Eu era nerd que lia a Vogue e a Teen Vogue no intervalo das aulas e papers académicos sobre empreendedorismo e moda, da autoria de quem viria a ser a minha orientadora de dissertação, durante as aulas de educação física do secundário (eu tinha atestado médico para não praticar exercício físico).

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É estranho ou demasiado contra corrente falar de intelectualismo na silly season… mas eu nunca adorei o mês de Agosto. Desculpem, mas a TV vendeu aos Gen Z Verões demasiado entusiasmantes…e depois nada tão extraordinário acontece neste mês tão extremamente quente. Do que eu sempre gostei foi de ser geek, desde que fosse geek da Moda.

Comecemos pelo início, se falamos semana após semana sobre Moda precisamos de definir o que é ser-se intelectual. O Cambridge Dictionary apresenta as definições de intellectual tanto em inglês britânico como americano e são as seguintes:

• Inglês britânico — “uma pessoa muito culta, que se interessa por ideias complexas, gosta de estudar e aprecia um pensamento cuidado”;

• Inglês americano — “uma pessoa cuja vida se centra em torno do estudo ou do uso das ideias, através do ensino ou da escrita”.

E o que dizem os filósofos sobre o que é ser-se intelectual? O filósofo norte-americano Steven Fuller em entrevista a Filip Šimetin Šegvić afirma que um intelectual “é alguém que vive da produção e distribuição de ideias”.

Quando perguntaram ao teórico, crítico e jornalista Alexander Fury se a Moda poderia ser intelectualizada respondeu que sim, havendo contudo uma matiz. A matiz do equilíbrio, porque a seu ver, ou se intelectualiza muito pouco a Moda ou intelectualiza-se demasiado a Moda. Fury diz que até ele próprio tende a intelectualizar a Moda de tal forma que na análise de determinadas colecções acaba por procurar demasiadas camadas de sentido e significado.

Das primeiras designers de Moda a ser também escritora, materializando assim o seu intelecto foi Elizabeth Hawes. O livro “Fashion is Spinach” da sua autoria, ainda que publicado em 1938, continua a ser uma referência até hoje para muitos estudiosos de Moda.

Através do estudo de Sarah E. Cornish “Fashion is Spinach, but style is politics: Elizabeth Hawes’s functionalist feminism”, podemos compreender como estando dentro do próprio Sistema de Moda, Elizabeth teorizava criticamente sobre ele e sobre a própria sociedade. Feminista, sem o afirmar, através da sua escrita, da distribuição das ideias, acabava por defender o Design aliado à Moda e o Design de Moda. Uma vez que defendia que a Moda devia cumprir propósito e função para lá de mero adorno.

Actualmente, nas últimas décadas melhor dizendo, uma das designers que se considera, de forma mais unânime, intelectual no sentido britânico é Miuccia Prada. Em 2016, na System Magazine a si dedicada, a Signora Prada explica, em entrevista a Tavi Gevinson (figura maior desde de tenra idade nos inícios da blogosfera de Moda e intelectual nesta área, no sentido americano) o seu famoso apelo ao estudo.

Muitos são os vídeos nas redes sociais nos quais Miuccia Prada no seu charmoso sotaque italiano diz “Study, study, study!” A Gevinson diz que é esse o conselho que dá quando lhe perguntam como se ser elegante, defendendo que se deve estudar Moda, Cinema, Literatura e até Psicanálise.

Também à System Magazine, desta feita em 2026, a stylist Gabriella Karefa-Johnson defende que o Substack traz à Moda crítica mais rigorosa. Nesse mesmo artigo, no qual é entrevistada a fundadora de Brain Matter — “Platform. Substack”, é citado um dos co-fundadores da plataforma Hamish McKenzie na sua defesa de que se trata de um network de pessoas que se interessam e se importam com a cultura. Assim sendo podemos concluir que o Substack é terra de intelectuais.

Segundo o que investiguei por um lado há quem tenha de ser performativo para continuar a ser relevante como influencer, por outros cria-se um novo espaço.

Espaço para os intelectuais, que podem escolher novos espaços para exercer o seu metier para lá da Academia. E, isso também acontece na Moda. Porque acredito, genuinamente que, só nas rom coms dos anos ’90 e 2000 é que Moda e Intelecto e Inteligente são inconciliáveis.Não me mal interpretem — eu até gosto de algumas comédias românticas, não gosto é de estereótipos.

Já Fuller, a quem voltamos, discorda que os académicos sejam intrinsecamente intelectuais. Argumenta ainda que para se ser intelectual, o sustento desse indivíduo não pode estar dependente da popularidade ou validação das suas ideias.

Há que dizer que eu não fiz imensa curadoria do que está atrás de mim da minha secretária — é claro que gosto de ter as minhas estantes atrás de mim, mas não organizo a ordem dos livros pela ‘aesthetic’, mas uma ordem muito especifica que na minha cabeça é a única forma de o fazer, mas não sei verbalizar o sentido dessa mesma ordem.

Porque explico ou tento explicar esta questão? Porque fui ler sobre a suposta trend de intelectual influencer, já que intelectual eu acho que sempre o fui…

Muitas são as fontes que afirmam que os livros, as turtle necks e óculos usados por intelectuais na Internet são meros adereços. E ainda que, eu goste de uma boa turtle neck — estilo Audrey Hepburn no Funny Face (1957), se bem que as minhas formas, seria mais ao estilo de Brigitte Bardot — os meus óculos são uma absoluta necessidade. Também adoro óculos, mas vejo tão mal que se estiver sem óculos, ouço mal, a sério!

Por esta altura, se tens acompanhado estes textos aos quais gosto de chamar ensaios já te apercebeste que os Estudos de Moda em si mesmos são um pilar de conteúdo desta newsletter. Não tendo sido planeado, mas algo que se foi construindo, acabam por ser exemplo disto o ensaio sobre Elise by Olsen ou o ensaio que explora a relação do Substack com a Moda.

Se falei das designers Elizabeth Hawes e Miuccia Prada e, de outras figuras ligadas à Moda e não só, porque não são essas as imagens que ilustram as colagens deste ensaio?

Este novo movimento de nerds de Moda tem trazido para o digital, para os feeds imagens de arquivos magníficas — eu deixei-me inspirar. Como? Indo buscar — não às gavetas, mas ao meu potente iCloud — fotografias dos arquivos da Associação ModaLisboa (organização responsável pela Lisboa Fashion Week). Arquivo esse que tive o privilégio de consultar e fazer registo.

Claro que esse também foi o período mais intelectual da minha vida, que desencadeou a minha metamorfose numa aproximação ao que Fuller descreve como intelectual. Uma intelectual de Moda.

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Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

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Sabes qual é a diferença entre uma escultura e um vestido? É uma das muitas perguntas que nos faz uma das protagonistas deste ensaio. Respondendo-nos que a única diferença é que um vestido pode ter qualquer forma, desde que seja possível vesti-lo num corpo humano.

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Portanto, cá estamos nós no terceiro book stack, hoje falaremos de “Fashion School in a Book”, não só pelo livro em si. Mas pela sua autora. Zoe Hong é designer de Moda, mas também criadora de conteúdos, especialmente YouTuber.

Comecei a ver o canal da Zoe Hong, praticamente, desde o início…Andava talvez no sexto ou sétimo ano da escola básica quando comecei a ver os vídeos da Zoe para ir apreendendo o que, efectivamente, me interessava (que não era nem pouco ,mais ou menos, físico-química) — o Design de Moda.

Depois de anos e anos a ver tais vídeos de forma metódica e a fazer apontamentos dos mesmos, quando o livro da Zoe foi lançado em 2024, já eu tinha terminado a minha escola de Moda…Mas a minha curiosidade não desaparece, portanto graças a este book stack li tanto o livro como o design journal e tenho muito para vos contar.

Depois da paywall:

• percebes a diferença entre pensar a 360º e fazer um “coffin garment”;

• ficas a saber se o lipstick index se aplica a ti;

• conheces o teste que te pode dizer se o trabalho a solo em Moda é para ti.

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Hoje falamos de “Dicionário de Estilo”, ainda que o título nos faça pensar num objecto — o livro, trata-se da rubrica televisiva da autoria de Tiago Manaia.

Não posso deixar de mencionar o seguinte fun fact eu e o jornalista, reconhecido pelo seu trabalho na área da Moda em publicações como a Revista Máxima e Vogue Portugal e, ao Lux Frágil e ao arquivo da icónica discoteca lisboeta partilhamos o mesmo invulgar apelido — Manaia. E confirma-se esta raridade associada ao apelido, na Geneanet só existem 202 pessoas registadas tendo Manaia no nome, já para o Mendes, o meu verdadeiro último nome (tendo eu dois nomes próprios e quatro apelidos torno-se cármico que tudo o que escreva tenha muitas palavras), contam-se 138 503 registos.

Mas não estamos aqui estamos aqui para falar de Moda e não de genealogia, portanto vamos ao que interessa… E o que nos interessa hoje é o “Dicionário de Estilo”.

A Revista Máxima nasce em Portugal em 1988, tendo como primeira chefe de redação a jornalista Maria Antónia Palla. Seguiram-se o lançamento de Marie Claire com a icónica jornalista Maria Elisa Domingues e da edição portuguesa da Elle que teve como primeira directora a também jornalista Margarida Marante. Bem, falaremos das primeiras revistas de Moda em Portugal e de como a ModaLisboa criou um “boom” para o Sistema de Moda por terras lusas, já que na imprensa dos anos 80 e 90 se podem ler referências a estas publicações como “revistas femininas” e não de Moda, noutra ocasião e com toda a dedicação.

Este “toca e foge” que fizemos anteriormente serve para iniciarmos o enquadramento da Revista Máxima, que se despedira das edições regulares em papel com a edição de Junho de 2020. Em 2023, para comemorar os 35 anos da publicação, a Máxima volta às bancas para uma edição especial em papel que se tem vindo a repetir anualmente, continuando o website a publicar diariamente. No final do ano seguinte o grupo que tem a revista reestrutura-se, passando Cofina a Medialivre, surgindo pouco mais tarde um novo canal na TV por cabo, o Now. E, como efeito matriosca é neste canal que aos sábados de manhã é transmitido, por temporadas, o programa da Revista Máxima. É dentro deste programa que encontramos a rubrica de Tiago, “Dicionário de Estilo”.

Acima de tudo, Tiago Manaia dá-nos uma masterclass de construção de narrativa. Uma narrativa que não termina no fim de cada edição do segmento, é intricada, mas bela — como um tecido, tecido manualmente em tear manual. Não nos é contado logo tudo de uma leva, temos marcas, personalidades e designers que nos acompanham semana após a semana.

Um formato para televisão, mas que vai para lá daquela que será sempre a “caixa mágica”, é um formato abraçado pelas redes sociais tendo assim diversos públicos. O público que vê televisão, vê o canal e seguindo a programação acaba por apreender sobre Moda, mesmo não se interessando por Moda. Havendo também quem procura o programa no seu todo como o magazine televisivo que é.

Ou ainda as pessoas que pessoas insiders, apaixonadas por Moda e quem em volta deste Sistema e comunidade orbita, todos estes acompanham o segmento televisivo somente, mas com dedicação, devoção até e como reels de Instagram.

Eu, inserindo-me neste último grupo, vi e revi todos os reels em maratona para te escrever…O que ficou claro para mim foi que, todos os clipes juntos e se tivessem sido produzidos nos EUA seriam um documentário badalado de uma das afamadas plataformas de streaming.

Também, face a este ensaio especificamente, tu que me lês estarás num determinado tipo de público. Se me lês em inglês (refiro-o primeiro por ser o idioma deste Substack com maior número de subscritores) e não entendes português europeu, este poderá ser o teu único contacto com o “Dicionário de Estilo”, o que é uma grande responsabilidade para mim. No caso de estares a ler em português, provavelmente, já és devoto deste documento de Moda vivo e pulsante. Pode, ainda assim, dar-se o caso de, quer lendo em inglês quer em português e compreendendo português falado, que nunca tenhas visto nem uma entrada deste fascinante documentário e que eu te desperte curiosidade.

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Em nunca mais de 4 minutos, o mais extenso, se não estou em erro, é o dedicado a David Lynch com três minutos e meio, lembra-nos do poder da Moda. O poder da Moda: de ser insubmissa; de reclamar contra o que não é justo; de chocar e assim mudar mentalidades e ter impacto real e positivo. Não ignorando os muitos defeitos que a Moda tem. A Moda demorou muito tempo a deixar de alinhar em práticas racistas para contribuir para o anti-racismo. Assim como a mudança de direcção que começa agora a ter em relação ao idadismo.

Voltamos várias vezes a Kate Moss, a Alex Consani ou a Maria Antonieta, mas nunca de forma repetitiva. E, quando ainda estamos a pensar na genialidade da associação de Shalom Harlow no desfile da colecção Primavera/ Verão ’99 de Alexander McQueen com Bella Hadid no desfile da colecção Primavera/ Verão 2023 de Coperni que atravessam, de mãos dadas, várias temáticas para lá de “Performance”, ficamos ainda mais boquiabertos. Porquê? Haverá maior piscadela aos super nerds da Moda do que relacionar os filmes “O Diabo veste Prada”(2006) e “Qui êtes-vous, Polly Maggoo?” (1966)?

Omnipresente é a importância das convicções que a Moda, que como colectivo construímos, actualmente partilha: o feminismo; os direitos e o pride LGBTQIA+; a defesa da democracia e do anti-fascismo. Convicções essas que são feitas acção por corpos diversos, cis ou trans, com diferentes tipos de eficiência e num espectro vasto de tons de pele.

E, se no meio de todo o buzz, dizermos a verdade? Não se trata de certo ou errado, nem de início ou de fim, mas de climax. É o climax o facto de John Galliano estar a trabalhar para a Zara. São dois anos, não é uma colaboração passageira, com as da H&M com diversos designers que tiveram início com Karl Lagerfeld.

Ao ver “Dicionário de Estilo”, como um todo e não como a parte, o teu intelecto fica de tal forma inebriado de prazer que o teu sistema de recompensa dopaminérgico está mais iluminado que as aldeias natalícias dos romances kitsch. Que ousadia absolutamente fascinante termos Anna Wintour na entrada de dicionário “Snob” e mais tarde em “Rugas”! Sendo o primeiro caso mais do que falado, mas poucos são os que enquadram o aparecimento de Anna Wintour e Meryl Streep na capa da Vogue, com factos da nossa sociedade idadista — duas mulheres de 76 anos, que independentemente do que terceiros possam pensar não colocam ponto final nas suas carreiras. São vistas e deixam-se ver.

Do “Drama” à “Rotina”, de “Brat” a “Marinheiro” e de “Abismo” a “Lirismo” — qual será o próximo tema escolhido por Tiago a seguir?

Não vou tentar adivinhar, nunca acertei quando tentava adivinhar o tema de cada edição da ModaLisboa — Lisboa Fashion Week, ao ser revelado o tema revelava-se também para mim que o meu palpite era completamente ao lado… O que sim, te posso garantir é que esta não será a primeira e a última vez que falamos do “Dicionário de Estilo”… Aqui voltaremos!

Ficou ainda tanto por dizer…

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

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Já sabem que eu adoro contar-vos como nasce cada ensaio. Talvez seja como diz Isabel Allende (quem me acompanha no Instagram e no feedback do Substack já se apercebeu que estou a adorar o livro “A palavra mágica”), ao contarmos memórias podemos dar azo a ficcionar, nem que seja só ligeiramente como é o meu caso aqui.

Então, ao ver a capa Harper’s Bazaar España — the Gaudí issue, assinalava os 100 anos da morte de Antonio Gaudí. As imagens eram, de facto, extraordinárias, mas a questão que persistia para mim era — porque se sabe e se fala tão pouco da Harper’s Bazaar quando comparado com a Vogue?

Calma, que o story time não acaba aqui. Fui à minha biblioteca, normalmente, consoante o tema, sei se tenho um ou mais livros sobre o assunto… Neste cas, não tinha. Encontrei “Vintage Fashion Illustration: From Harper’s Bazaar 1930-1970” de Marnie Fogg e “Vogue Covers: On Fashion’s Front Page” de Robin Muir.

No entanto, eu precisava de fontes mais densas de informação e não só de imagens, assim recorri a bibliotecas digitais e mudei ligeiramente o ditado para “the internet is my oyster”. Ah, e deixei a Vogue fora da minha pesquisa porque senão iria ter os mesmos resultados que todos temos vindo a ler há anos, mas lá chegaremos.

Há três stories, antes de irmos ao cerne da questão:

1. Nunca começo a pesquisa pelo Pinterest, a única vez que oo fiz uma querida professora recordou-me que com a biblioteca extraordinária que eu tenho era por aí que tinha de começar — eu refiz a pesquisa e aprendi a lição;

2. Noutra ocasião, no primeiro ano da licenciatura, a professora de Design de Moda incentivava-nos a visitar a biblioteca e umas colegas diziam que não precisavam — bastava-lhes pedir-me para consultar a minha biblioteca — estavam a exagerar um bocadinho, claro mas teve a sua graça;

3. Por essa altura, uma amiga disse-me, que era dois ou três anos mais velha que eu, disse-me que se eu alguma vez ponderasse fazer um testamento devia legar-lhe os meus livros. Não me recordo, porque falámos, mas agora que não nos vimos há anos — já que depois da faculdade a vida corre, é uma das memórias engraçadas que mais recordo.

Esta edição tem ainda o twist de ser das poucas edições que começo a escrever antes da pesquisa.

3, 2, 1…

Continua a ler para descobrires mais.

E, para o caso de teres de desbloquear a paywall, digo-te que esta história é marcada por uma mulher de vestido Chanel rendado e rosas sobre o seu cabelo negro que dançava com entusiasmo no bar do St. Regis Hotel.

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Desta vez faço-o já antes de arrancarmos… Sim, mais um disclaimer. Este ensaio não é patrocinado.

Hoje falamos de The Fabricant, porque ao promover este Substack conheci a Shwetha JM, embaixadora do The Fabricant que me fez uma demonstração das novas ferramentas de AI da empresa tecnológica, apesar de eu não praticar Design de Moda de uma forma tradicional.

Pode parecer datado falar de The Fabricant em 2026, quando o seu hype se deu antes da pandemia, sendo apelidada à época de “first digital fashion house”.

Contudo, termos associados a este universo virtual, que se antecipava ser o futuro iminente, caíram em desuso. Os nossos algoritmos já não são inundados com termos como NFT, blockchain, Ethereum. Moeda esta que viu a sua cotação baixar mais de 39% no último ano, período no qual o Bitcoin desceu também (26%).

Então com tudo isto, como é que falar da primeira casa de Moda digital não é deslocado a nível temporal?

Porque esta empresa se soube reinventar, não só em termos de lucro, mas também de impacto projectual do The Fabricant no Sistema de Moda no seu todo. Em grande a facilidade do seu uso, não havendo propriamente uma learning curve prévia à sua eficiência utilização.

Uma vez que quando se começou a falar de Moda digital — havia um gatekeeping em termos de executar Moda em softwares digitais avançados. Softwares como o Clo 3D têm uma learning curve imensa o que obviamente se traduz em termos de maior investimento para lá dos custos elevados da licença dos softwares. Especificando o The Fabricant tem um plano gratuito e os planos pagos começam nos $19/mês. já no caso do Clo 3D os planos, sem se fazer prova de que se é estudante, começam nos $50/mês a que acrescem impostos.

Mas do que estamos a falar, exactamente, quando falamos das ferramentas inteligentes do The Fabricant?

São sete as ferramentas em questão:

• Sketch-to-Image — conversão de desenhos em imagens de alta resolução;

• Photo Studio — a possibilidade de vestir uma modelo virtual com peças previamente idealizadas;

• Editorials — criação de editoriais realistas através das referências das peças, da modela que as irá vestir e do ambiente em que se encontrará;

• Upscaler — aumento da resolução de imagens sem perda de detalhe;

• Create Image — gerador de imagens por meio de IA, maioritariamente, com recurso a prompts;

• Editing Tool — edição e refinamento de imagens com recurso a IA;

• Video Creator — conversão de imagens estáticas em “vídeos cinemáticos”.

Devo ser, totalmente, honesta ainda que possa facilitar a visualização e expressão mais clara de ideias — estou convicta de que não substituirá profissões. Uma vez que, a mais-valia da produção de um editorial não é somente a produção de uma imagem mas o trabalho de equipa e a fruição de criatividade que advém desse diálogo.

Também existem questões éticas, que quanto a mim devem ser tidas do lado dos utilizadores. Ora vejamos, és designer, usas o The Fabricant, quando chega à parte das referências que referências queres usar? Uma curadoria cuidada entre recursos por ti e outros outsourced da internet ou de livros? Ou vais abdicar de pôr as mãos na massa, completamente?

No Clo 3D, também existe uma extensa biblioteca de recursos prontos a usar. Também nos bons e velhinhos moldes feitos à mão com régua francesa, lapiseira e papel vegetal se usam moldes base e demais templates. Nunca em Moda se pediu a completa reinvenção da roda, mas a capacidade tecnológica de encurtar a nossa metodologia depende de nós.

Por exemplo, uma das coisas que eu menos gostava de fazer na Escola de Moda eram os desenhos planos, uma ferramenta que o The Fabricant prevê lançar em breve. Contudo, sou consciente de que para a obtenção de bons resultados e sentido crítico há que aprender a fazer, conhecer o processo. O mesmo com o comportamento dos tecidos, das costuras, etc…

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Da mesma, são humanos que vivem para a Moda (na verdade, é isso que grande parte de nós somos, não é?) que são responsáveis por preservar a expressão e expressividade dos desenhos, esboços e ilustrações de Moda. Aquela dança frenética do lápis sobre o papel — no meu caso eram as canetas paper mate azuis — para que uma ideia não se perca.

Depende de nós não criarmos só desenhos bonitinhos e realista para que a AI os possa ler e interpretar. Sou da opinião que há que continuar a começar o processo pelos rabiscos.

Como subscritores do The Fashion Standup, já me vão conhecendo, é claro que interrompi umas quantas vezes a demonstração da simpática Shwetha para fazer perguntas muito para lá daquilo que era demonstrado. O profissionalismo desta embaixadora pouco se desviou do guião.

Descobri apenas que, tendo sede em Amesterdão, com uma equipa efectiva não muito extensa conta com diversos embaixadores por todo o mundo que fazem as demonstrações e, ao que percebi operam como comerciais da empresa. A minha interlocutora trabalha a partir de Chennai, na Índia.

Devo contar-vos que Shwetha muito me incentivou para que criasse as minhas próprias imagens, no entanto preferi usar as redes sociais como meio de pesquisa (serei sempre grata à Amanda Sikarskie pela defesa da legitimação de dita fonte em meio académico) para demonstrar o que pode ser conseguido com uma utilização, a meu ver, experiente e criativa deste software.

Os créditos de cada imagem utilizada nas colagens estão patentes por links para que possas descobrir melhor o trabalho e a inspiração de cada um dos seus autores. Criações a que se juntam as colaborações da empresa, fundada em 2018, com a marca Maison Margiela e com a gigante tecnologia, dona do Instagram e do Facebook.

A boa utilização de ferramentas destas poderá, como referia Damara Inglês nas Fast Talks da mais recente edição da Lisboa Fashion Week, a ModaLisboa Pebbling, incrementar a sustentabilidade das marcas de autor e de designers independentes. Como? Dando ao consumidor a ideia precisa e realista do produto físico, mas produzindo on-demand. Elimina-se o excesso de produção aumentando-se a sustentabilidade ambiental e financeira.

É claro que esta vantagem está pendente de se efectivar com o elo que completa o ciclo de Moda — a compra. Estarão os consumidores, inseridos neste mundo frenético, maioritariamente capitalista e materialista, disposta a esperar? Escolho o optimismo de acreditar que sim.

Em última análise, nesta que não é uma book review nem uma fashion review, mas sim, uma tools reviews — considero que quando com sentido crítico, The Fabricant pode ter vários benefícios, principalmente, para marcas independentes. E a menção a book reviews e fashion show reviews, não foi em vão, já que o objectivo deste ensaio é o mesmo que nessas ocasiões — inspirar-vos e, possivelmente, dar-vos a conhecer algo novo.

Obviamente, que o uso de ferramentas de Inteligência Artificial depende da criatividade e ética humana. Portanto como criativos devemos optar, em plena consciência, por uma das seguintes opções:

a) rejeitar totalmente a utilização de quaisquer ferramentas de Inteligência Artificial;

b) usar ferramentas de Inteligência Artificial, mas só em tarefas complementares ao Processo Criativo e, não no próprio Processo Criativo;

c) usar a IA até no Processo Criativo, mesmo que com isso não se exercite o músculo da Criatividade.

Eu escolho a opção b) e tu?

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

Bem-vindos ao segundo fascículo do Book stack estival do The Fashion Standup. Se na primeira edição, a protagonista foi um livro sobre o trabalho e legado de uma mulher que deviam ser mais falados, naquelas que são as constantes conversas que a Moda tem — aqui temos em certa medida o inverso.

Como? O livro de hoje conta uma história distinta, bastante distinta daquilo que se tornou um mito, o conto de fadas de… Coco Chanel. Chanel Inc. questiona o mito que nos tem vindo a ser contado ao longo do último meio século, o mito da empresa Chanel, mas que em muito se interliga com a sua fundadora e as estórias que dela se contam.

Lembro-te que para poderes aceder às próximas edições do book stack do TFS deves tornar-te subscritor pago por 5€ mensais ou 50€ anuais.

Este livro já estava na minha secretária há muito, mas demorei bastante a aceitar a ideia de que este não era um livro sobre o qual devesse falar de viva voz, precisava de escrita — da ponderação e desenvolvimento das palavras. Ainda que tenha feito teasers no Instagram e numa Note de Substack do livro com os meus microfones vermelhos…

O livro auto-publicado pelo investigador, YouTuber, criador de conteúdos de Moda anónimo, conhecido por understitch, questiona a narrativa que nos tem sido dada de forma rigorosa e ponderada — longe de ser mero gossip. Portanto, há que fazer o disclaimer, em termos de segurança legal ou algo similar, devo reforçar que aqui o que vou contar se baseia no livro protagonista deste book stack.

Claro que quero que compres o livro, não por ter um link afiliado a tal, mas para que retires as tuas conclusões, para lá de ficares a conhecer as minhas perspectivas em seguida.

Sempre admirei Coco Chanel e, sim, esse é o maior cliché de um estudante de Design de Moda — mas como boa escorpião eu tenho uma coleção de livros biográficos de Chanel, pedi favores para que trouxessem o livro traduzido “Dormindo com o inimigo — A Guerra Secreta de Coco Chanel” (2011) de Hal Vaughan, do Brasil, quando o li não devia ter mais de 12 anos.

Ainda assim mantive o meu fascínio por Chanel, talvez não tão fervoroso. No entanto, acreditava que o amor de mãe que teria pelo seu sobrinho seria o motor das suas ações mais condenáveis. Poderia dizer que essa é a ingenuidade de uma pré-adolescente, no entanto, a perspectiva dada pela série “The New Look” (2024), da Apple TV em estreita colaboração com a casa Dior, é similar.

Não sei se a minha admiração por Gabrielle Bonheur Chanel ficou intacta, é uma parte inconsciente de mim à qual ainda não acedi. Lembro-me vividamente da emoção de visitar a exposição “Picasso/ Chanel”, em Janeiro de 2023, no Museu Thyssen-Bornemisza em Madrid. Essa emoção devia-se à ideia de que estava perante peças confeccionadas pela própria Chanel.

Mas seriam mesmo? Agora ponho a dúvida já que o autor do livro afirma, com as devidas referências aos factos, que aquilo que acreditamos sobre a pessoa de Chanel foi uma mentira fabricada com cuidado e muito bem contada após a sua morte. Ou seja, um enorme conjunto de fake news com mais de 50 anos.

Seria mais fácil e mais cómodo acreditar ou creditar “Chanel Inc.” como tal como sendo o recipiente de fake news. No entanto, como designer de Moda que investiga e documenta sei reconhecer uma boa investigação, feita por um jornalista. Sendo que, para dar contexto, há que dizer que ambas as disciplinas, o Design e o Jornalismo, têm na sua génese a investigação — a materialização, objectivos, metodologias e processos diferem.

Na exposição que vos mencionei podia ver-se uma enorme fotografia das mãos de Chanel, mais um detalhe que está em linha com a narrativa contada e recontada uma e outra vez. Em contraste, isto é o que se pode ler por entre as páginas do nosso protagonista:

“Chanel não era na verdade uma designer, nem era chapeleira, nem costureira. Mas apercebeu-se cedo no seu percurso que poderia vender chapéus ao mesmo preço que os outros chapeleiros usando menos materiais, aumentando a sua margem de margem de lucro. Esta é uma táctica que mais tarde a própria fisicamente anotaria numa das pouquíssimas anotações que alguma vez escrevera já que era praticamente analfabeta. […] Muito daquilo que acreditamos ser saber, hoje em dia, sobre Chanel fundamentalmente não é verdade e é na sua maioria construído após a sua morte. A verdade é que Chanel era nenhuma grande artesã; não pretendeu sê-lo, invés disso encarara a sua marca como empresária.”

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Em diversos filmes, documentários e publicações diversas conta-se, entre muitas coisas que nos fazem acreditar que estamos perante um ser prodigioso, que Chanel teve sucesso meteórico. Algo que, na minha opinião, criou ou contribuiu para a ideia que muitos recém-licenciados em Design de Moda de que criar uma marca própria é fácil. Julgando assim que estão a falhar caso as suas etiquetas homónimas não alcancem o sucesso num curto espaço de tempo.

Bem, há que dizer que a marca Chanel deu pelo menos 5 anos de prejuízo, antes de gerar um único franco. Não obstante, o seu adorado Boy Capel tinha dinheiro suficiente para continuar a financiar a marca de Coco.

Muito do que fazia era simples, não por filosofia visionária, mas porque as suas parcas competências técnicas não lhe permitiam maior complexidade.

Há que dizer também que não libertou as mulheres do espartilho, Chanel inclusivamente chegou a vendê-los. Também não era propriamente feminista já que como chefe ignorava sistematicamente as greves das suas funcionárias e as suas reclamações, considerando-as ataques pessoais.

Não obstante, o consenso de que as redes sociais são o grande veículo de propagação de fake news, no contexto do livro que aqui falamos, tomamos conhecimento que as maiores fake news da História da Moda nasceram da rivalidade entre Harper’s Bazaar e a Vogue.

Publicações que a propósito do regresso de Chanel à passerelle, no início de 1954, deram várias páginas de destaque a Coco. Carmel Snow, editora-chefe da Harper’s Bazaar, deu-lhe seis páginas centrais, a Vogue responderia com dez páginas. No conjunto desta operação é creditado a Chanel: o libertar a mulher do espartilho; a invenção (e não popularização) para o guarda-roupa feminino da Marinière e do Little Black Dress. E assim, se altera a História da Moda.

Tudo isto é só a ponta do icebergue de uma densa obra de investigação, mas intelectualmente muito prazerosa. Materialização de um movimento e zeitgeist de liberdade e independência na escrita e estudos de Moda. Feitos fora das academias e debaixo do grande chapéu da criação de conteúdo para lá da imagem desse mesmo “creator” — o que muitos chamam de fenómeno dos “intelectual influencers”.

Desafiando assim, os pressupostos de narrativa e credibilidade, sendo um livro deste género auto-publicado um exemplo de um trabalho de missão e provando que há muito, muitíssimo ainda por ser contado e escrito sobre Moda — tanto em papel, na World Wide Web ou, numa ou diversas “corners of the internet”.

Suficientemente curiosos? Boas leituras!

Ah, e a propósito, já conhecias o trabalho de understitch,? Ou tal como eu, o primeiro contacto que tiveste com o seu trabalho foi este magnífico livro? Partilha nos comentários, aquele que consideres ser um highlight do trabalho de understitch, .

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

Esta carta, na verdade o que vos envio, praticamente, todas as semanas são cartas de Moda ou para a Moda — é bastante diferente, tenho mais pergunta que respostas.

A ideia de a Moda se está a torna real estate surgiu de vários momentos de conversa com uma amiga que me foi explicando a mudança de estratégia da Zara em direção ao imobiliário, devíamos estar então por volta de 2022, até que há umas semanas atrás é lançada a notícia. É oficial: Amâncio Ortega é o maior barão imobiliário do mundo.

Pronto, agora eu não tinha muito mais tempo a perder, tinha que entender a mecânica, da mesma forma que a seu momento percebi e estudei como se constrói uma camisa.

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Sinto que tenho de escrever logo no início “enviado do meu iPad”. Porque é uma experiência substancial diferente de escrita que poderá ser uma experiência de leitura também um pouco diferente para ti. Ah, e tenho de pedir desculpa em antecipação, porque estou a escrever sob efeito de antibióticos, devidamente prescritos, mas que ainda assim me causam um certo brain fog. E, sinto que posso ser um bocadinho repetitiva — sorry!

Este é um ensaio a uma quarta-feira, não por me ter adientado… Mas, por não ter conseguido escrever-te, devido a ter feito um implante dent…

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Este ensaio, não é só um ensaio — é a primeira do nosso book stack de Verão. Um livro por mês, nos meses pelos quais as grandiosas férias de Verão das crianças e adolescentes costumavam passar — Junho, Julho, Agosto e Setembro.

Destes quatro fascículos só dois estarão disponíveis para todos. Para desfrutares de todas as edições, torna-te subscritor pago — por 5€/mês ou 50€/ano e podes cancelar quando quiseres, seja um mês depois ou depois do book stack terminar…

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Começamos com o livro “In American Fashion: Ruth Finley’s Fashion Calendar” de Natalie Nudell,

Antes de mergulharmos a fundo, deixo-te uma citação que explica de forma tão simples e apurada a génese do Fashion Calendar:

Esta abertura e inclusão por parte do sistema operativo do Fashion Calendar, sendo uma publicação que funcionava ao longo de todo o ano abarcava aqueles que mais tarde viriam a negar o calendário vigente no final dos anos 90 para a Semana de Nova Iorque ocorria entre o fim de Outubro e início de Novembro, sendo que a “rebeldia” mudaria as datas da NYFW para sempre.

Natalie conta-nos que tudo começara com o designer nascido na Áustria, que se sediara em Paris, mudando-se mais tarde para o Soho nova-iorquino — Helmut Lang. Lang apresentou a sua colecção para a Primavera de 1999 a 17 de Setembro de 1998, querendo apresentá-la antes das semanas de Moda europeias.

Segundo a autora do livro em que nos focamos e directora do FCRD - Fashion Calendar Research Database, este passo estratégico do designer foi precedido pela abordagem ao seu desfile anterior:

E, ainda que tal não afecte o ponto central do livro protagonista deste fascículo — a estória e legado de Ruth Finley, o desfile de Lang foi o primeiro desfile digital da Moda Americana e não o primeiro a nível mundial. Já no dia 12 de Dezembro de 1996 a ModaLisboa — Lisboa Fashion Week cria o primeiro desfile em todo o mundo, através da “transmissão pela internet” (o que escrevia o jornal da época) do desfile do concurso de jovens designers Sangue Novo.

Talvez penses que este seja um parêntesis demasiado grande, mas se não houvesse um fio vermelho por entre as linhas e palavras deste ensaio que nos ligasse à Moda Portuguesa — isto não era o The Fashion Standup.

O mais cativante sobre este livro é o facto de Nudell conseguir fazer transparecer o carinho e admiração que sente por Ruth e pelo seu trabalho, tendo ainda assim um cariz académico. Admiração essa que terá vindo da proximidade com Finley durante a produção do documentário “Calendar Girl” (2020), do qual Nudell foi escritora e produtora.

Ruth não foi apenas resiliente, foi bem mais do que isso, foi pioneira, na mistura de factores que marcaram a sua biografia. Que factores?

Apesar de ter nascido em 1920, estudara e fundara o Fashion Calendar antes de casar, tendo sempre o apoio dos seus pais. A sua energia e estamina não eram só impressionantes como nonagenária, mas desde jovem, especialmente na sociedade de então.

Enquanto estudava, trabalhara como arrumadora de teatro na Broadway, para ganhar dinheiro para os gastos quotidianos — aquilo a que nos EUA se chama de pocket money. Mas quando se trata de Moda, todas as experiências informam a prática da mesma. Para entender como é dita experiência da Broadway teve impacto no seu destino importa atender ao facto de que estudara jornalismo e nutrição no Simmons College. Período durante o qual, no Verão, Ruth estagiou com Eleanor Lambert — “mãe” da Semana de Moda de Nova Iorque e do Met Gala.

Foi então que a experiência na Broadway se manifestou em termos de Moda. Finley apercebeu-se que os eventos da Moda se sobrepunham e andava tudo meio perdido — eram os anos 40 do século XX, ou vinha no jornal ou havia um almanaque, ou então como se sabia o que ia acontecer?

Para Finley era claro que a Moda precisava de uma clearing house, digamos que se trata de um centro de coordenação. E, assim, em conjunto com as irmãs Hughes, Alice e Frances, vinte e um e catorze anos, respectivamente, mais velhas que Ruth, fundou o Fashion Calendar.

Poucos anos mais tarde ver-se-ia sozinha à frente do lema do Fashion Calendar, nunca cedendo. Mesmo depois de: um divórcio, numa altura em que tal era tabu para a mulher; ter reencontrado o amor e de ter enviuvado. Fica com três filhos a cargo, dois do primeiro casamento e o terceiro da segunda união; sem esquecer o primogénito, o Fashion Calendar.

Obviamente, se quiseres conhecer todos os detalhes, há que ler o livro. Se tal como gostas de ler não só em papel, mas também em digital, podes ler “In American Fashion: Ruth Finley’s Fashion Calendar” na biblioteca digital Perlego — foi o que eu fiz (é só uma dica, não um link afiliado).

O exemplo de Ruth tem muito a dizer ao panorama de Moda actual. Não deixou que a sorte fizesse o destino do seu negócio, quando ainda trabalhava com as irmãs Hughes, não ficavam à espera que os clientes aparecessem por milagre — eram as próprias que angariavam os seus subscritores por telefone.

Quem disse que a missão não podia ser negócio? Sim, as subscrições não são uma coisa de agora. Ruth cumpria a sua missão de ser a organizer máxima da Moda americana, ao mesmo tempo que geria o seu projecto como um negócio — para que este fosse financeiramente auto-sustentável e que pudesse pagar o seu próprio trabalho e viver daquilo que fazia.

Não que fosse gananciosa de todo, muito pelo contrário. Ainda que a listagem no Fashion Calendar estivesse sujeita a subscrição obrigatória ou ao pagamento de uma taxa única, Ruth abria várias excepções. Essas excepções tinham a premissa de que ajudando quem estava a começar, a visibilidade conferida pelo FC, iria permitir-lhes ter sucesso e pagar-lhe a listagem de um segundo evento.

Foi o caso do seu amigo de toda uma vida Bill Cunningham, que antes de ser fotógrafo tivera um projecto de chapelaria e Ruth oferecera-lhe a listagem do seu evento.

Uma mulher que viveu nos seus próprios termos. Não escalando o seu negócio mais do que o necessário, sendo durante anos a fio uma operação de uma só pessoa. Decidindo como e quando ceder e dar as rédeas do seu legado.

E, sabendo, destacar-se — afinal a capa e as páginas do Fashion Calendar eram cor-de-rosa.

Porque escolhi este livro?

Porque mesmo sabendo que a nossa indústria está longe de ser perfeita, existem estórias que nos recordam porque amamos a Moda de forma tão visceral. Sim, a Moda pode discriminar a idade, na sua cara visível ao público — estando isso cada vez mais a mudar. Mas a estória de Ruth prova que a idade não é factor nas suas engrenagens.

Hoje, apesar de todos os movimentos feministas, o mundo ainda gira em torno do dinheiro dos homens. Na Moda temos três homens a desejar que as mulheres comprem os produtos dos seus monopólios de marcas — Bernard Arnault, François-Henri Pinault e Amâncio Ortega. E, ainda assim, a estação de controlo da Moda Americana, durante décadas o mercado mais relevante do globo, manteve-se independente e detido por uma mulher.

E, por último, porque existem estórias como esta que devem ser lidas, relidas e amplificadas — muito mais do que breaking news sobre a Shein como media de Moda de renome fizeram há bem pouco tempo.

Espero ter-vos inspirado para o início de mais uma semana.

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

Não estava nos meus planos explicar o prólogo deste ensaio. Até que li o ensaio da onde fala do impacto que a série “Hacks “ teve para ela e pensei: “Sim, posso estar completamente viciada no Hacks, mas com quês e porquês.”

A série está relacionada com Moda, pensarás tu se ainda não a viste, seria óbvio dada a minha obsessão. Mas não, para lá do facto de ser escorpião (ficamos facilmente fixados), Hacks abriu em mim uma emotividade a jorros que eu desconhecia.

E foi exactamente essa ideia que fez abrir o arquivo.

Portanto chorar — para a pedra emocional que eu sou lágrimas contam como choro, não precisa de ser mesmo aquele choro compulsivo — de forma intervalada há mais de uma semana, torna-se cansativo. Eu vejo os spoilers porque assim não vai custar tanto na série, é exactamente o contrário. Amizades intergeracionais e relações mentora-mentee são o meu soft spot.

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Assim, como já estava eu neste aglomerado de sensibilidade inaudita, quando um artigo da me encontra e me faz compreender que revisitar aquilo que já fizemos ou vivemos é um exercício válido, é trabalho — não é um atalho.

Portanto, pensei no que não me fazia pensar nas minhas emoções, daquilo que sei de mim mesma? Quando estava no atelier da faculdade - durante a licenciatura e o mestrado, eu entrava em foco total, aquilo a que os neurocientistas chamam “the zone”.

Ok, agora estás que sou ótima a costurar, a fazer moldes, etc. por aí fora. No entanto não sou boa costureira, modelista, muito menos modista. Então, se eu tinha de concentrar tanto para não fazer asneira ou para não ter de refazer — não havia espaço para emotividade…

Ou, pelo menos, foi assim que o recordei num primeiro momento, só que não bem assim.

Portanto cá vamos nós…

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Voltamos (virtualmente) a Nova Iorque. Espero que já tivesse saudades destes perfis da comunidade TFS, porque eu sem dúvida que já tinha muitas saudades destas trocas de perspectivas e pontos de vista.

Um dos pontos centrais da nossa troca de ideias incidiu sobre o universo corporativo, aquilo a que os americanos chamam de corporate.

Já que o The Fashion Standup é comunidade espalhada por 81 países, importa relembrar o que engloba o corporate:

• Neste contexto, empresas corporativas são empresas de grandes dimensões com diversos departamentos, hierarquias rígidas e extensos organogramas.

E não há melhor forma de voltar a esse intercâmbio de sinergias do que com Emma Raguz. Nestes “episódios” sobre quem faz a Moda acontecer, seja em que projecto for, em que cargo for, em diversos pontos do globo. Emma é talvez a mais sem filtros com quem já tive uma vídeo-chamada para este projecto.

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Porquê? Porque Emma dá liberdade a si própria para dizer que — ainda que seja consciente do feito e do privilégio que é estar a trabalhar na Prada, como integrante do Generation Prada Programme — não tem pudor em dizer que não se sente realizada.

O dia-a-dia de Emma consiste em preparar embalagens a serem enviadas e preparar documentos para serem enviados para Milão. Tudo o que acontece em Nova Iorque está completamente dependente daquelas que são as decisões da sede milanesa… O que torna o seu trabalho pouco motivante.

Não obstante, enfatiza a génese da Generation Prada Programme. Um programa de emprego de curto prazo que ao fim do mesmo tem um historial de contratação de uma proporcionalidade bastante alta face a quem entra no dito programa.

Esta iniciativa da Prada só tem lugar nos EUA e, estando só na sua quinta edição, tem uma envolvência muito diferente do seu estágio na Tiffany & Co parte da LVMH. Sendo parte de tão grande conglomerado, têm programas de estágios todos os anos nos quais dos 80 estagiários - só são empregados 2.

Há quem seja serial killer, Emma é uma serial intern, considera que fazer estágios é uma enorme mais valia de aprendizagem. Ainda que esteja totalmente consciente de que quando se chega à etapa de concorrer ao lugar de estagiário sem se ser pago, não são muitas as pessoas que se podem sujeitar a isso.

Como complemento ao seu rendimento trabalha numa loja vintage, na qual considera que o maior ensinamento que retira é comunicação. Uma capacidade que considera cada vez mais em vias de extinção, principalmente desde a pandemia.

No seu note de apresentação ao Substack, mencionou os estágios que na Proenza Schouler e na Oscar de la Renta, e como é óbvio, curiosa como sou tive de saber mais. O que descobri? Que ainda que se tratem empresas distintas, o facto de todos os departamentos estarem juntos aumenta a aprendizagem e aquela adrenalina muito própria de trabalhar em Moda. Descobriu que Jack McCollough e Lazaro Hernandez são muito simpáticos e que tanto Laura Kim como Fernando García estão longe de serem vedetas.

Esta rapariga do Ohio que corajosamente há quase sete anos vive em Nova Iorque, gostaria de ter um quotidiano mais criativo, que pudesse inclusivamente pintar… Se bem que é consciente de que não seria realista como full-time.

Ao longo da nossa conversa tocamos noutros pontos sensíveis - o preço da educação, os sistemas de saúde, o apoio dos pais, a importância que o merchandise podia ter na Moda independente.

Emma optou por estudar no FIT, não só por ser mais economicamente acessível que a Parsons, considera ter sido para uma ótima escola. Tem amigos que contraíram avultados empréstimos para os estudos e que serão muito difíceis de pagar.

Houve entre nós um ligeiro choque cultural, em termos de ficarmos a par de quanto é o salário anual digno em cada país, e qual o impacto dos sistemas de saúde no trabalho e nas escolhas de carreira. Apesar dessas diferenças, uma coisa é transversal em cada lado do oceano — os Zillenials continuam a precisar da ajuda financeira dos pais, mesmo vivendo fora de casa.

Tendo estudado gestão de produção, também trabalhou na área de merchandise. Pedi-lhe que aprofundasse sobre a área, uma vez que o Sistema de Moda em Portugal não é propriamente corporativo. Ao ser o merchandise a consciência do processo - entre o design e a produção e coloca a pergunta: “será que se venderá?” Em termos de fast fashion e ultra fast fashion pode levar ao consumismo extremo. Mas quando se trata de marcas designers de Moda independente é essencial para fechar o ciclo do Sistema de Moda.

Ah, e também falámos da signora Prada. Perguntei à minha “convidada” se já tinha conhecido Miuccia Prada, tal ainda não aconteceu. Não obstante se acontecer, acredita que não reagirá como se estivesse perante uma divindade. Já que com base em todas as entrevistas daquela que em última análise é a sua chefe — considera que ela é uma accidental queen.

Concordámos que no fim de contas são seres humanos e que está nas nossas mãos aquilo que somos, na forma como fazemos o nosso trabalho. Que se nas poéticas palavras de Emma se lê assim:

De toda esta experiência, reflecte também que o mais é não queimar pontes de relações entre as pessoas, considerando que se deve procurar deixar um cargo sem ressentimentos ou “a mal”.

Esperem, não me posso esquecer de falar da relação de Emma com Portugal, sem ter cá vindo, tendo tudo tido lugar em Nova Iorque. Enquanto esteve na Purple PR, fez parte da equipa que acompanhou a delegação da APICCAPS (Associação Portuguesa dos Industriais de Calçado, Componentes, Artigos de Pele e seus Sucedâneos) e que fez a conexão entre a associação portuguesa e o designer americano Willy Chavarria.

A propósito do seu tempo na Purple PR, a fundadora do Kapital F lembra uma lição da amiga e colega de trabalho:

“It’s PR (Public Relations), it is not ER (Emergency Room).”

E, permitam a indulgência de partilhar o “pedido” que Emma me fez, ao despedirmo-nos, disse-me para não deixar de ser esta pessoa que faz networking na Moda, já que afinal a Emma adora que as pessoas tenham boas capacidades comunicativas.

Como a Moda não é para tirar conclusões, é para gerar pensamento, daí que não falte o nosso food for thought. Muito se tem dito que os Zillenials (os Gen Zs mais velhos) não são propriamente fãs do universo corporativo. Mas na minha opinião, a geração a que pertenço só tomou consciência mais cedo…

Porque temos mais acesso à informação enquanto jovens adultos (confirmei ontem que cientificamente a meia-idade só começa aos 40) do que qualquer outra que nos antecedeu. As mulheres baby-boomers tiveram que arranjar espaço para nós termos vidas independentes como mulheres.

As afinidades entre Zillenials e Baby Boomers, ignorando diligentemente as duas gerações e meia que as separam — mas para não divergir mais, deixo-vos com as palavras da Emma:

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

Portanto, este ensaio resulta de um prompt que lancei a mim própria sobre qual seria o problema das revistas de moda, qual o problema que enfrentam actualmente…

Fiz algumas reflexões pessoais, mas já sabem que uma Fashion nerd tem que investigar e foi exactamente isso que fiz. Tentar perceber se existe, realmente, problemas no modelo das revistas, no modelo de negócio… Naquilo que oferecem os leitores ou é só evolução social como tantas outras.

Ainda assim, na verdade todos enviamos WhatsApp, mas isso não acaba com os postais, por exemplo. Esta era uma analogia sobre a qual não tinha pensado mas enviamos postais a quem gostamos muito, portanto se calhar essa conexão que se perdeu.

Quando se recorre à técnica ancestral de pesquisar no Google “self-publishing in fashion”, os resultados dividem-se automaticamente em dois: self-publishing por um lado e guias de “como ter o teu trabalho pu…

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Ideias e notas, mais introspectivas ou mais leves e divertidas, que foram surgindo enquanto via o filme e enquanto reflectia sobre ele… Ah, e ao ler a Runway, depois da paywall, explico-te como também o poderás fazer.

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As palavras que nos servem epígrafe são de Helena López de Hierro d’Abarède - que assina “A moda musealizável”, texto integrado no catálogo da exposição “Arte e Moda” do Museu Calouste Gulbenkian. Sendo a exposição o tema central deste ensaio, e Helena directora do Museo del Traje, Madrid — instituição que colaborou com a Gulbenkian neste projecto.

Curiosamente — escrevo curiosamente, porque não foi premeditada a coincidência -, visitei a exposição que coloca em diálogo Moda e Arte em Lisboa, na primeira segunda-feira de Maio… Poucas horas mais tarde teria lugar em Nova Iorque o MET Gala sob o tema “Fashion is Art” inaugurando a exposição “Costume Art”. Mas centremo-nos em Lisboa…

Magnânima e Terrena

Centremo-nos na exposição em si mesma, foi uma experiência singular — por ser tanto magnânima como terrena. Sei que a questão de terrena pode parecer ou soar estranha, mas eu explico. Quando visitei a exposição “Christian Dior: Designer of Dreams” no Victoria & Albert Museum, em Londres, corria o ano de 2019 — com 18 anos pensei que estava a visitar o céu…

Mas ao mesmo tempo sentia-me pequena e insignificante. Claro que esse dia foi dos mais bonitos que vivi, sim. Mas com a perspectiva que só tempo nos pode dar percebo no intuito da exposição, na camada mais profunda estava o mostrar a Moda e mais, especificamente, a Dior como inatingível.

A Distância de Esticar o Braço

Contudo, esse não foi o intuito de Eloy Martinez de la Pera, curador da exposição “Arte & Moda”, no museu Gulbenkian tanto a Moda como a Arte estão ao nível de todos os visitantes. Aqui a ilusão de acesso às mesmas torna-se real — a Moda está à distância de esticar o braço, a sua fruição está ao alcance de todos.

Esta foi uma exposição na qual me permiti apreciar a beleza pura, sem etiquetas — não houve a tentação de “ah tenho de apreciar isto porque é uma criação de Worth, o pai da Alta - Costura”. Em grande parte, porque para conseguir a legendas, míope como sou, tinha de fazer umas posições de yoga um pouco arriscadas.

Aqui e não só entra a importância, para mim e no meu processo o catálogo de exposição e o seu estudo. Mas primeiro falta falar da emoção, foi uma visita emotiva, uma emotividade feliz e irracional. Agora que faço exercício de a racionalizar percebo que não só é emotivo testemunhar a primeira exposição de Moda desta magnitude que acontece em Portugal.

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Assim como saber que à distância de poucos metros posso admirar um vestido de Fortuny e outro de Alves/ Gonçalves; um coordenado Béhen está frente a frente em diagonal a um vestido Schiaparelli, não são assim tantos os passos que distam entre um coordenado de Jean Paul Gaultier, de Azzedine Alaïa, de Guo Pei, de Kenzo, de Sarah Burton para a Givenchy de peças de Storytailors, Nuno Baltazar, Maria Gambina, José António Tenente.

E até partilham, finalmente, o mesmo espaço em Lisboa Nuno Gama e John Galliano.

Ao rever as quase duas centenas que tirei apercebo-me de que me foquei demasiado na parte de Moda e não fotografei muito a parte da Arte. Isso diz muito sobre mim, não diz? Pronto, no meu inconsciente a Moda é Arte, sem reticências sem justificações e sem debates — é e, ponto final.

Algo que durante a exposição me cativou bastante foi o dialogo entre a estátua de Canova e o coordenado de Jan Taminiau, que figura na capa do ensaio e que interpretei como um convite à reflexão sobre a sociedade, num momento em que no nosso país muitas pessoas não sabem diferença entre burka e hijab, e em que muitos são aqueles que escolhem a descriminação em detrimento do abraço ao multiculturalismo.

Uma exposição multicultural, um esforço conjunto de praticamente 4 anos, que juntou diferentes instituições culturais do MUDE — Museu do Design à Foundation Azzedine Alaïa. Esforço esse que ganha forma em vários núcleos expositivos de “Diz-me o que vestes, dir-te-ei quem és” a “Deuses e deusas.”

O Senhor Cinco Porcento e a Mesada de Nevarte

Agora que já leste até aqui podemos falar do “casal patrocinador” desta exposição que, de certa forma, não deixam de ser os Gulbenkian.

Em Portugal, Calouste Gulbenkian é sinónimo de filantropia e cultura, contudo para o mundo é conhecido como o “Senhor cinco porcento”. Percentagem que recebia por toda a produção petrolífera do Médio Oriente.

A conservadora do Museu Calouste Gulbenkian Vera Mariz lembra-nos que, nas suas escolhas de Moda, Nevarte Gulbenkian estava dependente da mesada que lhe era dada pelo marido. Algo que constrangia Nevarte, daí que venha a pedir a Gulbenkian um aumento da mesada.

Mesada que era então de 60 mil francos — que ao poder de compra actual seriam 250 mil euros. O que naquele então era um montante que equivalia a mais de 60 anos de salário de um trabalhador de extração de petróleo.

Sinto que estou a cometer um sacrilégio ao levantar tais questões sobre os Gulbenkian… Mas tenho como única pretensão colocar a seguinte pergunta: o que pensaríamos do Sr. Calouste e da Sra. Nevarte se fossem nossos contemporâneos?

Ainda assim, um dos homens mais ricos que o mundo já conhecera tem dois ensinamentos sobre Moda a transmitir à contemporaneidade no que à Moda diz respeito.

A primeira é o facto de Calouste, ainda que nunca tenha vivido dificuldades económicas, fazia questão que as peças que compunham o seu guarda-roupa fossem reparadas até serem consideradas “irrecuperáveis” pelos seus alfaiates de confiança.

A segunda prende-se como o facto de ao longo da sua vida, Gulbenkian comprar e coleccionar Moda para pura contemplação - como uma peça da autoria de Jeanne Lanvin, presente na exposição e que Calouste nunca vestira mas que muito contemplara. E que, anos mais tarde, viria a oferecer à sua filha Rita.

Gulbenkian percebia, profundamente, a diferença entre mero vestuário e a Moda. Daí que muitas das assinaturas das publicações e imprensa a esta dedicadas que chegavam às moradas da família, não estivessem nem nome de Rita ou Nevarte, mas de Calouste.

O que é, sem dúvida, inquestionável, é que esta exposição abre a porta à legitimação da Moda , como Arte que se estuda e se contempla.

O Tecto de Vidro

Porque a verdade é que, para lá da nossa bolha da Moda, existe um vasto de número de pessoas que não valorizam a Moda em toda a sua extensão, mas tem como “cultura superior” tudo o que tem lugar na Gulbenkian. Assim, ao abrir pela primeira vez, na forma de exposição, as portas à Moda - a Fundação Calouste propaga a esta “elevação” para a Moda perante os olhos do público português no seu todo.

Talvez ao abrir este email ou post de Substack, pensasses que irias ler uma crítica à exposição no seu todo. Contudo, se este não for o primeiro ensaio do The Fashion Standup saberás que uma crítica canónica não é o meu forte.

Uma crítica de fio a pavio é algo que poderás pedir ao teu IA de confiança. E se te contasse tudo irias visitar a exposição? Podes fazê-lo até 21 de Junho de 2026,

A entrada é gratuita para menores de 18 — a entrada custa 8€, com descontos para menores de 30 anos, maiores de 65 e para pessoas com deficiência. A exposição está aberta das 10 às 18h, até às 21h às sextas-feiras, sábados e domingos. A Gulbenkian aconselha a compra antecipada dos bilhetes para visitas ao fim—de-semana.

Ah, e não te esqueças — tal como me aconteceu a mim, que ao contrário dos restantes museus portugueses a Fundação Calouste Gulbenkian não fecha à segunda-feira, mas sim à terça.

Se visitares a exposição “Arte & Moda” depois de leres este ensaio adoraria receber as tuas opiniões e fotografias nas minhas DMs do Substack.

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

Como, provavelmente, sabes os meus pais têm um restaurante — palavra que ainda me causa alguma comichão usar, talvez bistro encaixe melhor na “A Boutique do Peixe”. Ainda que, tal como já tenho dito, trabalhe a tempo inteiro para o TFS, costumo ajudar os meus pais em pequenas (ou não tão pequenas) tarefas feitas em remoto.

Foi assim que tive a ideia da implementação do “Plan Genhesis: Plan de empresa para la restauración”, projectado pela el Bulli Foundation e por Ferran Adrià, n’A Boutique do Peixe. Mesmo antes de receber o livro intuía que poderia criar relações entre dita ferramenta e a Moda, ao folhear o livro tive a certeza.

A perspectiva que hoje te apresento assenta nas similaridades entre a Restauração Gastronómica e a Moda de Autor. Assim nem todos os restaurantes são gastronómicos, nem todo o vestuário é Moda…Ambos podem ser vislumbrados como arte, não deixando de ser um negócio, negócios, no caso….

É, exactamente, isto e não só que vamos explorar.

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Hoje, vamos falar de som, o som da Moda. Começo a escrever-vos no momento em que, com o computador no colo (para mim a posição mais confortável para maratonas de escrita) na sala de estar, tiro o som à televisão.

Pode parecer um contra-senso, mas não é. Ora, sem 25 de Abril de 1974, sem Revolução dos Cravos — ah e já agora os cravos eram vermelhos — eu não seria quem sou e muito menos poderia existir Sistema de Moda em Portugal.

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Assim que optei por não ouvir o lunático que usa fatos mal feitos, anda para arrancar as mangas aos casacos de tanto gesticular num frenesim sem fim e que pretende…

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Sim, um ensaio sobre uma talk depois de um ensaio sobre uma talk, mas sendo ditas talks completamente distintas e idiossincráticas. Também os ensaios resultaram únicos na sua essência.

Provavelmente, acreditas que ainda que me dedique full time ao meu Substack, não tenho qualquer tipo de calendarização. Eu prometo que tenho, só que - actualizo-o, altero-o, repenso-o quase diariamente.

Assim o que vos escrevo a cada semana acaba por não acontecer num vácuo. Mas sim, com a presença de uma red thread que liga cada ensaio, cada fragmento de escrita, à minha vida para lá do meu Substack.

Digo “do meu Substack” e, não da minha vida pessoal… Porquê? Porque trabalhando online e não havendo propriamente um livro de instruções único ou consensual de como se desenvolve um projecto deste tipo, não consigo delinear essa separação.

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Esta semana a conexão é a infância, infância na qual Elise by Olsen e eu nascemos para a Moda, e que voltou à minha vida extra Substack porque tentei tomar conta de uma menina de 5 anos durante várias horas esta semana.

A participação de Elise na programação “ Creative Studies Open Talks” decorreu no passado dia 10 - portanto a uma sexta-feira à tarde via Zoom foi enriquecedora a vários níveis e são esses níveis que vamos explorar a seguir.

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Conheço a Eduarda quase desde sempre, desde dos meus 11 anos… Não aprendi com ela só quando foi minha professora. Aprendi todos os dias dos últimos 15 anos, e tenho os próximos 150 para continuar aprender.

A lição mais importante? O que é amizade verdadeira, pura e preciosa. E, sim essa amizade existe tão bonita com uns quantos anos de diferença de idades (eu não posso dizer quantos). Portanto, já ficam advertidos que este é o texto do The Fashion Standup com mais viés que alguma vez vão ler.

Que farei por isso, podem ter absoluta certeza…

Ser aluna da Eduarda é um dos maiores privilégios quem estuda Moda, porque a professora Eduarda está contigo, está na tua equipa, para te ajudar, para te incentivar a seres um melhor designer, um melhor profissional de Moda.

Escrever sobre isto é, fisicamente, bem mais emotivo do que esperava… Se consegui apresentar uma coleção feita por mim, de uma ponta à outra, com ajuda da Maria José e da minha mãe em algumas partes do processo… Foi porque para lá da minha motivação, eu tinha a certeza que chegaria ao fim, porque a professora Eduarda transmitia-me a confiança de que eu seria capaz, portanto eu acreditei também.

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Um dos momentos mais bonitos das aulas era quando a professora — daqui em diante referir-me-ei somente como Eduarda, porque foi o maior esforço mental que fiz durante um ano, o de não me enganar — se sentava entre nós para conversar.

Nessa altura, tentava captar tudo, mas metas de outras Unidades Curriculares (e de Projeto) para cumprir, viagens, trânsito, poucas horas de sono e uma imensidão de outras coisas interpunham-se… Ao ponto de eu não conseguir vislumbrar a riqueza que seria eu ter documentado todo aquele conhecimento.

Até surge a iniciativa, “Great Artist on Campus” na Universidade Lusófona — pouco depois do final da ModaLisboa Pebbling — a 24 de Março.

Assim, que sendo a conversa na sala de Cinema da Universidade, já saberia que iria registar o áudio. Aproximando-se a conversa de Eduarda Abbondanza com João de Sousa Cardoso com as saudosas aulas. E resultando a dita gravação numa transcrição de mais de 10 000 palavras de pura e poética sabedoria, seria muito egoísta não a partilhar…

Para o fazer tive de fazer a curadoria de todas essas páginas em algo que não ultrapasse o formato das nossas newsletter, portanto haverão saltos de contexto, pouco comentário da minha parte e maior simplicidade possível.

Também nas citações, praticamente, não houve edições. E, ainda que existam centenas de entrevista com a Eduarda, e eu já li, visionei e estudei uma quantidade considerável das mesmas. Assim, acredito que as citações aqui feitas acrescentam novos e valiosos elementos ao acervo e arquivo vivo do Sistema e da História da Moda em Portugal. De tal forma enriquecedoras que se justifica, plenamente, que ocupem quase um terço desta narrativa.

Para Eduarda, a Moda não era uma vocação de criança, foi uma descoberta da vida adulta, ainda que nesse então fosse “muito menina”, como a própria descreve.

Em criança, a vocação de Eduarda, era o ballet. A sua vida girava em torno das aulas de ballet na Escola de Dança do Teatro Nacional São Carlos.

Ao apanhar o vírus da hepatite, passa de 3 meses, a ficar um ano de cama, não só devido ao facto de ter de reaprender a andar, mas devido ao choque emocional de toda a situação.

O ballet fica para trás e a jovem Eduarda tem de se reinventar na sua inquietude e na sua imensa actividade, de quem não consegue parar quieta…

O 25 de Abril de 1974, a Revolução dos Cravos, dá-se quando estava no início do liceu. Terminado o Liceu decide estudar Arquitectura — poucas mais opções haviam no Portugal de então. A Faculdade, estava fechada, o país girava em torno da política e de como se construiria uma democracia.

Eduarda descobre, então, um curso de Multimedia na Escola António Arroio e inscreveu-se. Para um curso de Multimedia, não havia nem máquinas de filmar nem televisões suficientes… Dez dias foram suficientes para esgotar as possibilidades naquele sítio e seguir em frente.

E agora? O que ia fazer? Ficar quieta? Parada em casa? OMG, não!!!

Se há coisa que vos posso garantir sobre a Eduarda, e modéstia à parte saberá, que eu nisto, até tenho razão — a Eduarda nunca é espectadora, nunca fica sentada à espera que as circunstâncias mudem. Será sempre agente de mudança, ou no mínimo, de uma aventura entusiasmante.

Se algum dia testemunhar o contrário, acreditarei que o apocalipse estará a chegar.

Portanto, o que se seguiu? Trabalhou com os bombeiros, dando aulas de alfabetização às crianças vindas de África — das colónias portuguesas que se iriam tornar independentes — e ajudando nos seus cuidados mais básicos como o banho

Mais tarde surge a oportunidade de trabalhar nos CTT,, era suposto serem três meses. Inadvertidamente faz carreira nos CTT - Correios de Portugal, dois anos volvidos e apercebendo -se de que não haviam passado só alguns meses, despede-se.

Pouco mais tarde, conhece aquele que viria a ser o seu marido, rapidamente, decidem casar. E, é assim que Eduarda se torna Abbondanza e chega a Itália, a Milão.

Esgotado que estava tudo o que havia para fazer em Lisboa até então, Eduarda tinha agora Milão. Como toda a sua familia italiana fumava, prontifica-se a ir passear os cães, comprar tabaco e os jornais… E começa também a comprar, para si mesma, revistas de Moda. A Moda entra na sua vida para jamais sair.

Ok, paremos o filme só um instante para reflectir sobre algo — estamos a falar de um período temporal no qual as revistas de Moda se dedicavam, praticamente, em exclusivo à Moda. Da mesma forma que quem escrevia sobre Moda, fazia-o com tempo e espaço.

No advento da ModaLisboa e durante a década de 90 e até aos anos de 2010s, tal também aconteceu em Portugal. Sendo que, actualmente, essa dedicação à Moda e espaço nos media, diminui, dissipou-se no grande chapéu de chuva do lifestyle.

A necessidade presente de que exista pensamento de Moda — pensar a Moda com tempo de forma curada e maturada, também foi tema de conversa ente João Sousa Cardoso e Eduarda. Mas como isto dá para muitas mangas, vamos voltar a Milão.

Em Milão, Eduarda não tinha necessidade de trabalhar. Por isso, fez imensa coisa. A primeira foi trabalhar num videoclube, redatava as fichas técnicas dos filmes. Tarefa que a obrigava a consumir altas doses de cinema italiano, o que lhe permitiu expandir o seu capital cultural.

Ao videoclube segui-se o Teatro alla Scala, onde trabalhou como assistente de Guarda-Roupa, em produções sob direção de Giorgio Strehler. Também ajudou um amigo que era fotógrafo, no estúdio de quem conheceu muita gente importante. Sendo sempre: “muito menina, sempre muito invisível, mas sempre a apanhar e a caçar”.

Visitava Lisboa frequentemente — visitando a família. Terminado o casamento, sabia que queria voltar a Lisboa e estudar Moda, a escola que operava em Portugal era italiana e Eduarda integrou a turma pioneira:

Nesta conversa, em que se baseia este ensaio foi das raras em que a fundadora da ModaLisboa fala sobre o seu percurso, em nome próprio e em dupla, no Design de Moda de Autor:

Muito já se documentou os factos relativo ao que foi a criação da ModaLisboa, mas pouco se falou do sentimento — do propósito e intenção primordiais e primeiras. Daí o grande valor deste testemunho:

A verdade é que conseguiram. Colocaram Lisboa no mapa da Moda, fundaram a primeira Semana de Moda independente do Mundo. Em 1996, é fundada a Associação ModaLisboa, a Semana de Moda de Lisboa torna-se independente da Câmara Municipal e próspera até hoje.

Desde a primeira edição em 1991 até hoje o catalisador máximo da Moda portuguesa prospera. Nestes 35 anos, a história da MLX escreveu-se com Eduarda Abbondanza a solo ao leme da mesma, com uma persistência e coragem incansáveis.

Mesmo antes de parar de escrever este ensaio, sinto que muito ficará por dizer.

Há que explicar também o porquê da escolha do título. Porque Eduarda Abbondanza é “Sol da Moda Portuguesa”, porque sem sua acção e o seu trabalho incansável seriamos apenas matéria dispersa pelo espaço, não seriamos um Sistema de Moda.

Assim, sendo a ModaLisboa, o projecto da sua vida, como já tantas vezes mencionou, Eduarda é o motor do mesmo, pelo que é o Sol em torno do qual gravitam os planetas e luas deste nosso Sistema de Moda em Portugal.

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia

Este episódio aconteceu um pouco à margem do guião que tinha preparado, como vos disse. Este texto de acompanhamento existe para preencher essas lacunas — para registar todas as referências importantes e dar-vos os nomes e as citações de que vão precisar para ir pesquisar por conta própria.

Uma correcção que vos devo

No segundo ensaio Pebbling sobre ModaLisboa, creio que atribuí a teoria de que a moda é comunicação a Roland Barthes. Estava errada, e peço desculpa. A teoria pertence a Malcolm Barnard. A ideia — de que a moda envia mensagens, e que nós recebemos e interpretamos essas mensagens através das nossas próprias experiências, conhecimentos e bagagem cultural — é dele. Tudo o que tenho construído com base nisso mantém-se. A atribuição precisava de estar correcta.

O calendário da moda, na íntegra

Fonte: @stylenotcom

Desde o início de 2026 até agora, tivemos: Milan Men’s Fashion Week, Paris Men’s Fashion Week, Paris Haute Couture Fashion W…

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Aqui vamos nós falar da Semana de Moda portuguesa. Tal como afirmei em ModaLisboa Pebbling | Lisboa Fashion Week - Ensaio nº1, continuarei a citar os próprios criadores, uma vez que essa caixa de ressonância é necessária.

Portanto neste segundo ensaio irei inspirar-me nas teorias de Roland Barthes de como a Moda comunica — a que vou chamar de mensagem Moda.

A Moda envia mensagens de significado, mas estes significados têm um ponto de origem e um ponto de interpretação.

Quem a envia tem uma intenção, quem recebe tem uma interpretação. Por norma, esta teoria aplica-se ao estilo pessoal, à expressão identitária de quem veste o próprio corpo. Não obstante, aqui iremos aplicá-la ao amigo primeiro da Moda — as semanas de Moda, nomeadamente, a apresentação de colecções.

Portanto vou citar uma parte da intenção de quem envia a mensagem Moda — o designer. Assim como da interpretação de quem recebe a mensagem Moda — quem assiste ao desfile, neste caso a vossa Substacker de Moda portuguesa favorita, eu.

Mas já lá chegaremos…

Bárbara Atanásio

Bárbara Atanásio dá continuidade à exploração de temáticas que normalmente associamos às mulheres, mas que aborda de uma perspectiva feminista de desmantelamento da masculinidade tóxica.

Em termos formais, considero que a jovem designer alargou o seu léxico de volumes e silhuetas.

Arndes

Arndes continua o seu percurso de diálogo com os próprios materiais e formas, muito mais do que conceitos abstratos, de uma coerência e maturidade criativa admiráveis.

Durante o desfile fotografei freneticamente, porque já que The Row é hot topic Substack e por pouco profissional que possa soar pensava: “A Arndes é muito melhor que The Row, o Substack vai adorar!”

Gonçalo Peixoto

Este é o conceito de Gonçalo Peixoto, mas penso que o mesmo terá estado mais vincado no pórtico e nos adereços evocativos de escritório on brand do que na própria colecção.

Apesar do designer saudar os anos 2000 na memória descrita, facilmente veríamos estas silhuetas nas produções de Hollywood dos anos 30. Já no look 12 encontro um quê suffragette de início do século XX. E consigo, facilmente, imaginar Josephine Baker a dançar envergando o look 31.

O que é, sim, certo dizer, é que ao juntar o amalgama de perguntas que fazemos e das respostas fragmentadas que a AI nos dá — Gonçalo Peixoto explorou novos territórios.

Ricardo Andrez

Tenho de confessar que foi complicado domar o meu cérebro para lá do “Quero isto! | Este look não é tanto o meu estilo. | Será que esta peça me ficaria bem?”

Calado o meu cérebro que adorou todos os looks em azul Klein, tendo feito um enorme esforço para não me deixar levar exclusivamente pelo meu gosto pessoal.

E, há que dizer que Andrez alcançou algo extremamente e consequentemente impressionante, inovar em silhuetas, cores e formas, continuando a ser Ricardo Andrez, continuando a sentir-se o ADN da marca.

DuarteHajime

Não posso esconder que fiquei contente por Ana Duarte cortar com a inspiração mitológica explorada nas últimas estações, ainda que as extensas narrativas não afectassem o consumidor final no sentido da sua receptividade das propostas apresentadas. Do meu ponto de vista, ter toda a narrativa em mente ao ver o desfile era um exercício complexo.

Já este foi um exercício mais grato, pude ver para lá da vasta conceptualização da marca. Ao ver as propostas de Duarte para o Outono/Inverno 2026 lembrei-me das colecções de Outono/Inverno 2011 de Ana Salazar e de Alves/Gonçalves.

E, graças a DuarteHajime e a esta linha de pensamento, percebi que este exercício de paralelismo da actualidade da Moda portuguesa com a sua história recente deve ser feito de forma mais propositada. Não pelos designers, mas para os designers e futuros designers.

Luís Onofre

Quando se trata de um desfile de sapatos receber essa mensagem é complicado, temos de ver os pés das manequins, quer seja directamente ou por meio dos ecrãs na própria sala de desfiles.

Podia dizer-te que apreciei a pureza das linhas e a escolha do tom de vermelho em opções envernizadas. Mas confesso que tenho de ir estudar sobre sapatos, mas a fundo — para deixar de os apreciar como o objecto e encará-los como calçado que são.

Nuno Baltazar

Penso que este foi o desfile de que mais falei durante o livestream pós-ModaLisboa, principalmente na questão da iluminação como paralelismo e integração da parceria com a FujiFilm. Mas avancemos que com a extensão deste ensaio estou a arriscar-me a perder a tua atenção.

Se apesar de não estar nos planos casar-me, e de o desfile não ter mudado esta opção, gostaria e desejaria vestir uma peça Nuno Baltazar Bridal? Claro que sim!

De que referências me lembrei durante o desfile?

De Martin Margiela, devido à forma como os véus cobriam a cara de algumas manequins.

Do editorial da Vogue Italia, sob o comando de Franca Sozzani, de Abril de 2014, que tinha como tema a violência doméstica. Mas porque num desfile bridal me lembrei disto? Primeiro, os detalhes a vermelho — as luvas e as collants. Depois devido às dúvidas vocalizadas por estas noivas. E, por último, em Portugal, um país com menos de 11 milhões de habitantes, no ano passado morreram 24 mulheres vítimas de violência doméstica.

Luís Carvalho

A Moda tem a capacidade de ser poética, de suspender o tempo e de nos colocar intensamente no momento presente. Foi exactamente isso que aconteceu ao vermos a beleza dos traços de alfaiataria de Luís Carvalho enquanto ouvíamos:

“Ainda te lembras de mim? 

Ainda sabes de onde eu vim?

 Quem sou esta que aqui estou?”

O que sabemos é que esta que aqui está — a ModaLisboa, veio do esforço dos pioneiros, que não se limitaram a criar para si mesmos, mas criaram com amor… Amor suficiente para criar algo que servisse os outros, que fosse o berço criador da criatividade de outros — de um país inteiro.

Não obstante, porque não uma reflexão? O que se pode inferir deste exercício das mensagens Moda que aqui apliquei? Que as interpretações que se fazem daquilo que os designers apresentam advêm do capital de referências de quem recebe ditas mensagens.

Para a semana, espero trazer-te este tipo de ressonância aplicada ao(s) fashion month(s) antes, durante (e depois?) da Lisboa Fashion Week. Cá te espero — no The Fashion Standup.

Até para a semana!

Com amor,

Vera Lúcia