou deu-me o meu completo ser e deu a Moda como uma descoberta e um mundo de possibilidades que só as disciplinas do Design e da Moda me poderiam dar.

O que segue? Continuar, com a certeza que um ‘9 to 5’ nunca seria para mim, que estou grata porque cada um de vós. Tentando neste terceiro ano de TFS dar-vos mais conteúdos com a densidade que merecem. Espero manter o diálogo com as vossas sugestões para lá da minha enorme teimosia de não esperar pelos algoritmos e me apresentar sempre primeiro.

Vemos-nos para a semana, no último book stack do Verão?

Falta dizer que se a semana passada referi a morte de Dolly Parton e da empatia que sinto por Miley, desta vez não falo/ escrevo o suficiente sobre Gloria Steinem porque é algo para mim com muito mais impacto e significado.

Já escrevi sobre esse mesmo intenso significado nas redes sociais e em Note de Substack, mas o ensaio… Esse ficará para mais perto da data daquele que seria o seu aniversário. E aí darei o meu melhor na investigação e na escrita para honrar a relação de Gloria com a Moda.

Deixo já aqui a nota, relativamente, às críticas de que muitas de nós estamos a santificar a Gloria Steinem e que ela não o merece, são opiniões. E a minha é que claramente um ser humano tem defeitos, e até santos devidamente canonizados também os tinham. Factualmente, os santos só fizeram o bem depois de mortos e a Gloria fez a sua parte para deixar o mundo melhor do que o encontrou.

E, não, não tornei o texto de aniversário do meu projecto sobre a Gloria Steinem, porque em última análise sem Gloria, sem o seu trabalho e contributo, não havia The Fashion Standup.

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

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Esta semana quase não vamos falar de Moda — à exceção a uma menção à marca J W Anderson, não estivesse eu estado fora do escritório ou longe da minha cor-de-laranja Substack, da qual tantas vezes escrevo a newsletter, o escritório é mais o local de pesquisa. Em suma, estive cinco dias sem abrir o computador.

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Então, mas se não vamos falar de Moda, vamos falar de quê? Vamos falar da experiência mais inclusiva que já vivi num hotel; a minha relação com Sevilha; do que apercebi durante esta pequena pausa; e de Dolly Parton.

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Hoje falamos de leitura, mas não de book stack e, não se preocupem que eu sei que ainda nos falta um livro… Mas hoje fazemos um “digest” dos artigos de Substack que li esta semana.

Este é um formato que há muito pensava experimentar e, dada a minha relação complicada com o mês de Agosto, é a melhor altura para ditas experiências. Tive esta ideia ao ler o livro de Russell Nohelty e Claire Venus “How to build a world class Substack”, que recomendo para quem quiser perceber melhor a plataforma.

No outro dia, estava a pensar na ironia de eu estar a escrever tanto sobre leitura, leituras de Moda como é óbvio, ultimamente. A minha relação com a leitura não começou da melhor forma, comecei a ler tarde e com dificuldade e no quarto ano da Escola Primária fiquei em terceiro lugar num concurso de leitura e nunca mais parei de ler.

Bem, talvez d…

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A Europa está cada vez mais quente, nunca vivemos meses de Junho e Julho tão quentes — N-U-N-C-A!

O que quer isto dizer para os designers de Moda independentes?

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São muitos os desafios que os designers independentes enfrentam, mas como o calor extremo se torna mais um ou se múltipla em diversos desafios.

Em Portugal só 29% das casas que têm ar condicionado, no Reino Unido só conta com 5% de casas familiares têm ar condicionado, a média da Europa é de 20%. Com o aumento das rendas e dos imóveis seja de que tipologia for, restam, para lá de home office, os imóveis mais antigos — os mais quentes.

Ah, se te perguntas onde fui buscar estes dados? Recolho informação para ti por diferentes meios, como a TV, neste caso o G7 da CNN Portugal.

Para lá de muitas vezes, hipoteticamente, sofrerem com o calor a trabalhar — como acontecia na faculdade, há tantas outras questões… As micro-empresas, como são as dos designers de Moda de autor, têm a operação muito dependente do próprio. Isto quer dizer que o calor extremo cada vez mais debilita os sistemas imunitários — em muitos casos se o fundador/ designer adoece a operação pára.

Temos ainda os desfiles remarcados como o da Dior e de Rick Owens na Paris Men’s Week. E para mim mais interessante, uma vez que é uma questão sobre o qual não havia pensado e tenho plena noção de porque assim é, mas uma coisa de cada vez.

Farei menção à Vogue Business e as imagens presentes nas colagens deste ensaio têm como fonte a Vogue Runway. Apesar da pesquisa e colagens terem sido feitas antes do post de Instagram e Note de Substack de ontem, aquele no qual falo sobre o facto da Vogue ser a nova Hola! ou People Magazine, não é só por isso que mantenho tais referências. Considero que a Vogue Runway mantém o seu papel e que o deveria manter gratuita como era nos bons velhos tempos.

Sou consciente que o digo havendo neste ensaio uma paywall, mas o The Fashion Standup é uma publicação independente e as subscrições são a única forma de entrada de capital para este projecto. E apesar das paywalls, quando fazes scroll não encontras um banner de anúncios a cada dois parágrafos.

E, ainda que eu pense que a melhor estratégia para a Vogue seja ter uma Vogue Noivas como acontece em Espanha, para as Georginas e para as Laurens Sánchez Bezos — e deixavam a Vogue ser Vogue.

Já agora, como os meus ensaios nunca são em linha reta deixa-me contar-vos um pequeno hack económico, já recebi um certo hate por falar disto, não obstante vou fazê-lo. Uso a Klarna, já escrevi sobre isto e, é através da subscrição da Klarna que tenho acesso à Vogue e outras subscrições entre os quais o Flo.

Falando da Vogue Business, ainda tem artigos que são aquilo que queremos da Vogue — tendo em conta a comunidade de Moda do Substack. Artigos como “Can Fashion Handle the Heat?”, no qual é citado um post de Instagram do fundador da revista independente StyleZeitgeist, Eugene Rabkin. E com essa citação voltamos à tal questão sobre a qual eu nunca havia pensado:

“Falo por muitos editores independentes aos quais não é concedido carro por parte dos organizadores da Paris Fashion Week ou por meio de ajudas de custo e, digo-o com todo o respeito, mas as Alterações Climáticas são reais… Às vezes, quando ouves um educado “não”, é porque o teu showroom é demasiado longe e nós estamos a dar prioridade ao nosso bem-estar invés de olhar para peças de roupa. Enquanto isso, tentamos fazer o melhor com calendários frenéticos que mandam de um lado para o outro da cidade, como se fossemos bolas de ping pong, várias vezes por dia sob um clima debilitante… Eu sei que os orçamentos são apertados, mas ajudem-nos a ajudar-vos.”

Obviamente, que o problema de que fala Rabkin faz todo o sentido, só nunca pensei nisso pela minha experiência de Fashion Week.

Como sabem, a minha experiência é a ModaLisboa | Lisboa Fashion Week que, a cada edição, tem uma location principal, onde decorrem a maior parte dos desfiles com os outros eventos a não distarem muito. Por exemplo, no Pátio da Galé, há estacionamento muito perto (e eu e andar a pé é incompatível) que muitas vezes é gratuito quando o lugar de deficiente na rua está disponível. E, também consigo deslocar-me facilmente entre esta localização principal e o MUDE, onde costumam decorrer alguns desfiles e ciclos de conferências. Portanto, Moda em Lisboa não tem bolas de ping pong.

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Eu era nerd que lia a Vogue e a Teen Vogue no intervalo das aulas e papers académicos sobre empreendedorismo e moda, da autoria de quem viria a ser a minha orientadora de dissertação, durante as aulas de educação física do secundário (eu tinha atestado médico para não praticar exercício físico).

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É estranho ou demasiado contra corrente falar de intelectualismo na silly season… mas eu nunca adorei o mês de Agosto. Desculpem, mas a TV vendeu aos Gen Z Verões demasiado entusiasmantes…e depois nada tão extraordinário acontece neste mês tão extremamente quente. Do que eu sempre gostei foi de ser geek, desde que fosse geek da Moda.

Comecemos pelo início, se falamos semana após semana sobr…

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Sabes qual é a diferença entre uma escultura e um vestido? É uma das muitas perguntas que nos faz uma das protagonistas deste ensaio. Respondendo-nos que a única diferença é que um vestido pode ter qualquer forma, desde que seja possível vesti-lo num corpo humano.

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Portanto, cá estamos nós no terceiro book stack, hoje falaremos de “Fashion School in a Book”, não só pelo livro em si. Mas pela sua autora. Zoe Hong é designer de Moda, mas também criadora de conteúdos, especialmente YouTuber.

Comecei a ver o canal da Zoe Hong, praticamente, desde o início…Andava talvez no sexto ou sétimo ano da escola básica quando comecei a ver os vídeos da Zoe para ir apreendendo o que, efectivamente, me interessava (que não era nem pouco ,mais ou menos, físico-química) — o Design de Moda.

Depois de anos e anos a ver tais vídeos de forma metódica e a fazer apontamentos dos mesmos, quando o livro da Zoe foi lançado em 2024, já eu tinha terminado a minha escola de Moda…Mas a minha curiosidade não desaparece, portanto graças a este book stack li tanto o livro como o design journal e tenho muito para vos contar.

Depois da paywall:

• percebes a diferença entre pensar a 360º e fazer um “coffin garment”;

• ficas a saber se o lipstick index se aplica a ti;

• conheces o teste que te pode dizer se o trabalho a solo em Moda é para ti.

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Hoje falamos de “Dicionário de Estilo”, ainda que o título nos faça pensar num objecto — o livro, trata-se da rubrica televisiva da autoria de Tiago Manaia.

Não posso deixar de mencionar o seguinte fun fact eu e o jornalista, reconhecido pelo seu trabalho na área da Moda em publicações como a Revista Máxima e Vogue Portugal e, ao Lux Frágil e ao arquivo da icónica discoteca lisboeta partilhamos o mesmo invulgar apelido — Manaia. E confirma-se esta raridade associada ao apelido, na Geneanet só existem 202 pessoas registadas tendo Manaia no nome, já para o Mendes, o meu verdadeiro último nome (tendo eu dois nomes próprios e quatro apelidos torno-se cármico que tudo o que escreva tenha muitas palavras), contam-se 138 503 registos.

Mas não estamos aqui estamos aqui para falar de Moda e não de genealogia, portanto vamos ao que interessa… E o que nos interessa hoje é o “Dicionário de Estilo”.

A Revista Máxima nasce em Portugal em 1988, tendo como primeira chefe de redação a jornalista Maria Antónia Palla. Seguiram-se o lançamento de Marie Claire com a icónica jornalista Maria Elisa Domingues e da edição portuguesa da Elle que teve como primeira directora a também jornalista Margarida Marante. Bem, falaremos das primeiras revistas de Moda em Portugal e de como a ModaLisboa criou um “boom” para o Sistema de Moda por terras lusas, já que na imprensa dos anos 80 e 90 se podem ler referências a estas publicações como “revistas femininas” e não de Moda, noutra ocasião e com toda a dedicação.

Este “toca e foge” que fizemos anteriormente serve para iniciarmos o enquadramento da Revista Máxima, que se despedira das edições regulares em papel com a edição de Junho de 2020. Em 2023, para comemorar os 35 anos da publicação, a Máxima volta às bancas para uma edição especial em papel que se tem vindo a repetir anualmente, continuando o website a publicar diariamente. No final do ano seguinte o grupo que tem a revista reestrutura-se, passando Cofina a Medialivre, surgindo pouco mais tarde um novo canal na TV por cabo, o Now. E, como efeito matriosca é neste canal que aos sábados de manhã é transmitido, por temporadas, o programa da Revista Máxima. É dentro deste programa que encontramos a rubrica de Tiago, “Dicionário de Estilo”.

Acima de tudo, Tiago Manaia dá-nos uma masterclass de construção de narrativa. Uma narrativa que não termina no fim de cada edição do segmento, é intricada, mas bela — como um tecido, tecido manualmente em tear manual. Não nos é contado logo tudo de uma leva, temos marcas, personalidades e designers que nos acompanham semana após a semana.

Um formato para televisão, mas que vai para lá daquela que será sempre a “caixa mágica”, é um formato abraçado pelas redes sociais tendo assim diversos públicos. O público que vê televisão, vê o canal e seguindo a programação acaba por apreender sobre Moda, mesmo não se interessando por Moda. Havendo também quem procura o programa no seu todo como o magazine televisivo que é.

Ou ainda as pessoas que pessoas insiders, apaixonadas por Moda e quem em volta deste Sistema e comunidade orbita, todos estes acompanham o segmento televisivo somente, mas com dedicação, devoção até e como reels de Instagram.

Eu, inserindo-me neste último grupo, vi e revi todos os reels em maratona para te escrever…O que ficou claro para mim foi que, todos os clipes juntos e se tivessem sido produzidos nos EUA seriam um documentário badalado de uma das afamadas plataformas de streaming.

Também, face a este ensaio especificamente, tu que me lês estarás num determinado tipo de público. Se me lês em inglês (refiro-o primeiro por ser o idioma deste Substack com maior número de subscritores) e não entendes português europeu, este poderá ser o teu único contacto com o “Dicionário de Estilo”, o que é uma grande responsabilidade para mim. No caso de estares a ler em português, provavelmente, já és devoto deste documento de Moda vivo e pulsante. Pode, ainda assim, dar-se o caso de, quer lendo em inglês quer em português e compreendendo português falado, que nunca tenhas visto nem uma entrada deste fascinante documentário e que eu te desperte curiosidade.

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Em nunca mais de 4 minutos, o mais extenso, se não estou em erro, é o dedicado a David Lynch com três minutos e meio, lembra-nos do poder da Moda. O poder da Moda: de ser insubmissa; de reclamar contra o que não é justo; de chocar e assim mudar mentalidades e ter impacto real e positivo. Não ignorando os muitos defeitos que a Moda tem. A Moda demorou muito tempo a deixar de alinhar em práticas racistas para contribuir para o anti-racismo. Assim como a mudança de direcção que começa agora a ter em relação ao idadismo.

Voltamos várias vezes a Kate Moss, a Alex Consani ou a Maria Antonieta, mas nunca de forma repetitiva. E, quando ainda estamos a pensar na genialidade da associação de Shalom Harlow no desfile da colecção Primavera/ Verão ’99 de Alexander McQueen com Bella Hadid no desfile da colecção Primavera/ Verão 2023 de Coperni que atravessam, de mãos dadas, várias temáticas para lá de “Performance”, ficamos ainda mais boquiabertos. Porquê? Haverá maior piscadela aos super nerds da Moda do que relacionar os filmes “O Diabo veste Prada”(2006) e “Qui êtes-vous, Polly Maggoo?” (1966)?

Omnipresente é a importância das convicções que a Moda, que como colectivo construímos, actualmente partilha: o feminismo; os direitos e o pride LGBTQIA+; a defesa da democracia e do anti-fascismo. Convicções essas que são feitas acção por corpos diversos, cis ou trans, com diferentes tipos de eficiência e num espectro vasto de tons de pele.

E, se no meio de todo o buzz, dizermos a verdade? Não se trata de certo ou errado, nem de início ou de fim, mas de climax. É o climax o facto de John Galliano estar a trabalhar para a Zara. São dois anos, não é uma colaboração passageira, com as da H&M com diversos designers que tiveram início com Karl Lagerfeld.

Ao ver “Dicionário de Estilo”, como um todo e não como a parte, o teu intelecto fica de tal forma inebriado de prazer que o teu sistema de recompensa dopaminérgico está mais iluminado que as aldeias natalícias dos romances kitsch. Que ousadia absolutamente fascinante termos Anna Wintour na entrada de dicionário “Snob” e mais tarde em “Rugas”! Sendo o primeiro caso mais do que falado, mas poucos são os que enquadram o aparecimento de Anna Wintour e Meryl Streep na capa da Vogue, com factos da nossa sociedade idadista — duas mulheres de 76 anos, que independentemente do que terceiros possam pensar não colocam ponto final nas suas carreiras. São vistas e deixam-se ver.

Do “Drama” à “Rotina”, de “Brat” a “Marinheiro” e de “Abismo” a “Lirismo” — qual será o próximo tema escolhido por Tiago a seguir?

Não vou tentar adivinhar, nunca acertei quando tentava adivinhar o tema de cada edição da ModaLisboa — Lisboa Fashion Week, ao ser revelado o tema revelava-se também para mim que o meu palpite era completamente ao lado… O que sim, te posso garantir é que esta não será a primeira e a última vez que falamos do “Dicionário de Estilo”… Aqui voltaremos!

Ficou ainda tanto por dizer…

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

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Já sabem que eu adoro contar-vos como nasce cada ensaio. Talvez seja como diz Isabel Allende (quem me acompanha no Instagram e no feedback do Substack já se apercebeu que estou a adorar o livro “A palavra mágica”), ao contarmos memórias podemos dar azo a ficcionar, nem que seja só ligeiramente como é o meu caso aqui.

Então, ao ver a capa Harper’s Bazaar España — the Gaudí issue, assinalava os 100 anos da morte de Antonio Gaudí. As imagens eram, de facto, extraordinárias, mas a questão que persistia para mim era — porque se sabe e se fala tão pouco da Harper’s Bazaar quando comparado com a Vogue?

Calma, que o story time não acaba aqui. Fui à minha biblioteca, normalmente, consoante o tema, sei se tenho um ou mais livros sobre o assunto… Neste cas, não tinha. Encontrei “Vintage Fashion Illustration: From Harper’s Bazaar 1930-1970” de Marnie Fogg e “Vogue Covers: On Fashion’s Front Page” de Robin Muir.

No entanto, eu precisava de fontes mais densas de informação e não só de imagens, assim recorri a bibliotecas digitais e mudei ligeiramente o ditado para “the internet is my oyster”. Ah, e deixei a Vogue fora da minha pesquisa porque senão iria ter os mesmos resultados que todos temos vindo a ler há anos, mas lá chegaremos.

Há três stories, antes de irmos ao cerne da questão:

1. Nunca começo a pesquisa pelo Pinterest, a única vez que oo fiz uma querida professora recordou-me que com a biblioteca extraordinária que eu tenho era por aí que tinha de começar — eu refiz a pesquisa e aprendi a lição;

2. Noutra ocasião, no primeiro ano da licenciatura, a professora de Design de Moda incentivava-nos a visitar a biblioteca e umas colegas diziam que não precisavam — bastava-lhes pedir-me para consultar a minha biblioteca — estavam a exagerar um bocadinho, claro mas teve a sua graça;

3. Por essa altura, uma amiga disse-me, que era dois ou três anos mais velha que eu, disse-me que se eu alguma vez ponderasse fazer um testamento devia legar-lhe os meus livros. Não me recordo, porque falámos, mas agora que não nos vimos há anos — já que depois da faculdade a vida corre, é uma das memórias engraçadas que mais recordo.

Esta edição tem ainda o twist de ser das poucas edições que começo a escrever antes da pesquisa.

3, 2, 1…

Continua a ler para descobrires mais.

E, para o caso de teres de desbloquear a paywall, digo-te que esta história é marcada por uma mulher de vestido Chanel rendado e rosas sobre o seu cabelo negro que dançava com entusiasmo no bar do St. Regis Hotel.

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Desta vez faço-o já antes de arrancarmos… Sim, mais um disclaimer. Este ensaio não é patrocinado.

Hoje falamos de The Fabricant, porque ao promover este Substack conheci a Shwetha JM, embaixadora do The Fabricant que me fez uma demonstração das novas ferramentas de AI da empresa tecnológica, apesar de eu não praticar Design de Moda de uma forma tradicional.

Pode parecer datado falar de The Fabricant em 2026, quando o seu hype se deu antes da pandemia, sendo apelidada à época de “first digital fashion house”.

Contudo, termos associados a este universo virtual, que se antecipava ser o futuro iminente, caíram em desuso. Os nossos algoritmos já não são inundados com termos como NFT, blockchain, Ethereum. Moeda esta que viu a sua cotação baixar mais de 39% no último ano, período no qual o Bitcoin desceu também (26%).

Então com tudo isto, como é que falar da primeira casa de Moda digital não é deslocado a nível temporal?

Porque esta empresa se soube reinventar, não só em termos de lucro, mas também de impacto projectual do The Fabricant no Sistema de Moda no seu todo. Em grande a facilidade do seu uso, não havendo propriamente uma learning curve prévia à sua eficiência utilização.

Uma vez que quando se começou a falar de Moda digital — havia um gatekeeping em termos de executar Moda em softwares digitais avançados. Softwares como o Clo 3D têm uma learning curve imensa o que obviamente se traduz em termos de maior investimento para lá dos custos elevados da licença dos softwares. Especificando o The Fabricant tem um plano gratuito e os planos pagos começam nos $19/mês. já no caso do Clo 3D os planos, sem se fazer prova de que se é estudante, começam nos $50/mês a que acrescem impostos.

Mas do que estamos a falar, exactamente, quando falamos das ferramentas inteligentes do The Fabricant?

São sete as ferramentas em questão:

• Sketch-to-Image — conversão de desenhos em imagens de alta resolução;

• Photo Studio — a possibilidade de vestir uma modelo virtual com peças previamente idealizadas;

• Editorials — criação de editoriais realistas através das referências das peças, da modela que as irá vestir e do ambiente em que se encontrará;

• Upscaler — aumento da resolução de imagens sem perda de detalhe;

• Create Image — gerador de imagens por meio de IA, maioritariamente, com recurso a prompts;

• Editing Tool — edição e refinamento de imagens com recurso a IA;

• Video Creator — conversão de imagens estáticas em “vídeos cinemáticos”.

Devo ser, totalmente, honesta ainda que possa facilitar a visualização e expressão mais clara de ideias — estou convicta de que não substituirá profissões. Uma vez que, a mais-valia da produção de um editorial não é somente a produção de uma imagem mas o trabalho de equipa e a fruição de criatividade que advém desse diálogo.

Também existem questões éticas, que quanto a mim devem ser tidas do lado dos utilizadores. Ora vejamos, és designer, usas o The Fabricant, quando chega à parte das referências que referências queres usar? Uma curadoria cuidada entre recursos por ti e outros outsourced da internet ou de livros? Ou vais abdicar de pôr as mãos na massa, completamente?

No Clo 3D, também existe uma extensa biblioteca de recursos prontos a usar. Também nos bons e velhinhos moldes feitos à mão com régua francesa, lapiseira e papel vegetal se usam moldes base e demais templates. Nunca em Moda se pediu a completa reinvenção da roda, mas a capacidade tecnológica de encurtar a nossa metodologia depende de nós.

Por exemplo, uma das coisas que eu menos gostava de fazer na Escola de Moda eram os desenhos planos, uma ferramenta que o The Fabricant prevê lançar em breve. Contudo, sou consciente de que para a obtenção de bons resultados e sentido crítico há que aprender a fazer, conhecer o processo. O mesmo com o comportamento dos tecidos, das costuras, etc…

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Da mesma, são humanos que vivem para a Moda (na verdade, é isso que grande parte de nós somos, não é?) que são responsáveis por preservar a expressão e expressividade dos desenhos, esboços e ilustrações de Moda. Aquela dança frenética do lápis sobre o papel — no meu caso eram as canetas paper mate azuis — para que uma ideia não se perca.

Depende de nós não criarmos só desenhos bonitinhos e realista para que a AI os possa ler e interpretar. Sou da opinião que há que continuar a começar o processo pelos rabiscos.

Como subscritores do The Fashion Standup, já me vão conhecendo, é claro que interrompi umas quantas vezes a demonstração da simpática Shwetha para fazer perguntas muito para lá daquilo que era demonstrado. O profissionalismo desta embaixadora pouco se desviou do guião.

Descobri apenas que, tendo sede em Amesterdão, com uma equipa efectiva não muito extensa conta com diversos embaixadores por todo o mundo que fazem as demonstrações e, ao que percebi operam como comerciais da empresa. A minha interlocutora trabalha a partir de Chennai, na Índia.

Devo contar-vos que Shwetha muito me incentivou para que criasse as minhas próprias imagens, no entanto preferi usar as redes sociais como meio de pesquisa (serei sempre grata à Amanda Sikarskie pela defesa da legitimação de dita fonte em meio académico) para demonstrar o que pode ser conseguido com uma utilização, a meu ver, experiente e criativa deste software.

Os créditos de cada imagem utilizada nas colagens estão patentes por links para que possas descobrir melhor o trabalho e a inspiração de cada um dos seus autores. Criações a que se juntam as colaborações da empresa, fundada em 2018, com a marca Maison Margiela e com a gigante tecnologia, dona do Instagram e do Facebook.

A boa utilização de ferramentas destas poderá, como referia Damara Inglês nas Fast Talks da mais recente edição da Lisboa Fashion Week, a ModaLisboa Pebbling, incrementar a sustentabilidade das marcas de autor e de designers independentes. Como? Dando ao consumidor a ideia precisa e realista do produto físico, mas produzindo on-demand. Elimina-se o excesso de produção aumentando-se a sustentabilidade ambiental e financeira.

É claro que esta vantagem está pendente de se efectivar com o elo que completa o ciclo de Moda — a compra. Estarão os consumidores, inseridos neste mundo frenético, maioritariamente capitalista e materialista, disposta a esperar? Escolho o optimismo de acreditar que sim.

Em última análise, nesta que não é uma book review nem uma fashion review, mas sim, uma tools reviews — considero que quando com sentido crítico, The Fabricant pode ter vários benefícios, principalmente, para marcas independentes. E a menção a book reviews e fashion show reviews, não foi em vão, já que o objectivo deste ensaio é o mesmo que nessas ocasiões — inspirar-vos e, possivelmente, dar-vos a conhecer algo novo.

Obviamente, que o uso de ferramentas de Inteligência Artificial depende da criatividade e ética humana. Portanto como criativos devemos optar, em plena consciência, por uma das seguintes opções:

a) rejeitar totalmente a utilização de quaisquer ferramentas de Inteligência Artificial;

b) usar ferramentas de Inteligência Artificial, mas só em tarefas complementares ao Processo Criativo e, não no próprio Processo Criativo;

c) usar a IA até no Processo Criativo, mesmo que com isso não se exercite o músculo da Criatividade.

Eu escolho a opção b) e tu?

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

Bem-vindos ao segundo fascículo do Book stack estival do The Fashion Standup. Se na primeira edição, a protagonista foi um livro sobre o trabalho e legado de uma mulher que deviam ser mais falados, naquelas que são as constantes conversas que a Moda tem — aqui temos em certa medida o inverso.

Como? O livro de hoje conta uma história distinta, bastante distinta daquilo que se tornou um mito, o conto de fadas de… Coco Chanel. Chanel Inc. questiona o mito que nos tem vindo a ser contado ao longo do último meio século, o mito da empresa Chanel, mas que em muito se interliga com a sua fundadora e as estórias que dela se contam.

Lembro-te que para poderes aceder às próximas edições do book stack do TFS deves tornar-te subscritor pago por 5€ mensais ou 50€ anuais.

Este livro já estava na minha secretária há muito, mas demorei bastante a aceitar a ideia de que este não era um livro sobre o qual devesse falar de viva voz, precisava de escrita — da ponderação e desenvolvimento das palavras. Ainda que tenha feito teasers no Instagram e numa Note de Substack do livro com os meus microfones vermelhos…

O livro auto-publicado pelo investigador, YouTuber, criador de conteúdos de Moda anónimo, conhecido por understitch, questiona a narrativa que nos tem sido dada de forma rigorosa e ponderada — longe de ser mero gossip. Portanto, há que fazer o disclaimer, em termos de segurança legal ou algo similar, devo reforçar que aqui o que vou contar se baseia no livro protagonista deste book stack.

Claro que quero que compres o livro, não por ter um link afiliado a tal, mas para que retires as tuas conclusões, para lá de ficares a conhecer as minhas perspectivas em seguida.

Sempre admirei Coco Chanel e, sim, esse é o maior cliché de um estudante de Design de Moda — mas como boa escorpião eu tenho uma coleção de livros biográficos de Chanel, pedi favores para que trouxessem o livro traduzido “Dormindo com o inimigo — A Guerra Secreta de Coco Chanel” (2011) de Hal Vaughan, do Brasil, quando o li não devia ter mais de 12 anos.

Ainda assim mantive o meu fascínio por Chanel, talvez não tão fervoroso. No entanto, acreditava que o amor de mãe que teria pelo seu sobrinho seria o motor das suas ações mais condenáveis. Poderia dizer que essa é a ingenuidade de uma pré-adolescente, no entanto, a perspectiva dada pela série “The New Look” (2024), da Apple TV em estreita colaboração com a casa Dior, é similar.

Não sei se a minha admiração por Gabrielle Bonheur Chanel ficou intacta, é uma parte inconsciente de mim à qual ainda não acedi. Lembro-me vividamente da emoção de visitar a exposição “Picasso/ Chanel”, em Janeiro de 2023, no Museu Thyssen-Bornemisza em Madrid. Essa emoção devia-se à ideia de que estava perante peças confeccionadas pela própria Chanel.

Mas seriam mesmo? Agora ponho a dúvida já que o autor do livro afirma, com as devidas referências aos factos, que aquilo que acreditamos sobre a pessoa de Chanel foi uma mentira fabricada com cuidado e muito bem contada após a sua morte. Ou seja, um enorme conjunto de fake news com mais de 50 anos.

Seria mais fácil e mais cómodo acreditar ou creditar “Chanel Inc.” como tal como sendo o recipiente de fake news. No entanto, como designer de Moda que investiga e documenta sei reconhecer uma boa investigação, feita por um jornalista. Sendo que, para dar contexto, há que dizer que ambas as disciplinas, o Design e o Jornalismo, têm na sua génese a investigação — a materialização, objectivos, metodologias e processos diferem.

Na exposição que vos mencionei podia ver-se uma enorme fotografia das mãos de Chanel, mais um detalhe que está em linha com a narrativa contada e recontada uma e outra vez. Em contraste, isto é o que se pode ler por entre as páginas do nosso protagonista:

“Chanel não era na verdade uma designer, nem era chapeleira, nem costureira. Mas apercebeu-se cedo no seu percurso que poderia vender chapéus ao mesmo preço que os outros chapeleiros usando menos materiais, aumentando a sua margem de margem de lucro. Esta é uma táctica que mais tarde a própria fisicamente anotaria numa das pouquíssimas anotações que alguma vez escrevera já que era praticamente analfabeta. […] Muito daquilo que acreditamos ser saber, hoje em dia, sobre Chanel fundamentalmente não é verdade e é na sua maioria construído após a sua morte. A verdade é que Chanel era nenhuma grande artesã; não pretendeu sê-lo, invés disso encarara a sua marca como empresária.”

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Em diversos filmes, documentários e publicações diversas conta-se, entre muitas coisas que nos fazem acreditar que estamos perante um ser prodigioso, que Chanel teve sucesso meteórico. Algo que, na minha opinião, criou ou contribuiu para a ideia que muitos recém-licenciados em Design de Moda de que criar uma marca própria é fácil. Julgando assim que estão a falhar caso as suas etiquetas homónimas não alcancem o sucesso num curto espaço de tempo.

Bem, há que dizer que a marca Chanel deu pelo menos 5 anos de prejuízo, antes de gerar um único franco. Não obstante, o seu adorado Boy Capel tinha dinheiro suficiente para continuar a financiar a marca de Coco.

Muito do que fazia era simples, não por filosofia visionária, mas porque as suas parcas competências técnicas não lhe permitiam maior complexidade.

Há que dizer também que não libertou as mulheres do espartilho, Chanel inclusivamente chegou a vendê-los. Também não era propriamente feminista já que como chefe ignorava sistematicamente as greves das suas funcionárias e as suas reclamações, considerando-as ataques pessoais.

Não obstante, o consenso de que as redes sociais são o grande veículo de propagação de fake news, no contexto do livro que aqui falamos, tomamos conhecimento que as maiores fake news da História da Moda nasceram da rivalidade entre Harper’s Bazaar e a Vogue.

Publicações que a propósito do regresso de Chanel à passerelle, no início de 1954, deram várias páginas de destaque a Coco. Carmel Snow, editora-chefe da Harper’s Bazaar, deu-lhe seis páginas centrais, a Vogue responderia com dez páginas. No conjunto desta operação é creditado a Chanel: o libertar a mulher do espartilho; a invenção (e não popularização) para o guarda-roupa feminino da Marinière e do Little Black Dress. E assim, se altera a História da Moda.

Tudo isto é só a ponta do icebergue de uma densa obra de investigação, mas intelectualmente muito prazerosa. Materialização de um movimento e zeitgeist de liberdade e independência na escrita e estudos de Moda. Feitos fora das academias e debaixo do grande chapéu da criação de conteúdo para lá da imagem desse mesmo “creator” — o que muitos chamam de fenómeno dos “intelectual influencers”.

Desafiando assim, os pressupostos de narrativa e credibilidade, sendo um livro deste género auto-publicado um exemplo de um trabalho de missão e provando que há muito, muitíssimo ainda por ser contado e escrito sobre Moda — tanto em papel, na World Wide Web ou, numa ou diversas “corners of the internet”.

Suficientemente curiosos? Boas leituras!

Ah, e a propósito, já conhecias o trabalho de understitch,? Ou tal como eu, o primeiro contacto que tiveste com o seu trabalho foi este magnífico livro? Partilha nos comentários, aquele que consideres ser um highlight do trabalho de understitch, .

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

Esta carta, na verdade o que vos envio, praticamente, todas as semanas são cartas de Moda ou para a Moda — é bastante diferente, tenho mais pergunta que respostas.

A ideia de a Moda se está a torna real estate surgiu de vários momentos de conversa com uma amiga que me foi explicando a mudança de estratégia da Zara em direção ao imobiliário, devíamos estar então por volta de 2022, até que há umas semanas atrás é lançada a notícia. É oficial: Amâncio Ortega é o maior barão imobiliário do mundo.

Pronto, agora eu não tinha muito mais tempo a perder, tinha que entender a mecânica, da mesma forma que a seu momento percebi e estudei como se constrói uma camisa.

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Sinto que tenho de escrever logo no início “enviado do meu iPad”. Porque é uma experiência substancial diferente de escrita que poderá ser uma experiência de leitura também um pouco diferente para ti. Ah, e tenho de pedir desculpa em antecipação, porque estou a escrever sob efeito de antibióticos, devidamente prescritos, mas que ainda assim me causam um certo brain fog. E, sinto que posso ser um bocadinho repetitiva — sorry!

Este é um ensaio a uma quarta-feira, não por me ter adientado… Mas, por não ter conseguido escrever-te, devido a ter feito um implante dent…

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